La Calavera Catrina ist eine der politisch aufgeladensten Figuren in der Tattoo-Ikonografie, ein elegantes weibliches Skelett in einem europäischen Federhut, dessen Ursprung keine Feier des Todes ist, sondern eine Klassensatire, die vom mexikanischen Kupferstecher José Guadalupe Posada um 1910 bis 1913 in Mexiko-Stadt geschaffen wurde. Posada betitelte den Originalstich La Calavera Garbancera, und verspottete die garbanceros, Mexikaner, die ihr indigenes Erbe verleugneten, um sich während des späten Porfiriato als Europäer auszugeben. Das bloße Skelett unter dem schicken Hut machte die Aussage: unter der geliehenen Finesse ist jeder Knochen. Der Muralist Diego Rivera gab der Figur ihren Namen und ihren voll gewandeten Körper in seinem Wandgemälde von 1947 Sueño de una spät dominical en la Alameda Central. Dieses Wandgemälde, nicht der Originalstich, ist das Bild, von dem die meisten Catrina-Tattoos abstammen. Die Figur trägt eine spezifisch mexikanische Bedeutung, der Tod als großer Nivellierer, anders als das Zuckerschädelsgesicht und der geschlechtslose europäische Sensenmann. Siehe die Begleitende Zuckerschädel Seite für die breitere Calavera-Tradition.

Was bedeutet ein Catrina-Tattoo?

Ein Catrina-Tattoo bedeutet am häufigsten eine Meditation über den Tod als den großen Gleichmacher, die Idee, dass unter Mode, Reichtum und Vortäuschung jeder dasselbe Knochengerüst ist. Es stammt aus José Guadalupe Posadas Klassensatire, die um 1910 bis 1913 in Mexiko-Stadt gestochen wurde, und aus Diego Riveras Wandgemälde von 1947. In der modernen Praxis wird es am häufigsten als ehrendes Gedenken für eine verstorbene weibliche Verwandte oder als Ausdruck des Stolzes auf die Kultur des Día de los Muertos verstanden.

Wer ist La Catrina?

La Catrina ist ein eleganter weiblicher Skelett in einem aufwendigen europäischen Federhut, geschaffen vom mexikanischen Kupferstecher José Guadalupe Posada um 1910 bis 1913 als La Calavera Garbancera, eine Satire auf Mexikaner, die ihr indigenes Erbe versteckten, um europäisch zu erscheinen. Der Wandmaler Diego Rivera nannte sie "La Catrina" und malte ihre vollständige Figur in seinem Wandgemälde von 1947 im Hotel del Prado in Mexiko-Stadt.

Was ist der Unterschied zwischen Catrina und einem Zuckerschädel?

Ein Zuckerschädel (Calavera de Azúcar) ist das verzierte Schädel Gesicht, ein festliches Emblem des Día de los Muertos Altars, älter als Posada. La Catrina ist eine vollständige weibliche Figur, eine elegante Skelettdame in einem schicken Hut und Kleid, geschaffen von Posada um 1910 und benannt von Diego Rivera 1947. Die Catrina trägt spezifische klassensatirische Politik; der Zuckerschädel ist hauptsächlich ein Opfer für den Ahnenaltar. Siehe die Zuckerschädel Seite.

Ist ein Catrina-Tattoo kulturelle Aneignung?

Es kommt auf den Kontext an. La Catrina trägt spezifische mexikanische politische und historische Bedeutung, die in Posadas Klassensatire der Porfiriato-Ära und Riveras nationalistischem Wandgemälde verwurzelt ist, dokumentiert von Gelehrten wie Stanley Brandes und Regina Marchi. Die geerdetsten Verwendungen sind Gedenken (Ehrung einer mexikanischen weiblichen Verwandten) oder echte Teilnahme am Día de los Muertos. Nicht-Mexikaner, die Catrina-Gesichtsfarbe oder ein Catrina-Tattoo als generische "hübsche tote Frau"-Ästhetik behandeln, ist umstritten.

Woher kommt La Catrina?

La Catrina entstand als La Calavera Garbancera, ein Zinkstich des mexikanischen Kupferstechers José Guadalupe Posada (1852 bis 1913), der um 1910 bis 1913 in Mexiko-Stadt für den Verleger Antonio Vanegas Arroyo entstand. Er satirierte Klassenprätention während des späten Porfiriato. Der Wandmaler Diego Rivera nannte sie "La Catrina" und malte ihre vollständige elegante Figur in seinem Wandgemälde von 1947 Sueño de una spät dominical en la Alameda Central.

Wo sollte ich ein Catrina-Tattoo platzieren?

Die Catrina bevorzugt große Leinwände, da die Figur Ganzkörper und detailreich ist. Der Rücken ist die kanonische Platzierung für eine vollständige Catrina-Figur im Chicano-Schwarz-Grau. Der äußere Oberschenkel, der volle Ärmel und die Wade nehmen den eleganten Körper und den Federhut auf. Unterarm und Oberarm eignen sich eher für ein Catrina-Porträt (Kopf und Schultern) als für die vollständige Figur. Besprechen Sie die Größe mit Ihrem Künstler.

Das Posada-Original: La Calavera Garbancera, ca. 1910 bis 1913

Die Figur, die die Welt heute La Catrina nennt, begann nicht als Feier. Sie begann als Witz auf Kosten von sozialen Aufsteigern, gestochen von einem Handwerker in einer Druckerei in Mexiko-Stadt in den letzten Jahren der Diktatur von Porfirio Díaz.

José Guadalupe Posada (Aguascalientes, 2. Februar 1852 bis Mexiko-Stadt, 20. Januar 1913) war der produktivste und einflussreichste Illustrator der mexikanischen populären Druckkultur im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert. Ausgebildet in Lithografie und Kupferstich in Aguascalientes, zog Posada über León, bevor er sich um 1888 in Mexiko-Stadt niederließ, wo er Tausende von Illustrationen für die populäre Presse produzierte, hauptsächlich für den Verleger Antonio Vanegas Arroyo (1852 bis 1917). Posadas Werk umfasste das gesamte Spektrum des billigen Volksdrucks: Corridos (Balladen-Flugblätter), sensationelle Kriminalberichte, Wunderberichte, religiöse Bilder, Anzeigen, Kinderspiele und das saisonale Genre, das seinen Namen ins 20. Jahrhundert tragen würde, die Calavera Flugblätter, die für die Saison des Día de los Muertos produziert wurden. Der Standard-Wissenschaftsbericht über dieses Werk ist Patrick Franks Posadas Flugblätter: Mexican Beliebte Bilder, 1890 bis 1910 (University of New Mexico Press, 1998), das Posadas Arbeitsweise, seine Beziehung zu Vanegas Arroyo und die Druckwirtschaft des späten Porfiriato dokumentiert. Der frühere und grundlegende Bericht ist Anita Brenners Idole hinter Altären (Payson and Clarke, 1929), der Posada einem breiten englischsprachigen und mexikanisch-modernistischen Publikum vorstellte und ihn als visuellen Vorfahren der mexikanischen Wandmalerbewegung nach der Revolution positionierte (VERIFIZIERT über Frank 1998; Brenner 1929).

Das Calavera Flugblatt war ein saisonales Genre mit eigenen Regeln. Für den Día de los Muertos produzierten mexikanische Drucker Blätter mit Skelettbildern, begleitet von satirischen Versen, den Calaveras literarias, Spott-Epitaphe, die die Lebenden, oft öffentliche Figuren, in Reimpaaren "umbringten". Posadas Beitrag zu diesem Genre war visuell: Skelette, die taten, was die Lebenden tun, in Cantinas trinken, Fahrrad fahren, als Revolutionäre paradierten, sich verabreden, tanzen und über ihre Verhältnisse kleiden. Die Skelette waren der Punkt. Indem er das satirierte Subjekt als Calavera, machte der Druck die gleiche Aussage wie die mittelalterliche Danse Macabre in Europa Jahrhunderte zuvor, dass der Tod Rang und Namen wegfegt und die darunter liegenden Knochen freilegt, aber er tat dies im spezifischen Idiom der mexikanischen Volks-Satire und der spezifischen Politik des Porfiriato (VERIFIZIERT; Frank 1998; Brandes 1998).

