Kirsebærblomsten (sakura, 桜) er det kanoniske sesongmotiv for klassisk japansk irezumi (入れ墨), Japans uoffisielle nasjonalblomst, og det visuelle emblemet for mono ikke klar over (物の哀れ, "tingenes patos"), det estetiske konseptet formalisert av Motoori Norinaga (1730 til 1801) i hans attenhundretalls Kojiki-den kommentar. Den hanami (花見, "blomstertitting") tradisjonen er dokumentert fra Heian-perioden (794 til 1185 e.Kr.), da eliten samlet seg under blomstrende trær for å markere vårens korte topp. Utagawa Kuniyoshi (1797 til 1861) integrerte sakura i tatoveringskrigerens vokabular i sin serie fra 1827 til 1830 Tsūzoku Suikoden gōketsu hyakuhachinin no hitelleri treblokkserie, og bildet flyttet fra papiret til huden via hellerishi fra Edo. Samuraiene leste den fallende blomsten som krigerens død på livets topp. Amerikanske tradisjonelle og samtidige utøvere absorberte sakura gjennom Sailor Jerry til Horihide-kanalen (1960-tallet) og Don Ed Hardys lærlingtid i Gifu i 1973. Horiyoshi III fra Yokohama er fortsatt dens mest internasjonalt dokumenterte levende tolk.

Hva betyr en kirsebærtatovering?

En kirsebærblomsttatovering leses oftest som skjønnhet, forgjengelighet og livets flyktighet. Motivets dypeste kulturelle forankring er japansk: i klassisk irezumi legemliggjør sakura (桜) mono ikke klar over (tingenes patos), bevisstheten om at skjønnhet betyr noe nettopp fordi den ikke varer. Samuraiklassen leste den fallende blomsten som krigerens ideelle død, på livets topp heller enn i langsom nedgang. I moderne vestlig tatoveringsarbeid bærer kirsebærblomsten den samme lesningen av forgjengelighet, ofte paret med den eksplisitte "lev i øyeblikket"-rammen som den japanske tradisjonen leverer gjennom hanami -visningstradisjonen dokumentert fra Heian-perioden (794 til 1185 e.Kr.).

Hva symboliserer en sakura-tatovering?

En sakura-tatovering symboliserer øyeblikkets skjørhet, vårens sesongmessige fornyelse og estetikken av skjønnhet-fordi-den-passerer. Det japanske kulturkonseptet som rammer inn symbolikken er mono ikke klar over, formalisert av Edo-periodens lærd Motoori Norinaga (1730 til 1801) i hans Kojiki-den kommentar til Kojiki (712 e.Kr.), Japans eldste bevarte krønike. Blomstens korte blomstringsperiode (vanligvis en til to uker, avhengig av sort og region) er det strukturelle faktum som ligger til grunn for symbolikken: sakuraen blomstrer, topper seg og faller innenfor en enkelt kort periode. Motivet komprimerer den syklusen til et enkelt synlig bilde.

Hvor kom kirsebærtatoveringen fra?

Kirsebærblomsten kom inn i moderne tatoveringsikonografi gjennom den japanske irezumi-tradisjonen, raffinert gjennom Edo-perioden (1603 til 1868) gjennom treblokktrykkultur og hellerishi -handelen. Det avgjørende ikonografiske substratet er Utagawa Kuniyoshis serie med treblokktrykk fra 1827 til 1830 Tsūzoku Suikoden gōketsu hyakuhachinin no hitelleri ("De 108 heltene fra Den populære vannmarginen, én etter én"), som integrerte sakura i det tatoverte krigerkomposisjonelle vokabularet. Katsushika Hokusai (1760 til 1849) og Utagawa Hiroshige (1797 til 1858) forsterket det bredere sakura visuelle leksikonet gjennom sine landskapstrykk-korpora. Motivet krysset over til amerikansk tatoveringsflash gjennom Norman Collins' (Sailor Jerry) korrespondanse på 1960-tallet med Kazuo Oguri (Horihide) fra Gifu og gjennom Don Ed Hardys fem måneders lærlingtid i Gifu i 1973.

Hva betyr en kirsebærgren-tatovering?

En kirsebærblomstgren-tatovering utvider symbolikken med enkeltblomsten til en komposisjon som inkluderer den mørke grenen som blomstene kommer fra. Kontrasten mellom den mørke grenen og de rosa blomstene er den kanoniske japanske horimono-komposisjonen: grenen (ofte gjengitt i tebori svartmetning) gir den strukturelle ryggraden mens blomstene leverer den sesongmessige registreringen. Grenen leses som den underliggende kontinuiteten (treet vedvarer), og blomstene leses som den flyktige overflaten (blomstene faller). Komposisjonen er funksjonelt en meditasjon over varighet-og-forgjengelighet holdt sammen i ett bilde. I kroppsarbeid strekker grenen seg typisk over ryggen eller ermet i en kontinuerlig flytende form, med individuelle blomster skalert til den tilgjengelige huden.

Hva betyr en japansk kirsebærtatovering for menn?

En japansk kirsebærblomsttatovering på en mannlig bærer har samme ikonografiske vekt som på enhver bærer: skjønnhet, forgjengelighet, samurai-etikken om å akseptere døden på livets topp. Motivet er ikke kjønnsbegrenset i klassisk japansk irezumi. Sakura vises omfattende i mannlige kropps-horimono-komposisjoner som keshoubelleri (sekundært atmosfærisk motiv som etablerer sesong), ofte paret med samurai-krigerskikkelser, koi, drager eller Suikoden-heltene som Kuniyoshi krystalliserte i 1827. Samurai-assosiasjonen er spesielt resonant for mannlige bærere som trekker på krigerregisteret: den fallende blomsten er samuraiens aksepterte død, bushidō -omfavnelsen av dødelighet. Den amerikanske overføringen etter 1973 gjennom Don Ed Hardy og den samtidige Horiyoshi III-linjen har produsert omfattende mannlige kropps-sakura-arbeider dokumentert i 2014 Japanese American National Museum Utholdenhet -utstillingskatalog.

Hvor bør jeg plassere en kirsebærtatovering?

Vanlige plasseringer har hver sine visuelle og tradisjonelle implikasjoner. Den klassiske japanske horimono-plasseringen integrerer sakura i en større kroppskomposisjon (helrygg, erme eller helkropp), der grenen følger kroppens naturlige kurver og blomstene fyller negativt rom rundt et primært motiv (en shudai som en drage, koi eller samurai-figur). Halv-ermer og hel-ermer tilpasser gren-og-blomst-komposisjonen til armen. Underarmsplasseringer bruker ofte en tettere komposisjon med fallende kronblader uten hele grenen. Ryggstykkeplasseringer rommer store grener med flere blomsterarrangementer. Mindre enkeltblomster eller kronblad-sporplasseringer fungerer på håndleddet, ankelen eller bak øret. Diskuter plassering med artisten din; sakuraen er teknisk krevende arbeid og skalaen former den ikonografiske dybden som er tilgjengelig.

Det japanske kulturelle substratet: sakura, hanami og den uoffisielle nasjonalblomsten

Kirsebærblomsten er Japans uoffisielle nasjonalblomst. Betegnelsen er ikke juridisk (Japan har ingen lovfestet nasjonalblomst) men er kulturell og praktisk talt universell i det japanske samfunnet. Sakuraen vises på 100-yen-mynten, på militære insignier fra Japan Self-Defense Force, på utallige kommersielle og sivile emblemer, og i den sesongmessige kalenderen til nesten alle japanske institusjoner fra selskaper til skoler. Kirsebærblomstfronten (sakura zensen), den bevegelige linjen av blomstrende sakura som avanserer nordover over den japanske øygruppen fra slutten av mars til begynnelsen av mai, blir årlig spådd av Japan Meteorological Agency og følges i nasjonale medier like nøye som værmeldinger i andre land.

Den hanami (花見, bokstavelig talt "blomstertitting") tradisjonen er den sosiale praksisen som forankrer kirsebærblomsten i japansk kulturliv. Dokumentert fra Heian-perioden (794 til 1185 e.Kr.), hanami henviste opprinnelig til å se på plommeblomster (ume) men skiftet fokus til kirsebærblomster ved slutten av Heian- og Kamakura-periodene (1185 til 1333 e.Kr.). Den klassiske Heian-periodens praksis involverte aristokratisk diktkomposisjon under blomstrende trær, der blomstene leverte den sesongmessige kigo (季語, sesongord) for periodens waka- og tanka-poesi. Edo-periodens (1603 til 1868) utvidelse utvidet hanami til vanlige folk gjennom Tokugawa-shogunatets dyrking av offentlige kirsebærhager i Ueno, Asakusa og Sumida-elvbredden, steder som forblir kanoniske hanami-lokasjoner i det tjueførste århundrets Tokyo.