Der ursprüngliche Stich, der jetzt als La Catrina gelesen wird, trug den Titel _La Calavera Garbancera_. Das Wort Garbancera ist der Schlüssel zum Bild und ist der Teil, der am häufigsten verloren geht, wenn die Figur als dekoratives Tattoo reproduziert wird. Ein garbancero war buchstäblich ein Verkäufer von Kichererbsen (Kichererbsen, Kichererbsen), ein bescheidenes Straßenhandwerk. Im politischen Slang des späten Porfiriato war Garbancera zu einer spitzfindigen Beleidigung geworden: Es bezeichnete indigene und Mestizen-Mexikaner bescheidener Herkunft, die ihr einheimisches Erbe verleugneten und europäische, insbesondere französische, Mode und Manieren nachahmten, um "zivilisierter", weißer, mehr im Einklang mit den europhilen Bestrebungen der Díaz-Regierung wissenschaftlich Elite zu erscheinen. Der Porfiriato (1876 bis 1911) hatte die Nachahmung französischen Geschmacks zu einem Statussymbol gemacht; die Oberschicht von Mexiko-Stadt baute im Beaux-Arts-Stil, kleidete sich nach Pariser Mode und behandelte indigene Identität als etwas, dem man entkommen musste. Die Garbancera war der soziale Aufsteiger, der in dieser Bestrebung gefangen war, die Tochter des Bohnenverkäufers im geliehenen französischen Hut (VERIFIZIERT über Frank 1998; Brandes 1998; Carmichael und Sayer 1991).

Posadas Bild machte die Satire visuell und verheerend. Die Figur trägt nichts als einen riesigen, aufwendigen europäischen Hut, wie er in den 1900er Jahren modisch war, breitkrempig, beladen mit Straußenfedern und Zierblumen. Unter dem Hut: ein nackter Schädel und im ursprünglichen Brustbildstich nackte Skelettschultern und Rippen. Im Posada-Original gibt es kein Kleid. Der Witz ist der Kontrast. Der Hut sagt "französische Aristokratin"; der Körper sagt "du bist ein Skelett wie jeder andere, und deine geliehene Pracht kann das nicht verbergen." Ein überlieferter Vers, der mit der Flugblatt-Tradition verbunden ist, macht die Klassenlesung explizit und verspottet diejenigen, die Kichererbsen statt ehrliche Tortillerassein wollen. Das nackte Skelett im schicken Hut ist zuerst Klassensatire und dann Memento Mori; die beiden Lesarten verstärken sich gegenseitig, aber die politische Lesung, dass Prätention ein Witz des Todes ist, ist die ursprüngliche Bedeutung (VERIFIZIERT; Frank 1998; Brandes 1998).

Die genaue Datierung des Stichs ist gemischt. Posada starb im Januar 1913, also stammt die Platte aus der Zeit davor. Die am häufigsten zitierten Daten liegen im Bereich 1910 bis 1913, und das Bild wird in Museums- und Bibliothekskatalogen, einschließlich der aus dem Archiv von Vanegas Arroyo reproduzierten Bestände, häufig mit "ca. 1910" datiert. Der ursprüngliche Druckkontext, das spezifische Flugblatt, auf dem es zuerst erschien, und das genaue Jahr sind nicht mit der Präzision dokumentiert, die die spätere Popularität zu verlangen scheint, da der Stich ein wegwerfbares kommerzielles Druckwerk war, keine feine Kunst, die zur Erhaltung produziert wurde. Was VERIFIZIERT ist, ist die Urheberschaft (Posada), der Verleger (Vanegas Arroyo), der ursprüngliche Titel (La Calavera Garbancera), das Medium (Zinkstich, Posadas spätere Ätztechnik) und die satirische Absicht (Frank 1998; Brenner 1929).

Posada selbst starb arm und weitgehend unbeachtet, begraben in einem Massengrab in Mexiko-Stadt im Jahr 1913. Seine Erhebung in den Rang eines nationalen Künstlers erfolgte nach der Mexikanischen Revolution, als die Wandmalergeneration, allen voran Diego Rivera und José Clemente Orozco, ihn als die authentische visuelle Stimme des mexikanischen Volkes und den formalen Vorfahren ihres eigenen Werkes beanspruchte. Jean Charlot, der französisch-mexikanische Künstler und Kunsthistoriker, wird allgemein die wissenschaftliche "Wiederentdeckung" von Posadas Platten in den frühen 1920er Jahren zugeschrieben, und Anita Brenners Idole hinter Altären (1929) trug diese Umdeutung einem internationalen Publikum. Der Garbancera Stich war eines von Tausenden von Posada-Bildern; sein singulärer Ruhm ist vollständig ein Produkt dessen, was Rivera drei Jahrzehnte nach Posadas Tod damit tat (VERIFIZIERT; Brenner 1929; Frank 1998).

Der Name: "Catrina", "catrín" und Diego Riveras Geschenk

Die Figur wurde zu Posadas Lebzeiten nicht "La Catrina" genannt. Der Name ist Diego Riveras, und er ist untrennbar mit dem verbunden, was Rivera visuell mit der Figur machte.

Das spanische Wort catrín bezeichnet einen bestimmten sozialen Typ des 19. und frühen 20. Jahrhunderts: einen Dandy, einen gut gekleideten Herrn, einen Mann von auffälliger Eleganz und modischem Auftritt, oft mit der Konnotation von Affektiertheit oder Eitelkeit. Die weibliche Form, catrina, bezeichnet das weibliche Äquivalent, die elegant übermäßig gekleidete Dame. Das Wort trägt dasselbe Klassenregister, das Posadas Garbancera Satire anvisierte: der catrín und die catrina sind Menschen, deren Identität auf Darstellung, auf der Aufführung einer Station über ihrer Herkunft aufgebaut ist. Als Rivera das Skelett "La Catrina" nannte, milderte er sowohl die ursprüngliche Garbancera Schimpfwort (das eine spezifische rassistische Klassenprätention bezeichnete) und verallgemeinerte es zur breiteren Figur der eleganten Dame, die der Tod entblößt hat. Die Umbenennung ist selbst ein kleiner Interpretationsakt: Sie verschiebt die Figur von einer spitzen ethnisch-klassischen Satire der Porfiriato-Ära hin zu einem universelleren, nationaler nutzbaren Emblem der durch Sterblichkeit zunichte gemachten Eleganz (VERIFIZIERT in der Rivera-Forschung; Bertram Wolfe, Der fabelhafte Life von Diego Rivera, Stein und Day, 1963; Brandes 1998).

Rivera gab ihr auch einen Körper. Das Posada-Original ist eine Büste: ein Hut, ein Totenschädel, nackte Skelettschultern. Rivera erweiterte sie zu einer eleganten Ganzkörperfigur in einem langen Kleid mit einer Federboa, wobei der große Federhut intakt blieb, und verwandelte das nackte satirische Skelett in eine stattliche, fast königliche Dame der Mode. Diese Ganzkörper-Catrina, gekleidet und mit Boa geschmückt, ist das Bild, von dem der moderne Tag der Toten und das moderne Catrina-Tattoo abstammen. Die Büste wurde zur Dame. Das Schimpfwort wurde zur Ikone (VERIFIZIERT; Wolfe 1963; Rivera-Wandmalerei-Dokumentation, Museo Mural Diego Rivera).

Es lohnt sich, die Verwirrung zu bemerken, die die Umbenennung hervorrief, da sie in populären Darstellungen ständig auftaucht und auf einer wissenschaftlichen Seite sorgfältig behandelt werden sollte. Viele Quellen lassen die Zeitlinie verschwimmen und schreiben Posada sowohl das Bild als auch den Namen „Catrina“ zu, und einige schreiben auch die Ganzkörperversion mit Kleid Posada zu. Die korrekte Darstellung, VERIFIZIERT in der Posada- und Rivera-Forschung, lautet: Posada schuf die nacktschulterige Calavera Garbancera Büste um 1910 bis 1913; Rivera gab der Figur 1947 den Namen „La Catrina“ und den eleganten Ganzkörper mit Kleid. Der Name ist Riveras. Die Ganzkörperfigur ist Riveras. Das ursprüngliche Skelett im Hut ist Posadas (Frank 1998; Wolfe 1963; Brandes 1998).

Riveras Wandgemälde von 1947: das Ursprungsbild für fast jedes Catrina-Tattoo

Das wichtigste Objekt zum Verständnis der modernen Catrina und des modernen Catrina-Tattoos ist ein Wandgemälde, das die meisten Menschen, die die Figur tragen, nie gesehen haben und dessen Namen sie nicht nennen könnten.

1947 vollendete Diego Rivera (1886 bis 1957) _Sueño de una late dominical en la Alameda Central_ („Traum eines Sonntagnachmittags im Alameda Central Park“), ein großes Wandgemälde von etwa vier Komma sieben Metern Höhe und etwa fünfzehn Metern Breite, gemalt für die Lobby des Hotel del Prado in Mexiko-Stadt, gegenüber der Alameda Central, dem ältesten öffentlichen Park der Stadt. Das Wandgemälde ist ein Panorama der mexikanischen Geschichte, dargestellt als traumhafter Sonntagsspaziergang in der Alameda, bevölkert mit Figuren aus vier Jahrhunderten mexikanischen Lebens: Figuren aus der Kolonialzeit, Dandys der Porfiriato-Ära und ihre Familien, Revolutionskämpfer und Riveras eigene persönliche und politische Besetzung (VERIFIZIERT; Wolfe 1963; Dokumentation des Museo Mural Diego Rivera).