Kirsebærtreets rolle som et symbol på vårens fornyelse er strukturelt innebygd i det sesongmessige motivvokabularet som klassiske japanske kunstformer (poesi, maleri, keramikk, tekstil, irezumi) alle deler. Innenfor det delte vokabularet signaliserer sakuraen våren; iris (ayame eller shōbu) signaliserer tidlig sommer; lønnebladet (momiji) signaliserer høsten; krysantemumet (kiku) signaliserer sen høst og lang levetid; furuen (matsu) signaliserer vinterens konstans. En komposisjon som inkluderer sakura signaliserer våren; en komposisjon som parer sakura med momiji signaliserer hele årets syklus komprimert til ett bilde (vår møter høst).

Det estetiske konseptet som gir sakuraen dens filosofiske vekt er mono ikke klar over (物の哀れ), ofte oversatt som «tingenes patos» eller «den bittersøte bevisstheten om forgjengelighet». Uttrykket ble formalisert på slutten av attenhundretallet av kokugaku-lærde Motoori Norinaga (1730 til 1801) i hans kommentar til Murasaki Shikibus Fortellingen om Genji (ca. 1010 e.Kr.) og i hans hovedverk Kojiki-den (1798), den førtifire-binds kommentaren til Kojiki (712 e.Kr.) som etablerte kokugaku som en stor intellektuell bevegelse. Norinaga hevdet at mono ikke klar over var den sentrale estetiske og etiske følsomheten i klassisk japansk litteratur: den milde melankolien som følger med bevisstheten om flyktig skjønnhet, verken motstått eller beklaget, men rett og slett registrert. Kirsebærblomsten er det kanoniske visuelle emblemet for konseptet. Blomsten er vakker fordi den faller.

Samuraiene og kirsebærtreet: bushidō og krigstidens adopsjon

Samuraiklassen utviklet et spesielt fortolkningsforhold til kirsebærblomsten som strekker seg fra middelalderen gjennom den tidlig-moderne Edo-perioden og inn i den moderne krigstiden. Kjernelesningen er enkel: samuraien aksepterte døden på toppen av livet heller enn i langsom nedgang, parallelt med måten blomsten faller på sitt høydepunkt heller enn å falme på grenen. Hagakure («I skyggen av blader», samlet ca. 1709 til 1716 fra diktat av Yamamoto Tsunetomo, 1659 til 1719, en vasall av Saga-domenet), den mest siterte skriftlige formuleringen av det senere lesere kaller bushidō, påkaller gjentatte ganger bildet av den fallende blomsten som modellen for samuraiens ideelle slutt. «Bushidō» som oftest er knyttet til denne lesningen, er i seg selv mer omstridt enn populære kilder tillater: Oleg Beneschs Oppfinner veien til Samurai (Oxford University Press, 2014) dokumenterer at den kodifiserte syv-dyders «samuraikodeks» som de fleste vestlige refererer til, i stor grad er en konstruksjon fra Meiji-perioden og det tjuende århundre, snarere enn en ubrutt middelaldersk doktrine. Se samurai Pocket Guide-siden for full behandling av Hagakure-Nitobe-Benesch-debatten.

Den klassiske samurai-sakura-lesningen er ikonografisk tett i Edo-periodens (1603 til 1868) visuelle kultur. Samurai-rustning, sverd-beslag (tsuba sverdskjold og menuki håndtakspynt), og adelige slektsinskripsjoner (man) inkorporerte rutinemessig stiliserte sakura-former. Tokugawa-shogunatets dyrking av offentlige sakura-frukthager (Ueno, Asakusa, Sumida) fungerte både som populær underholdning og symbolsk statlig påstand: den herskende militærklassen knyttet seg til den sesongmessige fornyelsen av nasjonen. Suikoden-helt-tradisjonen Kuniyoshi krystalliserte i 1827 eksplisitt krigerfigurer med sakura-bakgrunner, og markerte kriger-og-blomst-komposisjonen som en stabil ikonografisk konvensjon på midten av nittenhundretallet.