Im visuellen Zentrum des Wandgemäldes steht La Catrinain voller Figur, mit ihrem großen Federhut, mit einer Federschlangenboa (ein Quetzalfeder- Quetzalcoatl Motiv, das Rivera in die Boa einarbeitete und das Skelett der europäischen Mode zurück zur indigenen mesoamerikanischen Mythologie verband, ein charakteristisch Riveranischer nationalistischer Schachzug). Zu einer Seite von ihr, Arm in Arm, steht José Guadalupe Posada selbst, dargestellt als schnieker Herr, Riveras Hommage an den Kupferstecher, den er als seinen künstlerischen Vorfahren bezeichnete. Zu ihrer anderen Seite steht ein junger Diego Rivera, gemalt als etwa zehnjähriger Junge, der die Skeletthand der Catrina hält, mit Frida Kahlo hinter dem Jungen positioniert, eine Hand auf seiner Schulter. Die Gruppierung ist eine bewusste Genealogie: Posada der Vorfahre, die Catrina die Muse, der Junge Rivera der Erbe, Kahlo die Gefährtin. Rivera stellte sich als Kind dar, das buchstäblich die Hand des Todes hält, mit dem Kupferstecher, der sie erfand, daneben stehend (VERIFIZIERT; Wolfe 1963; Rivera-Kataloge; Museo Mural Diego Rivera).

Diese Gruppierung, die elegante Ganzkörper-Catrina mit Federn, flankiert von Posada und Rivera, ist das kanonische Bild. Wenn ein Tattoo-Kunde heute nach „einer Catrina“ fragt, ist die Figur, die er im Sinn hat, die elegante Dame im Federhut und Kleid, Riveras Figur von 1947, nicht Posadas nacktschulterige Büste von 1910. Der elegante Ganzkörper, das Kleid, die Boa, die stattliche Haltung: alles Rivera. Die ursprüngliche satirische Büste lebt in der Kunstgeschichte weiter; die gekleidete Dame lebt auf dem Körper und dem Altar weiter (VERIFIZIERT; Brandes 1998; Carmichael und Sayer 1991).

Die eigene Geschichte des Wandgemäldes verstärkt die Ironie einer Satire, die zur nationalen Ikone wurde. Das Wandgemälde des Hotel del Prado war vom Moment seiner Enthüllung an politisch umstritten, da Rivera auf einer Tafel im Bild die Phrase „ Dios no existe („Gott existiert nicht“) einfügte, die dem liberalen Ignacio Ramírez aus dem 19. Jahrhundert zugeschrieben wird. Der katholische Aufschrei war heftig; das Wandgemälde wurde verdeckt und einmal teilweise beschädigt, und Rivera veränderte die Inschrift schließlich Jahre später. Das Hotel del Prado wurde beim Erdbeben in Mexiko-Stadt im September 1985stark beschädigt, und das Wandgemälde, auf einem beweglichen Stahlrahmen montiert, wurde verlegt. 1988 wurde es in einem speziell dafür gebauten Museum gegenüber der Alameda, dem Museumswandbild Diego Riverainstalliert, wo es die Hauptausstellung bleibt. So wurde die Figur, die als wegwerfbarer satirischer Stich eines sozialen Aufsteigers begann, nun zu einer eigenen Museumswand im Herzen von Mexiko-Stadt (VERIFIZIERT; Museo Mural Diego Rivera; Wolfe 1963 zur frühen Kontroverse des Wandgemäldes).

"Der Tod macht uns alle gleich": die politische Bedeutung

Die Kernbedeutung von La Catrina, die sie von einer generischen „hübschen toten Dame“ unterscheidet und die eine wissenschaftliche Tattoo-Seite im Auge behalten muss, ist die Aussage, dass der Tod der große Gleichmacher ist.

Das Argument ist im ursprünglichen Bild angelegt. Die Garbancera setzt den französischen Hut auf, um über ihre Verhältnisse zu erscheinen; das Skelett unter dem Hut offenbart, dass die Verhältnisse immer eine Verkleidung waren. Nimmt man Hut, Kleid, Boa, Reichtum, ethnische Anmaßung weg, bleibt Knochen übrig, identisch mit dem Knochen unter der indigenen Tortillera auf die sie herabblickte, identisch mit dem Knochen unter dem wissenschaftlich Aristokraten, den sie imitierte. Der Tod prüft weder deine Mode noch deine Blutlinie. Die Muerte ist demokratischlautet die Formulierung, die oft Posadas Geist zugeschrieben wird: Der Tod ist demokratisch, der einzige wahre Nivellierer einer brutal geschichteten Gesellschaft der Porfiriato-Ära (VERIFIZIERT als Kern der wissenschaftlichen Lesart; Stanley Brandes, „Iconography in Mexico's Day of the Dead: Origins and Meaning“, Ethnogeschichte 45:2, 1998; Brundes, Schädel für die Lebenden, Brot für die Toten, Blackwell, 2006).

Dies ist die gleiche memento mori Logik, die durch den europäischen Danse Macabreläuft, den mittelalterlichen „Totentanz“, in dem Skelette Päpste und Kaiser, Kaufleute und Bauern gleichermaßen wegführen und zeigen, dass der Tod keinen Rang respektiert. Der Anthropologe Stanley Brundes, der führende moderne Wissenschaftler der Ikonographie des Tages der Toten, ordnet die mexikanische Calavera Satire in diese breitere westliche Tradition ein, betont aber ihren spezifisch mexikanischen politischen Inhalt: Posadas Skelette waren keine abstrakten Erinnerungen an die Sterblichkeit, sondern spitze Kommentare zu den spezifischen Heucheleien einer bestimmten Gesellschaft, die Europhilie der Porfiriato-Elite, der Reichtum der Kirche, die Korruption der Politiker, die Scham des sozialen Aufsteigers über indigene Herkunft (VERIFIZIERT; Brandes 1998; Brandes 2006).

Dies ist der politische-satirische Kern, den die meisten nicht-mexikanischen Aneignungen der Figur verlieren. Eine Catrina, die rein als dekorative Eleganz wiedergegeben wird, eine glamouröse Skelettdame ohne Bewusstsein für die Garbancera Satire, behält den Hut und die Knochen, verwirft aber das Argument. Die Figur trägt immer noch die schwache memento mori Ladung (sie ist schließlich ein Skelett), aber der spezifische, wilde, lustige, demokratische Punkt, dein Prunk ist eine Lüge, die der Tod entlarvtgeht verloren. Ein bodenständiges Catrina-Tattoo, wie es ein nachdenklicher Künstler und Kunde gemeinsam entwickeln, behält den Punkt im Auge, auch wenn die Darstellung schön ist. Die Schönheit und die Satire stehen im Original nicht im Widerspruch; die Figur ist schön weil die Satire scharf ist (VERIFIZIERTE Lesart; Brandes 1998; Marchi 2009).

Integration des Día de los Muertos: wie der Satire das Gesicht des Feiertags wurde

La Catrina ist heute das bekannteste Gesicht des Día de los Muertosdes mexikanischen Tages der Toten, der hauptsächlich am 1. November (Día de los Inocentes oder Día de los Angelitos, für verstorbene Kinder) und am 2. November (Día de los Muertos selbst, für verstorbene Erwachsene) begangen wird und die katholischen Allerheiligen- und Allerseelen-Gedenktage mit indigenen mesoamerikanischen Totenpraktiken synkretisiert. Aber dieser ikonische Status ist eine relativ neue Entwicklung und datiert nach Rivera (VERIFIZIERT; Carmichael und Sayer 1991; Brandes 2006).

Die tiefe Struktur des Tages der Toten, die Ofrenda (Hausaltar), die Ringelblume (cempasúchil) Wege, die gelegt werden, um zurückkehrende Geister zu leiten, das pan de muerto (Brot der Toten), die Zuckerschädel mit den Namen der Lebenden und Toten, die Totenwachen, gehen in ihrer indigenen und kolonial-katholischen synkretistischen Form Jahrhunderte vor Posada. Der verzierte Zuckerschädel (Calavera de Azúcar), insbesondere, ist eine ältere Altradition als Posadas Stichsatire und gehört zu einer anderen visuellen Linie (das geformte, benannte, glasierte Totenschädelgesicht, das auf den Ofrenda) gelegt wird, detailliert auf der begleitenden Zuckerschädel Seite beschrieben. Posadas Calavera Flugblätter waren eine Druckkultur-Überlagerung dieser älteren lebenden Tradition, und seine Skelette (einschließlich der Garbancera) waren satirisch und politisch, auf die Lebenden gerichtet, keine Andachtsgegenstände für den Altar (VERIFIZIERT; Carmichael und Sayer 1991; Brandes 1998).

Die Kette, durch die Posadas satirisches Skelett zum Gesicht des gesamten Feiertags wurde, führt über Rivera und das postrevolutionäre nationalistische Projekt. Elizabeth Carmichaels und Chloë Sayers Das Skelett beim Fest: Das Day der Toten in Mexico (British Museum Press, 1991), das Standardwerk in englischer Sprache über den Feiertag, verfolgt, wie der mexikanische Staat nach 1920 und seine Muralisten den Tag der Toten und Posadas Calaveras darin bewusst als Embleme einer authentischen mexikanisch (Mexikanertum) erhoben, die sich von der europäischen Kultur unterscheidet. Das Festival, das die Porfiriato-Elite als plumpe Bauernsuperstition angesehen hatte, wurde nach der Revolution zu einem gefeierten Merkmal der nationalen Identität. Riveras Wandgemälde von 1947, das die benannte, gekleidete Catrina im wörtlichen Zentrum eines Panoramas der mexikanischen Geschichte platziert, war ein Höhepunkt dieser Erhebung. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wanderte La Catrina vom gedruckten Flugblatt zum Altar, zur Parade, zum Schulspiel, zum Festivalplakat und schließlich zur globalen Vorstellungskraft (VERIFIZIERT; Carmichael und Sayer 1991; Brandes 2006).

Das Ergebnis ist eine Figur, die nun doppelte Dienste leistet. Auf der Ofrenda und in der Parade liest sie sich festlich, feierlich, als die fröhliche mexikanische Haltung gegenüber dem Tod, die der Feiertag verkörpert: Tod willkommen geheißen, bewirtet, mit ihm getanzt, über ihn gelacht, nicht gefürchtet. Aber sie trägt ihren satirischen Ursprung in der Feier. Die Catrina ist festlich und sie ist die Erinnerung daran, dass die Mächtigen und Stolzen genauso sterben wie die Demütigen. Beide Lesarten sind korrekt, und die beste Catrina-Arbeit, gedruckt, als Gesichtsbemalung und auf Haut, vereint sie (BESTÄTIGT; Brandes 1998; Carmichael und Sayer 1991).

Die Catrina-Gesichts-Tradition

Ein deutlich moderner Zweig, der direkt in das Tattoo-Register einfließt, ist die Catrina-Gesichtsbemalung Tradition, bei der Frauen (und zunehmend Menschen aller Geschlechter) ihre Gesichter als aufwendige Catrina-Schädel für Feiern zum Tag der Toten, Paraden und Wettbewerbe bemalen.

Diese Praxis ist jünger, als die Leute oft annehmen. Regina Marchis Day der Toten in den USA: Die Migration und Transformation eines kulturellen Phänomens (Rutgers University Press, 2009), die wichtigste wissenschaftliche Darstellung der Entwicklung des Feiertags in den Vereinigten Staaten, dokumentiert, dass die aufwendige Catrina-Gesichtsbemalung, die weiße Schädelbasis, die geschwärzten Augenhöhlen, umrahmt von gemalten Blütenblättern, die verzierte Nase, die Spitzen und floralen Verzierungen auf den Wangen und der Stirn, im Wesentlichen eine Ausarbeitung des späten 20. und 21. Jahrhunderts ist, beschleunigt durch Chicano-Kulturrevival-Feiern in den Vereinigten Staaten ab den 1970er Jahren und durch die breitere Kommerzialisierung und Medienverbreitung des Feiertags in den 2000er und 2010er Jahren. Das Catrina-Gesicht ist also selbst teilweise ein Produkt des Hin und Her zwischen Mexiko und der mexikanisch-amerikanischen Diaspora, keine zeitlose Volksbrauch (BESTÄTIGT; Marchi 2009).

Die Gesichtsbemalungstradition ist für das Tattoo wichtig, da sie neben der Rivera-Ganzkörperfigur eine zweite visuelle Vorlage liefert. Viele Catrina-Tattoos sind keine Wiedergaben der ganzen, gekleideten Figur aus dem Wandgemälde von 1947, sondern Wiedergaben eines lebenden Frauengesichts, das als Catrina bemalt ist: ein schönes weibliches Gesicht, Augen offen und lebendig, mit der Schädelbemalung, den blütenblattumrandeten Augen, den floralen Verzierungen und oft dem großen Federhut darüber. Diese "Halbgesichts"- oder "bemalte Gesichts"-Catrina, manchmal entlang der Mittellinie geteilt, sodass eine Hälfte ein lebendes Gesicht und die andere Hälfte der bemalte Schädel ist, stammt aus der Gesichtsbemalungstradition und nicht direkt von Posada oder Rivera. Sie ist eine der häufigsten Catrina-Tattoo-Kompositionen in den 2010er und 2020er Jahren und liegt näher am Register der Festivalteilnahme als an der ursprünglichen Drucksatire (BESTÄTIGTER Zweig; Marchi 2009; Querverweis mit der Zuckerschädel Gesichtstradition).

Die Unterscheidung ist wichtig für die Bedeutungsdeutung. Eine Ganzkörper-Catrina mit Hut und Boa verweist über Rivera auf Posadas Klassensatire. Das Gesicht einer lebenden Frau, die als Catrina bemalt ist, verweist auf die zeitgenössische Festival- und Make-up-Tradition und auf die Teilnahme der Trägerin an (oder die Ästhetisierung von) der Kultur des Tages der Toten. Beide sind legitime Catrina-Motive; sie stammen aus verschiedenen Punkten der Geschichte der Figur und tragen leicht unterschiedliche Bedeutungen (GEMISCHTE Lesart, gut gestützt; Marchi 2009; Brandes 2006).

Die Chicano-Tattoo-Linie: East LA Black-and-Grey und die großformatige Catrina

La Catrina trat hauptsächlich durch die Chicano Black-and-Grey-Feinlinien-Tradition in das amerikanische professionelle Tätowiergewerbe ein, die in den 1970er Jahren in East Los Angeles entstand und die gleiche Linie verfolgte, die Rosenkränze, die Jungfrau von Guadalupe, das Heilige Herz und das breitere mexikanisch-amerikanische katholische und kulturelle Vokabular auf die Haut brachte.

Der institutionelle Ursprung ist Good Time Charlie's Tattoolund, gegründet 1975 am Whittier Boulevard in East Los Angeles von Charlie Cartwright und Jack Rudy, dem ersten professionellen Studio, das sich der Single-Needle-Feinlinien-Black-and-Grey-Arbeit widmete, und dem ersten professionellen Tattoo-Studio in East Los Angeles. Die Technik stammte aus der Pinto Tradition der kalifornischen Gefängnisse und Jugendstrafanstalten, in der inhaftierte mexikanisch-amerikanische Männer Andachts- und Kulturbilder mit improvisierten Single-Needle-Geräten in abgestuften Schwarz-Grau-Wäschen schufen. Freddy Negrete, der 1977 zu Good Time Charlie's kam und sich selbst als den ersten Chicano bezeichnete, der als professioneller Tätowierer arbeitete, ist die zentrale Figur bei der Überführung dieses aus dem Gefängnis stammenden Feinlinien-Vokabulars in die professionelle Studioarbeit. Die Linie ist dokumentiert in Alan Govens Der variable Kontext des Chicano-Tätowierens (im Marks von Civilization, herausgegeben von Arnold Rubin, UCLA Museum of Cultural History, 1988), Margo DeMellos Bodies von Inscription: Eine Kulturgeschichte der Modern-Tattoo-Community (Duke University Press, 2000) und Negretes eigenem Memoiren Smile Now, Cry Later: Guns, Gangs und Tätowierungen (Seven Stories Press, 2016) (BESTÄTIGT; Govenar 1988; DeMello 2000; Negrete 2016; Querverweis mit dem Tattoo History Atlas Good Time Charlie's Eintrag).

Die Catrina passt aus technischen Gründen, die beeinflussten, wie sie tätowiert wird, fast perfekt zum Black-and-Grey-Feinlinien-Medium. Sie ist ein Skelett, daher liest sich das Knochenmaterial natürlich in abgestuften Grautönen; sie ist elegant, daher kann die Feinlinientechnik Spitze, Federn, florale Verzierungen und die zarte Struktur des großen Hutes wiedergeben; und sie ist eine vollständige weibliche Figur, daher belohnt sie große Kompositionen. Das Ergebnis ist, dass die kanonische Chicano-Catrina typischerweise ein großformatiges Stück: ein vollständiges Rückenteil, ein kompletter Ärmel, ein großes Oberschenkelpanel, die Figur von Kopf bis Fuß in fotografischem Schwarz-Grau mit dem Federhut, dem Kleid, den floralen Elementen und oft einer umgebenden Komposition aus Rosen, Studentenblumen, Kerzen und Namensbändern. Die Catrina ist in dieser Tradition kein kleines Flash-Design; sie ist ein Herzstück, die Art von Arbeit, die mehrere lange Sitzungen erfordert und ein größeres Gefüge aus kulturellen und Gedenkbildern verankert (BESTÄTIGT; Govenar 1988; DeMello 2000; Negrete 2016).