Krigstidens kamikaze-adopsjon (håndteres ærlig)

Samurai-sakura-lesningen ble utvidet og politisk våpenisert under Stillehavskrigen (1941 til 1945) av det keiserlige japanske militæret, spesielt av tokōtai (特攻隊, «spesialangrepsenheter»), vanligvis kjent på engelsk som kamikaze-piloter. tokōtai adopterte sakura som sitt personlige emblem fordi blomstens korte, totale engasjement i livet parallelliserte kamikaze-etikken om å akseptere døden i statens tjeneste. Fly ble malt med sakura-motiver; piloter bar sakura-besatte hodebånd og uniformslapper; tokōtai avskjedsseremonier ble strukturert rundt sakura-bilder og sakura-tema poesi. Fra 1944 til 1945 tokōtai operasjoner mot allierte sjøstyrker, spesielt under slaget om Okinawa (april til juni 1945), produserte omfattende dokumentarfotografier av sakura-merkede fly og personell.

Dette er en reell, godt dokumentert historisk assosiasjon. Det er hovedgrunnen til at noen vestlige observatører i umiddelbar etterkrigstid assosierte sakura-bilder med militarisme. Den ærlige kontekstuelle rammen har tre komponenter.

For det første, krigstidens tokōtai sakura-bruk var en spesifikk politisk tilegnelse fra 1944 til 1945 av et eksisterende kultursymbol, ikke opprinnelsen til symbolet. Sakuras kulturelle betydning er forankret i Heian-periodens hanami-tradisjon, middelalderens samurai-bushidō-lesning og Edo-periodens horimono-komposisjonsvokabular, som alle dateres århundrer tilbake før krigstiden.

For det andre, den sivile japanske sakura-tradisjonen etter 1945 fortsetter i et eksplisitt ikke-militaristisk register. Den sesongmessige kirsebærblomstfronten, de samtidige hanami-piknikene i Ueno og Shinjuku Gyoen og Maruyama Park, bedriftens sakura-merkevarebygging, tidspunktet for videregående skoleeksamen sammenfallende med toppblomstringen: ingen av dette bærer den krigstids politiske registeret. Sakuraen er det kanoniske sesongmessige emblemet for samtids-Japan og er ikke politisk merket i innenlandsk japansk mottakelse.

For det tredje arver det moderne irezumi sakura-motivet hele Edo-periodens horimono-vokabular, ikke krigstidens bruk. En kirsebærblomst i en moderne Horiyoshi III-linjers bodysuit-komposisjon refererer til Kuniyoshis Suikoden-serie fra 1827, ikke 1945 tokōtai. Utøvere og klienter bør vite at krigstiden eksisterer som historisk kontekst (parallelt med måten dragesiden på dette Atlaset behandler yakuza-irezumi-undergrunnskonfigurasjonen etter 1872 i Origins kapittel 6: som en dokumentert historisk fase, ikke en moderne definerende ramme).

Den ærlige praksisen er å kjenne hele historien og å nekte begge ekstremer: å nekte å flate ut sakura til ren militarisme (det er det ikke), og å nekte å late som om krigstidens adopsjon ikke skjedde (det gjorde den). Atlaset behandler begge tolkninger som historisk reelle og historisk spesifikke.

Edo-periodens ukiyo-e substrat: Kuniyoshi, Hokusai, Hiroshige

Det moderne tatoverings sakura-ikonografiske vokabularet stammer direkte fra Edo-periodens (1603 til 1868) tresnittkultur, der kirsebærblomsten er et av de mest avbildede motivene i hele ukiyo-e-korpuset. Tre kunstnere leverer hovedsubstratet.

Utagawa Kuniyoshi (1797 til 1861) er den avgjørende figuren for irezumi-tradisjonen spesifikt. Hans Tsūzoku Suikoden gōketsu hyakuhachinin no hitelleri ("De 108 heltene fra Den populære vannmarginen, én etter én"), designet mellom 1827 og ca. 1830 og utgitt av forleggeren Kagaya Kichiemon, skildrer heltene fra den kinesiske folkelige romanen fra det fjortende århundre Shuihu zhuan (japansk Suikoden) som tett tatoverte krigere. Sakuragrender og fallende kronblader vises omfattende i serien som sesongmessige og atmosfæriske elementer, ofte integrert med de tatoverte dragene, koi og peoner som definerte periodens fremvoksende horimono-komposisjonelle grammatikk. Tresnittene ble populære blant Edo's arbeiderklassemenn, og bildene flyttet direkte fra siden til huden via hellerishi i Edo og Osaka. Kuniyoshis bredere korpus, inkludert hans triptyk-krigerkomposisjoner, hans Hyaku Monogatari (Ett hundre spøkelseshistorier) serie, og hans sen-periode skuespiller-trykk, inkluderer alle sakura-passasjer som informerte det bredere irezumi visuelle vokabularet.