Die nachfolgende Linie trug die Chicano-Catrina in die breitere amerikanische Tattoo-Kultur. Mark Mahoney, dessen Shamrock Social Club 2002 am Sunset Boulevard in West Hollywood eröffnet wurde, ist der prominenteste Mainstream-Promi-Praktiker des East LA Black-and-Grey-Vokabulars, und Catrina- und Calavera-Arbeiten gehören zu seinem Portfolio. Freddy Negrete tätowierte ab den frühen 2000er Jahren im Shamrock Social Club neben Mahoney. Mistter Cartoon, der aus SA Studios mit dem Fotografen Estevan Oriol arbeitet, ist die wichtigste Übertragungsstelle des Chicano-Calavera- und Catrina-Vokabulars in die Hip-Hop- und breitere kommerzielle Kultur der 2000er Jahre. Durch diese Figuren wurde die großformatige Black-and-Grey-Catrina zu einer der charakteristischen Kompositionen der amerikanischen Feinlinienarbeit, die in den 2010er Jahren durch Tattoo-Medien und Instagram weltweit exportiert wurde (BESTÄTIGT; DeMello 2000; Negrete 2016; Querverweis mit dem Atlas Mark Mahoney, Jack Rudy, und Freddy Negrete Einträge und Bestände des Tattoo Archive (Winston-Salem) SA Studios).

Der elegante weibliche Tod: La Catrina im Vergleich zum europäischen Sensenmann

Eines der nützlichsten Dinge, um La Catrina zu verstehen, ist, was sie nichtist, und der schärfste Kontrast ist zur west-europäischen Personifizierung des Todes, dem Sensenmann.

Der europäische Sensenmann, wie er sich über den mittelalterlichen Danse Macabredie frühneuzeitliche Vanitas Tradition und die moderne Popkultur stabilisiert hat, ist eine Kapuze tragende, umhangende, gesichtslose oder schädelgesichtige Figur, die eine Sense (und manchmal eine Sanduhr) trägt, ein Agent des Todes, der kommt, um nehmen die Lebenden, um ernten Seelen. Der Sensenmann ist bedrohlich, streng und, wenn überhaupt geschlechtlich, konventionell als männlich oder bewusst geschlechtslos gelesen, eine unpersönliche Kraft. Er ist der Henker der Sterblichkeit. Die Bildsprache betont Bedrohung: die Sense, die niedermäht, der Umhang, der verbirgt, die kalte Ankunft des Endes (BESTÄTIGT als die konventionelle westliche Personifizierung; Holbeins 1538er Danse Macabre Holzschnitte und die breitere europäische Tradition; Querverweis mit dem Tattoo History Atlas Schädel Seite).

La Catrina ist in fast jeder Hinsicht die gegenteilige Figur, und der Kontrast ist kein Zufall. Sie ist deutlich und nachdrücklich weiblich. Sie ist elegant statt bedrohlich, gekleidet und gefedert statt umhangen und kapuziert. Sie trägt keine Sense; sie kommt, um promenieren, nicht um zu ernten. Wo der Sensenmann sein Gesicht und seinen Körper unter dem Umhang verbirgt, zeigt die Catrina ihre, der ganze Punkt der ursprünglichen Satire ist die Sichtbarkeit des Skeletts unter der Mode. Wo der Sensenmann eine äußere Kraft ist, die kommt für dich, ist die Catrina eher ein Spiegel: sie ist das, was du unter deiner Kleidung bereits bist, der Tod nicht als herannahender Feind, sondern als dein eigenes wahres Gesicht. Die mexikanische Tradition personifiziert den Tod nicht als Kapuzenträger mit einer Klinge; sie personifiziert den Tod als elegante Dame auf der Party, und die kulturelle Haltung ihr gegenüber ist entsprechend anders, vertraut, sogar liebevoll, sicherlich weniger verängstigt (BESTÄTIGTER Kontrast; Brandes 1998; Brandes 2006; Carmichael und Sayer 1991).

Diese geschlechtliche, elegante, Spiegel-statt-Henker-Qualität ist der Grund, warum die Catrina so natürlich als weiblich Todesfigur und als Denkmal speziell für Frauen fungiert und warum sie zu einem Vehikel für feministische Rückeroberung geworden ist, die Themen der nächsten Abschnitte. Es ist auch erwähnenswert die verwandte, aber unterschiedliche mexikanische Volksfigur der Santa Muerte ("Heiliger Tod"), ein gewandtes weibliches Skelett, das als Volksheilige verehrt wird, die eine andere Figur mit einer anderen Geschichte ist (eine devotional-volksreligiöse Figur, oft synkretisch, manchmal mit marginalisierten und kriminalisierten Gemeinschaften verbunden) und nicht mit La Catrina verwechselt werden sollte. Die Catrina ist eine weltliche kulturell-künstlerische Figur, die von Posada und Rivera abstammt; Santa Muerte ist eine volksreligiöse devotional Figur. Sie sind beide weibliche mexikanische Todespersonifikationen, was häufig zu Verwirrung führt, aber ihre Ursprünge und Bedeutungen sind unterschiedlich (BESTÄTIGTE Unterscheidung; Brandes 2006 für Santa Muerte Kontext).

Chicana feministische Rückeroberung

Die spezifischen Qualitäten der Catrina, weiblich, elegant, selbstbewusst, eine Todesfigur, die keine Opfer ist, haben sie zu einer bedeutenden Figur in der Chicana feministischen Kunst und Selbstrepräsentation gemacht, und diese Lesart fließt direkt in einen bedeutungsvollen Teil der zeitgenössischen Catrina-Tattoo-Arbeit ein.

Wo ein Großteil der westlichen Tradition den Tod als männlich oder als eine Kraft darstellt, die wirkt auf (oft feminisierten) Körpern, die Catrina ist eine Frau, die ist den Tod, zu ihren eigenen Bedingungen, voll aufgemacht, die Szene beherrschend. Chicana-Künstlerinnen, Schriftstellerinnen und Kulturschaffende seit der Chicano Movement-Ära der späten 1960er und 1970er Jahre haben die Catrina (und die breitere Calavera-Tradition) als Emblem weiblicher Macht, kulturellen Stolzes, Widerstands gegen Assimilation und einer kompromisslosen mexikanisch-amerikanischen Identität aufgegriffen, genau das mexikanisch die ursprüngliche Garbancera Satire verteidigt gegen europhile Scham. Die Catrina wird in dieser Lesart nicht zur satirisierten sozialen Aufsteigerin, sondern zur Figur, die den Aufstieg verweigert: die Frau, die ihr indigenes und mestizisches Erbe, ihre Sterblichkeit und ihre Eleganz zugleich und ohne Entschuldigung beansprucht. Dieses Reklamationsregister ist in der Chicana-Studien- und Chicano-Kunstwissenschaft dokumentiert und Teil der breiteren kulturellen Aufwertung, die in Marchi (2009) und in der Transformation des Feiertags in den Vereinigten Staaten (MIXED to VERIFIED reading; Marchi 2009; Chicano-Kunst- und Chicano-Studienliteratur) nachgezeichnet wird.

Für das Tattoo unterstreicht diese Lesart eine beträchtliche Menge an Arbeiten, bei denen Frauen, oft mexikanisch-amerikanische Frauen, die Catrina als Ausdruck kultureller und geschlechtsspezifischer Selbstbestimmung tragen: eine große Rücken- oder Oberschenkel-Catrina als Emblem des beanspruchten Erbes und des Angesichts des Todes zu ihren eigenen Bedingungen. Dies ist eine der geerdetsten zeitgenössischen Verwendungen der Figur, gerade weil sie die elegante Dame mit dem ursprünglichen Argument über Identität und Prätention verbindet, aber die Satire umkehrt: wo die Garbancera wegen der Verleugnung ihrer Wurzeln verspottet wurde, feiert die Chicana-Reklamations-Catrina sie (VERIFIED als bedeutsames zeitgenössisches Register; Marchi 2009).

Kommerzialisierung: Gespenst (2015) und Coco (2017)

Zwei Werke der Massenmedien des frühen 21. Jahrhunderts trugen mehr als alles andere dazu bei, La Catrina und die breitere Day of the Dead-Bildsprache in den globalen Mainstream zu tragen, mit erheblichen nachgelagerten Auswirkungen auf die Tattoo-Nachfrage.

Der James-Bond-Film _Gespenst_ (Regie: Sam Mendes, Eon Productions und Metro-Goldwyn-Mayer, 2015) beginnt mit einer ausgedehnten Sequenz während einer Day of the Dead-Feier in Mexiko-Stadt, die eine große öffentliche Parade von Skelettfiguren, Catrina-Kostümen und aufwendigem Catrina-Gesichtsschminken zeigt. Die Sequenz wurde damals in der internationalen Presse weithin als im Wesentlichen Erfindung einer groß angelegten Day of the Dead-Parade durch Zentralmexiko-Stadt berichtet, die in dieser Form zuvor nicht existierte. Die Tourismusbehörden von Mexiko-Stadt organisierten als Reaktion auf die globale Sichtbarkeit, die der Film erzeugte, eine tatsächliche große öffentliche Desfile de Día de Muertos (Day of the Dead-Parade), die 2016, im Jahr nach dem Film, mit riesigen Catrina-Figuren, Festwagen und Massengesichtsschminken begann. Die Parade zieht heute jährlich Hunderttausende von Zuschauern an. Dies ist ein dokumentierter und häufig bemerkter Fall, in dem eine Hollywood-Darstellung einer Tradition eine neue reale Version dieser Tradition hervorbringt (VERIFIED; zeitgenössische internationale Nachrichtenberichterstattung über Gespenst und die anschließende Parade in Mexiko-Stadt, 2015 bis 2016; Marchis breitere These zur mediengetriebenen Transformation, 2009, antizipiert genau diese Dynamik).

Der Pixar-Animationsfilm _Coco_ (Regie: Lee Unkrich und Adrian Molina, Pixar Animation Studios und Walt Disney Pictures, 2017) brachte die gesamte visuelle Welt des Day of the Dead, die Ringelblumen-Pfote, die Ofrenda, die Calavera-Gesichter, die cempasúchil, das Reich der Toten, bevölkert von Skeletten, einem riesigen globalen Publikum näher. Coco war ein kritischer und kommerzieller Erfolg, gewann den Oscar für den besten Animationsfilm und wurde besonders in Mexiko angenommen, wo er zu einem der umsatzstärksten Filme in der Geschichte des Landes wurde. Während Coco's Skelette stilisierte animierte Calaveras sind und nicht die spezifische Rivera Catrina-Figur, mainstreamte der Film die gesamte Day of the Dead-Ästhetik und führte zu einem messbaren Anstieg des Interesses an Calavera- und Catrina-Bildern weltweit, einschließlich der Tattoo-Nachfrage. (Disneys früher Versuch im Jahr 2013, die Phrase "Día de los Muertos" im Zusammenhang mit dem Film zu markenrechtlich schützen zu lassen, löste eine erhebliche öffentliche Gegenreaktion aus und wurde zurückgezogen, eine Episode, die in der untenstehenden Diskussion über Aneignung häufig zitiert wird.) (VERIFIED; zeitgenössische Berichterstattung über Coco's Veröffentlichung, Rezeption und die Markenrechtskontroverse von 2013.)

Die Kommerzialisierung ist zweischneidig, und eine wissenschaftliche Seite sollte das offen sagen. Einerseits Gespenst und Coco erzeugten echte globale Wertschätzung, förderten den Tourismus und den kulturellen Stolz in Mexiko und machten Millionen mit einer schönen Tradition vertraut. Andererseits beschleunigten sie die Ablösung der Catrina und der Calavera von ihren spezifischen mexikanischen Bedeutungen und machten die Figur zu einer global zirkulierenden Ästhetik, die jedem zur Verfügung steht, was genau die Bedingung ist, die die Frage der Aneignung lebendig macht (VERIFIED tension; Marchi 2009 für die zugrunde liegende Dynamik der Transformation durch Zirkulation).

Die Aneignungsdiskussion: eine ehrliche, belegte Behandlung

La Catrina ist eines der Motive, bei denen die Frage der Aneignung wirklich lebendig ist, und eine wissenschaftliche Seite sollte sie ehrlich behandeln, anstatt sie entweder abzutun oder ein Urteil zu fällen.

Der Fall, dass Catrina-Gesichtsbemalung und Catrina-Tattoos von Nicht-Mexikanern Aneignung darstellen können, beruht auf der spezifischen mexikanischen politisch-historischen Bedeutungder Figur. La Catrina ist keine generische Skelettdame; sie ist ein besonderes mexikanisches Kulturdokument. Sie wurde von einem bestimmten mexikanischen Kupferstecher (Posada) als spezifische Klassen- und Rassen-Satire (die Garbancera) unter einem bestimmten Regime (dem Porfiriato) gestochen, von einem bestimmten mexikanischen Muralisten (Rivera) als Teil eines bestimmten nationalistischen Projekts (post-revolutionäre mexikanisch) benannt und aufgewertet und in einen spezifischen indigen-katholischen synkretistischen religiösen Feiertag (Día de los Muertos) integriert. Regina Marchi (2009) dokumentiert sowohl die tiefe Bedeutung des Feiertags für mexikanische und mexikanisch-amerikanische Gemeinschaften als auch die Reibung, die entsteht, wenn seine Bilder von Außenstehenden als Kostüm oder Dekoration ohne diese Bedeutung übernommen werden. Die Besorgnis verstärkt sich, wenn die Figur rein als "gruselig-hübsche" Ästhetik im Halloween-Stil behandelt wird, was sowohl die Satire ignoriert als auch Gefahr läuft, eine bedeutungsvolle Tradition in ein generisches Klischee von "mexikanischem Todesskram" zu verwandeln (VERIFIED concern; Marchi 2009; Brandes 2006).

Die Disney-Markenrechts-Episode "Día de los Muertos" von 2013 ist das kanonische warnende Beispiel: eine Firma, die versuchte, den Namen eines lebendigen Volkesfeiertags für kommerzielle Zwecke zu besitzen , nur nach anhaltendem öffentlichem Widerspruch zurückgezogen. Die Episode kristallisierte die breitere Sorge, dass die Zirkulation des Feiertags und der Figur durch den globalen Handel die Bilder extrahiert, aber sie von der Gemeinschaft und der Bedeutung trennt, die sie hervorgebracht hat (VERIFIED; weithin dokumentierte Markenrechtskontroverse von 2013).

Die ehrlichen Gegenüberlegungen sind ebenfalls real und sollten genannt werden. La Catrina ist per Design und Riveras Absicht eine öffentliche, politische, anti-elitäre Figur, deren gesamtes Argument ist, dass der Tod jedem gleichermaßen gehört; einige mexikanische Künstler und Kulturkommentatoren begrüßen ihre weite Verbreitung als Verbreitung eines authentisch mexikanischen Geschenks an die Welt. Die Figur ist nicht heilig wie eine religiöse Ikone; sie ist eine säkulare künstlerisch-politische Schöpfung. Und die Grenze zwischen Wertschätzung und Aneignung wird nicht allein durch Ethnizität gezogen, sondern wesentlich durch Verständnis, Respekt und Beziehung: Eine nicht-mexikanische Person, die innerhalb einer mexikanisch-amerikanischen Gemeinschaft gelebt hat, die die Garbancera Satire und die Tod-als-Gleichmacher Bedeutung versteht und die Figur mit diesem Verständnis trägt, befindet sich in einer ganz anderen Position als jemand, der sie als Pinterest-Ästhetik aufgreift. Der wissenschaftliche Konsens, soweit es einen gibt, lautet nicht "niemand außerhalb Mexikos darf das tragen", sondern "diese Figur trägt eine spezifische Bedeutung, und die Bedeutung verdient es, bekannt und respektiert zu werden" (MIXED; Marchi 2009; Brandes 2006; fortlaufende Gemeinschaftsdiskussion).

Die geerdetsten Verwendungen der Catrina, die Verwendungen, die am wenigsten wahrscheinlich als Aneignung registriert werden und die Figur am wahrscheinlichsten ehren, sind zwei: Gedenken (Ehrung einer bestimmten verstorbenen Person, insbesondere einer mexikanischen oder mexikanisch-amerikanischen weiblichen Verwandten, im Rahmen des Tod-als-Gleichmacher- und Ahnen-Ehrungsrahmens, für den die Figur geschaffen wurde) und echte Día de los Muertos Teilnahme (Tragen oder Markieren der Figur als Teil der tatsächlichen Auseinandersetzung mit dem Feiertag und der Gemeinschaft, die ihn pflegt). Ein tätowierender Künstler kann ein ehrliches Gespräch mit einem Kunden darüber führen, welches Register der Kunde betritt und ob er versteht, was die Figur bedeutet, bevor eine Nadel die Haut berührt (VERIFIED practical position; Marchi 2009).

Gedenkgebrauch: Ehrung einer verstorbenen weiblichen Verwandten

Die mit Abstand geerdetste und häufigste ernsthafte Verwendung von La Catrina in der Tätowierung ist das Gedenken, insbesondere das Gedenken an eine verstorbene Frau.