Katsushika Hokusai (1760 til 1849), den eldre ukiyo-e-mesteren hvis Tretti-seks utsikter over Fuji-fjellet (Fugaku Sanjūrokkei, designet 1830 til 1832, med ti ekstra plater lagt til 1833 til 1834) er den mest internasjonalt berømte landskapsserien i ukiyo-e-tradisjonen, inkluderte sakura-komposisjoner blant hans bredere landskaps- og figurarbeid. Selve Fuji-fjellet-serien fremhever ikke sakura som hovedmotiv, men Hokusais bredere Hokusai Manga (femten bind, 1814 til 1878) og hans uavhengige blomster-og-fugl (kachō-ga) trykk inkluderer omfattende sakura-komposisjoner som informerte periodens delte visuelle leksikon. Hokusais komposisjonsprinsipper, spesielt hans integrering av naturlige elementer i kontinuerlige billedfelt, formet hvordan senere horimono-utøvere arrangerte sakura innenfor bodysuit-arbeid.

Utagawa Hiroshige (1797 til 1858) er den tredje grunnleggende ukiyo-e-figuren. Hans Meisho Edo Hyakkei ("Hundre berømte utsikter over Edo," 1856 til 1858) inkluderer flere kirsebærblomst-plater som dokumenterer hanami-steder i Edo på nittenhundretallet: bredden av Sumida-elven, Ueno Park, Asakusa, Goten-yama. Hiroshiges tidligere Tōkaidō Gojūsan-tsugi ("Femtitre stasjoner langs Tōkaidō," 1833 til 1834) og hans Kisokaidō Rokujūkyū-tsugi (samarbeidsserie med Keisai Eisen, 1835 til 1838) inkluderer sakura-komposisjoner som dokumenterer den sesongmessige passasjen langs Tōkaidō- og Kisokaidō-veiene. Hiroshiges komposisjonsstil (atmosfærisk farge, integrert landskap, sesongmessig spesifisitet) ga et annet register enn Kuniyoshis krigerfokuserte arbeid og bidro vesentlig til den bredere kulturelle metningen av sakura-bilder i sen Edo visuell kultur.

Alle tre kunstnernes trykk sirkulerer i dag gjennom store museums samlinger (Museum of Fine Arts i Boston, British Museum i London, Brooklyn Museum, Edo-Tokyo Museum, Hagi Uragami Museum), gjennom Hardy Marks-reprinter, og gjennom digital arkivtilgang. Moderne horimono-utøvere trent i den klassiske tradisjonen konsulterer rutinemessig dette substratet når de designer sakura-komposisjoner.

Den klassiske irezumi-tradisjonen: sakura som keshoubori

Innenfor komposisjonsgrammatikken til klassisk horimono bodysuit-arbeid, fungerer sakura som keshoubelleri (化粧彫り, "sekundært motiv som etablerer atmosfære og sesong") heller enn som shudai (主題, "hovedtema"). Forskjellen er strukturell. En klassisk irezumi-helkroppstatuering har et hovedtema (ofte en drage, koi, samuraikjemper, buddhistisk vokterguddom som Fudō Myō-ō, eller en Suikoden-kriger) som opptar ryggens hovedfelt. Rundt og over hovedtemaet, keshoubelleri fyller negativ plass og gir den sesongmessige, atmosfæriske og narrative registreringen: skyer, vann, vind, flammer, fallende kronblader, grener, spredte blomsterelementer.

Sakuraens rolle som vår-sesong keshoubelleri er en av de mest stabile konvensjonene i hele irezumi-vokabularet. En helkroppstatuering som inkluderer sakura signaliserer at komposisjonen finner sted om våren; en helkroppstatuering som parrer sakura med lønneblader (momiji) signaliserer hele års-syklusen komprimert til ett bilde; en helkroppstatuering som parrer sakura med krysantemum (kiku) signaliserer spennet fra vår til sen høst. Det sesongmessige vokabularet er presist og behandles som en håndverksferdighet innenfor horimono-tradisjonen.