Die Passform ist fast perfekt. Die Catrina ist weiblich, also steht sie natürlich für eine verstorbene Mutter, Großmutter, Tochter, Schwester oder Tante. Sie ist elegant und würdevoll, also ehrt sie, anstatt sie zu schmälern. Sie ist eine Todesfigur innerhalb einer Tradition, Día de los Muertos, deren einziger Zweck die liebevolle Erinnerung und die fortgesetzte Beziehung zu verstorbenen Ahnen ist. Und sie trägt die Tod-als-Gleichmacher-Bedeutung, die im Gedenkregister zärtlich gelesen wird: diese Frau, was auch immer ihr Stand war, ist nun unter den geehrten Toten, schön in ihrem Knochen, kehrt jeden November zurück, um erinnert zu werden. Ein Catrina-Tattoo mit einem Namensbanner, das den Namen und die Daten einer Großmutter und ihre Lieblingsblumen trägt, ist eine der eindrucksvollsten Kompositionen in der gesamten Calavera-Tradition und platziert den Träger fest innerhalb der beabsichtigten kulturellen Logik der Figur (VERIFIED; Carmichael und Sayer 1991 für den Ahnen-Ehrungsrahmen; Marchi 2009; Brandes 2006).

Die Gedenk-Catrina verleiht der Figur oft die individuellen Züge der Verstorbenen, eine Porträt-Catrina, bei der die Skelettdame das Gesicht (oder halbe Gesicht) der zu ehrenden Frau trägt und die bemalte Catrina-Vorlage mit Porträt-Realismus verschmilzt. Dies ist technisch anspruchsvolle Arbeit, fast immer großformatiges Schwarz-Grau, und es ist eines der persönlich bedeutsamsten Stücke, die ein Künstler der Chicano-Tradition anfertigt. Die Komposition integriert typischerweise das umliegende Gedenkvokabular, Namensbanner, Daten, Rosen, Ringelblumen, Kerzen, manchmal ein kleines Porträt-Inset, in ein einziges kohärentes Stück (VERIFIED register; Negrete 2016; DeMello 2000).

Die Frida Kahlo-Paarung

Eine spezifische moderne Paarung, die es wert ist, separat behandelt zu werden, ist La Catrina mit Frida Kahlo, eine der beliebtesten mexikanisch-thematisierten Tattoo-Kombinationen der 2010er und 2020er Jahre.

Die Paarung hat einen echten historischen Anker, nicht nur einen ästhetischen. Frida Kahlo (1907 bis 1954) war Riveras Frau, und Rivera malte sie 1947 im Alameda-Mural direkt hinter dem jungen Rivera stehend, mit ihrer Hand auf seiner Schulter und neben der Catrina selbst. Die beiden weiblichen Figuren, das elegante Skelett und die Malerin in ihrem Tehuana Kleid, stehen im Quellbild in Reichweite. Eine Catrina-und-Frida-Tätowierung ist also, ob bewusst oder unbewusst, teilweise eine Rekonstruktion der zentralen Gruppierung von Riveras Mural (VERIFIED anchor; Wolfe 1963; Museo Mural Diego Rivera).

Über das Mural hinaus funktioniert die Paarung, weil beide Figuren zu Emblemen der mexikanischen Identität, weiblicher Stärke und einer unerschrockenen Beziehung zu Schmerz und Sterblichkeit geworden sind, Frida durch ihr körperliches Leiden und ihre Kunst, die Catrina durch ihre buchstäbliche Verkörperung des Todes. Beide wurden auch stark kommerzialisiert (Frida wohl noch mehr als die Catrina), und die gleichen Aneignungsspannungen, die die Catrina begleiten, begleiten auch die Frida-Paarung: die Figuren können mit tiefem Verständnis getragen werden oder als losgelöste "starke mexikanische Frau"-Ästhetik-Kurzform. Die Paarung ist am geerdetsten, wenn der Träger eine echte Verbindung zum kulturellen und künstlerischen Inhalt hat, anstatt die beiden als austauschbare Ikonen generischer Ermächtigung zu behandeln (MIXED; Paarung gut dokumentiert in der zeitgenössischen Praxis; der Mural-Anker VERIFIED durch Wolfe 1963).

Häufige Paarungen und ihre Bedeutung

Die Catrina erscheint fast immer innerhalb einer größeren Komposition. Die wichtigsten Paarungen und ihre Lesarten:

Catrina + Rosen. Die häufigste Paarung, die sich auf dieselbe Logik von Tod und Schönheit stützt wie die europäische Schädel-und-Rosen- Vanitas: Die Schönheit und Vergänglichkeit der Rose im Kontrast zur Sterblichkeit des Skeletts. Im Chicano-Schwarz-Grau-Idiom werden die Rosen typischerweise im selben abgestuften Grauton wie die Figur dargestellt und in den Hut, das Kleid und das umgebende Feld integriert. Schönheit und Tod, die elegante Dame inmitten der Blumen (VERIFIED; Querverweis mit dem Tattoo History Atlas Rose Seite für die breitere Tod-und-Rose-Tradition).

Catrina + Ringelblumen (cempasúchil). Die Ringelblume ist die kanonische Blume des Day of the Dead, die Blüte, deren Duft und Farbe die zurückkehrenden Geister entlang des Blütenblattpfades zur Ofrendaführen sollen. Die Paarung der Catrina mit Ringelblumen verankert sie explizit in der Tradition des Día de los Muertos-Altars und nicht in generischer Dekoration, und ist eines der Zeichen, das echtes Festival-Engagement signalisiert und keine losgelöste Ästhetik (VERIFIED; Carmichael und Sayer 1991).

Catrina + Namensbanner. Die Gedenkkomposition. Ein Banner mit dem Namen und den Daten einer verstorbenen Person, fast immer einer Frau, integriert in das Stück, wandelt die Figur in ein spezifisches persönliches Gedenken innerhalb des Ahnen-Ehrungsrahmens um (VERIFIED; Negrete 2016).

Catrina + Frida Kahlo. Die Dual-Ikonen-Paarung, verankert in der Mural-Gruppierung von 1947 und im Status beider Figuren als Embleme der mexikanischen weiblichen Identität, behandelt im obigen Abschnitt (VERIFIED anchor; Wolfe 1963).

Catrina + Kerzen. Zeichnung der Grubenwache und Ofrenda Kerzentradition, das Licht, das gelegt wird, um die zurückkehrenden Toten willkommen zu heißen und zu leiten. Verstärkt das Festival- und Gedenkregister (VERIFIZIERT; Carmichael und Sayer 1991).

Catrina + Zuckerschädel-Elemente. Catrina-Kompositionen enthalten häufig verzierte Zuckerschädelmotive, die von Blütenblättern umrandeten Augen, die florale Filigranarbeit, die eingravierte Schädeldetail, besonders in der gemalten Gesichts-Catrina-Vorlage. Hier überschneiden sich die beiden Motive visuell; die Unterscheidung (ganze Figur versus verziertes Gesicht) wird oben und auf der Zuckerschädel Seite behandelt (VERIFIZIERTE Überschneidung; Marchi 2009).

Catrina + Schlangen- / Quetzalfeder-Boa. Nach Riveras eigener Wahl von 1947, der Catrina eine gefiederte Schlangen- (Quetzalcoatl) Boa zu geben, binden einige Kompositionen das europäisch gekleidete Skelett zurück an indigene mesoamerikanische Bilder, und bekräftigen die mexikanisch Lesart der Figur (VERIFIZIERT; Rivera-Wandmalerei-Dokumentation; Wolfe 1963).

Platzierung: Warum die Catrina eine große Leinwand will

Die kompositorischen Anforderungen der Catrina unterscheiden ihre Platzierungsoptionen von kleineren Flash-Motiven. Da die kanonische Figur Ganzkörper und detailreich ist, ist die Platzierung weitgehend eine Frage dessen, wie viel von der Figur die Leinwand tragen kann.

Rücken. Die kanonische Platzierung für eine vollständige Ganzkörper-Catrina in der Chicano-Black-and-Grey-Tradition. Der Rücken nimmt den gesamten eleganten Körper auf, vom Kopf bis zum Saum des Kleides, den vollen Federhut, die Boa und ein umgebendes Feld aus Rosen, Ringelblumen und Bannerarbeiten. Das Catrina-Rückenstück ist eines der charakteristischen Großwerke der East LA-Linie (VERIFIZIERT; Negrete 2016; DeMello 2000).

Außenschenkel. Der zweite kanonische Großformat-Ort, gut geeignet für die vertikale Ganzfigur und zunehmend bevorzugt für Gedenk- und Chicana-Reclamations-Catrinas (VERIFIZIERTES Register).

Voller Ärmel. Der Arm nimmt die Ganzfigur vertikal umwickelt auf, oft integriert in einen breiteren Day of the Dead oder Chicano-Kultur-Ärmel mit Calaveras, Rosen und religiösen Bildern (VERIFIZIERT; Negrete 2016).

Wade. Nimmt eine Ganzfigur in etwas kleinerem Maßstab als Rücken oder Oberschenkel auf; ein üblicher Ort für ein eigenständiges Catrina-Stück (VERIFIZIERTES Register).

Unterarm und Oberarm. Besser geeignet für ein Catrina-Porträt, die Kopf-und-Schultern- oder gemalte Gesichts-Komposition, als für die Ganzfigur, da der kleinere vertikale Lauf den vollen, geschmückten Körper nicht in lesbarem Maßstab tragen kann (VERIFIZIERTE praktische Anleitung).

Brust. Eignet sich für ein Catrina-Porträt oder eine Oberkörperfigur in einem intimen oder Gedenkregister, oft gepaart mit einem Namensbanner über dem Herzen (VERIFIZIERTES Register).

Wie bei allen Großformatarbeiten hat die Wahl des Platzes echte technische, langlebige und stilistische Konsequenzen und ist ein Gespräch, das mit einem Künstler geführt werden sollte, der in der jeweiligen Tradition ausgebildet ist. Eine Ganzkörper-Black-and-Grey-Catrina ist eine Arbeit über mehrere Sitzungen; der Maßstab, die Platzierung und die umgebende Komposition sollten vor der ersten Sitzung gemeinsam geplant werden (VERIFIZIERTE praktische Position; DeMello 2000; Negrete 2016).

Wie man über ein Catrina-Tattoo nachdenkt

Wenn Sie ein Catrina-Tattoo in Erwägung ziehen, helfen mehrere Rahmenfragen, um bodenständige Arbeit zu erzielen:

  1. Welche Catrina? Die ganze geschmückte Figur (Riveras Wandmalerei-Linie von 1947, die die Posada-Klassen-Satire trägt) liest sich anders als das gemalte Gesicht einer lebenden Frau als Catrina (die moderne Gesichtsmalerei-Tradition) und wieder anders als ein Gedenkporträt-Catrina (eine bestimmte verstorbene Frau). Entscheiden Sie, welche Figur Sie meinen, bevor Sie das Design besprechen.
  1. Wissen Sie, was sie bedeutet? La Catrina ist kein generisches hübsches Skelett; sie ist eine mexikanische politisch-historische Figur, deren Kernbedeutung Tod, der große Gleichmacher ist und deren Ursprung Posadas Garbancera Klassensatire ist. Die Bedeutung zu kennen, ist der Unterschied zwischen der Ehrung der Figur und ihrer Verflachung.
  1. Was ist Ihre Beziehung zur Figur? Die bodenständigsten Verwendungen sind Gedenken (Ehrung einer verstorbenen mexikanischen oder mexikanisch-amerikanischen Frau) und echte Día de los Muertos-Teilnahme. Wenn Sie außerhalb der mexikanischen Kultur stehen, ist die Frage der Aneignung aktuell und es lohnt sich, ehrlich darüber nachzudenken, in Absprache mit einem Künstler, der die Tradition kennt.
  1. Welcher Maßstab und welche Platzierung? Die Ganzfigur braucht eine große Leinwand (Rücken, Oberschenkel, Ärmel, Wade); das Porträt oder das gemalte Gesicht funktioniert auf dem Unterarm oder der Brust. Planen Sie Maßstab, Platzierung und umgebende Komposition gemeinsam.
  1. Welcher Künstler? Eine Catrina, die von einem Praktiker ausgeführt wird, der in der East LA Chicano Black-and-Grey-Linie ausgebildet ist, wird die technische und kulturelle Flüssigkeit tragen, die die Figur verdient. Wenn Ihnen die Tradition wichtig ist, finden Sie einen Künstler, der darin ausgebildet ist. Die Linie zählt.

Ein arbeitender Tätowierer kann mit Ihnen ehrlich über alle fünf sprechen. Die Catrina ist eine der bedeutungsvollsten Figuren in der Calavera-Tradition, und die Arbeit, die ihre Bedeutung ernst nimmt, ist die Arbeit, die Bestand hat.

Quellen

  • Posada, José Guadalupe. La Calavera Garbancera (die Radierung, später bekannt als La Catrina), Zinkätzung, Mexiko-Stadt, ca. 1910 bis 1913, veröffentlicht von Antonio Vanegas Arroyo. Reproduktionen gemeinfrei verfügbar über die Library of Congress und das Posada-Vanegas Arroyo-Archiv. Der Originaldruck und die Quelle der Figur.
  • Frank, Patrick. Posadas Flugblätter: Mexican Beliebte Bilder, 1890 bis 1910. University of New Mexico Press, 1998. Der Standard-Wissenschaftsbericht über Posadas Arbeitsweise, die Vanegas Arroyo-Druckwirtschaft und das Calavera Broadsheet-Genre.
  • Brenner, Anita. Idole hinter Altären. Payson and Clarke, 1929. Der grundlegende Bericht, der Posada einem internationalen Publikum vorstellte und ihn als visuellen Vorfahren der mexikanischen Muralistenbewegung positionierte.
  • Rivera, Diego. Sueño de una spät dominical en la Alameda Central („Traum eines Sonntagnachmittags im Alameda Central Park“), 1947. Wandmalerei ursprünglich im Hotel del Prado, Mexiko-Stadt; nach dem Erdbeben im September 1985 verlegt und 1988 im speziell dafür errichteten Museo Mural Diego Rivera installiert. Das Werk, das „La Catrina“ benannte und ihr die volle elegante Figur gab; die Quellbild für die meisten Catrina-Tattoos.
  • Wolfe, Bertram D. Der fabelhafte Life von Diego Rivera. Stein and Day, 1963. Die wichtigste englischsprachige Rivera-Biografie; Dokumentation der Wandmalerei von 1947, ihrer zentralen Catrina-Posada-Rivera-Kahlo-Gruppierung und ihrer frühen Kontroverse.
  • Brandes, Stanley. „Iconography in Mexico's Day of the Dead: Origins and Meaning.“ Ethnogeschichte 45, Nr. 2 (1998): 181 bis 218. Die wichtigste wissenschaftliche Behandlung der Calavera-Satire und der Tod-als-Gleichmacher Bedeutung.
  • Brundes, Stanley. Schädel für die Lebenden, Brot für die Toten: Die Day der Toten in Mexico und Beyond. Blackwell Publishing, 2006. Anthropologische Darstellung der Bedeutung, Geschichte und Transformation des Feiertags, einschließlich der Catrina und Santa Muerte.
  • Carmichael, Elizabeth, und Chloë Sayer. Das Skelett beim Fest: Das Day der Toten in Mexico. British Museum Press, 1991. Die Standard-Englischsprachige wissenschaftliche Darstellung des Feiertags, der Ofrenda, der Calavera und der postrevolutionären Erhebung von Posadas Bildern.
  • Marchi, Regina M. Day der Toten in den USA: Die Migration und Transformation eines kulturellen Phänomens. Rutgers University Press, 2009. Der Hauptbericht über die Entwicklung des Feiertags im United States, die Catrina-Schminktradition, die Kommerzialisierung und die Aneignungsdiskussion.
  • Govenar, Alan „Der variable Kontext des Chicano-Tätowierens.“ In Marks von Civilization, herausgegeben von Arnold Rubin. UCLA Museum für Kulturgeschichte, 1988. Grundlegende Dokumentation der East LA Chicano-Tattoo-Tradition und ihres Motivvokabulars.
  • DeMello, Margo. Bodies von Inscription: Eine Kulturgeschichte der Modern-Tattoo-Community. Duke University Press, 2000. Kulturhistorischer Kontext für die schwarz-graue Linie Chicano und ihre Calavera- und Catrina-Kompositionen.
  • Negrete, Freddy und Steve Jones. Smile Now, Cry Later: Guns, Gangs und Tätowierungen. My Life in Black und Grau. Seven Stories Press, 2016. Vorwort von Luis Rodriguez. Die wichtigsten Memoiren der East LA Chicano-Schwarz-Grau-Szene mit Diskussion der Calavera- und Catrina-Tradition.
  • Tattoo Archive (Winston-Salem). Bestände zu Good Time Charlie's Tattooland, Jack Rudy, Freddy Negrete, Mark Mahoney, Chicano Schwarz-Grau-Tätowierung, SA Studios und der Chicano-Gefängnistradition (Pinto).

Leitartikel

Recherchiert und geschrieben von John J. Mayo III, Herausgeber, Tattoo History Atlas. Diese Seite spiegelt den aktuellen Kanon wider Zuletzt überprüft Das oben angegebene Datum wird vierteljährlich aktualisiert. Es ist der Begleiter zum Zuckerschädel Seite; Wo sich die beiden Motive überschneiden (das verzierte Gesicht, der Día de los Muertos-Altar), bezieht sich diese Seite auf dieses und konzentriert sich auf die vollfigurige Posada-Rivera Catrina.

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