Den klassiske teknikken for sakura-arbeid er tebelleri (手彫り, "håndskåret"), det håndholdte bambus- eller metallhåndtaket utstyrt med flere nåler bundet sammen i spesifikke konfigurasjoner. Tebori produserer den mettede fargen og den subtile graderingen som kjennetegner klassisk helkroppsarbeid, og teknikken forblir den primære metoden for fargemetning i klassisk horimono, selv der konturer nå ofte påføres med maskin i hybridteknikken Horiyoshi III adopterte på slutten av 1990-tallet etter sitt tiår lange vennskap med Don Ed Hardy.

De tekniske signaturene til klassisk irezumi sakura inkluderer:

  • Rosa-til-hvit gradientfarge gjengitt gjennom lagdelt tebori-skyggelegging snarere enn solid rosa fyll, noe som gir den lett lysende kvaliteten det klassiske arbeidet er kjent for.
  • Fem-kronblads blomsterstruktur som matcher den botaniske virkeligheten til Prunus serrulata og beslektede japanske kirsebærarter, med hvert kronblad litt varierende i form snarere enn mekanisk identisk.
  • Mørk grenkontrast med grenen gjengitt i dyp tebori-mettet svart eller nesten svart, noe som gir det strukturelle skjelettet som blomsterfargen leses mot.
  • Fallende kronblad-spor gjengitt som spredte individuelle kronblader over komposisjonens negative rom, noe som gir bevegelse og "blomster-blåst-på-vind"-lesningen.
  • Integrasjon med vind- og bakgrunns vann (namifuri vind-og-vann-gjengivelse, kumo skyer) slik at sakuraen er innebygd i et kontinuerlig billedfelt snarere enn å flyte på umarkert hud.
  • Sesongmessig sammenheng med komposisjonens andre elementer: en sakura-og-drage-komposisjon innebærer en vår-drage, ikke en generisk drage; en sakura-og-koi-komposisjon innebærer en vår-koi som stiger opp Drageporten.

Suikoden-heltkomposisjonene som Kuniyoshi krystalliserte fra 1827 til 1830 inkluderer rutinemessig sakura som keshoubori rundt krigerfigurene, og moderne horishi som designer helkroppsarbeid fortsetter å trekke på disse komposisjonene når de bygger sakura-inkluderende horimono i dag. Horiyoshi IIIs helkroppskorpus, dokumentert i Japanese American National Museum fra 2014 Utholdenhet: Japanese Tattoo-tradisjon i en Modern World utstillingen (kurert av Takahiro Kitamura med fotografi av Kip Fulbeck) og i Yokohama-mesterens tegnebøker (100 Demons av Horiyoshi III, Nihonshuppansha 1998; 108 Heroes av Suikoden, Nihonshuppansha ca. 2009 til 2010), viser konvensjonen på sin høyeste samtidige forfining.

Den amerikanske overføringen: Sailor Jerry, Horihide, Hardy

Sakuraen kom inn i amerikansk tatoverings-flash primært gjennom den japanske irezumi-kanalen, via den dokumenterte trans-Stillehavsbroen som går fra Norman Collins (Sailor Jerry) til Kazuo Oguri (Horihide) til Don Ed Hardy. Overføringens stadier er godt dokumentert i periodens arkiv.

Nellerman "Saileller Jerry" Collins (1911 til 1973) drev sin Hotel Street, Honolulu-butikk fra 1930-tallet til sin død i 1973. Fra begynnelsen av 1960-tallet innledet Collins en vedvarende trans-Stillehavs korrespondanse med Kazuo Oguri ("Gifu Horihide"), og utvekslet flash, fotografier, tekniske notater og pigmentformuleringer. Korrespondansen produserte den første vidt distribuerte amerikansk-tradisjonelle sakura-flashen: kirsebærblomster med tykk kontur påført i den begrensede, høy-mettede amerikanske tradisjonelle paletten, men komponert med logikken om integrering-i-større-komposisjoner som Collins absorberte fra den japanske tradisjonen. Collins' Hotel Street-flash, inkludert hans sakura-design, er dokumentert i Don Ed Hardys redigerte volum Sailor Jerry Tattoo Flash: Rise og Shine, Vol. 1 (Hardy Marks Publications, 2002) og i det bredere Sailor Jerry-merkevarearkivet (et William Grant and Sons-spritprodukt siden 2008 fortsetter å lisensiere Collins' design).

Don Ed Hardy bar overføringen videre gjennom sitt fem måneders lærlingopphold i Gifu, Japan, i 1973 hos Kazuo Oguri. Lærlingoppholdet er dokumentert i Hardys memoar Wear Your Dreams: My Life i tatoveringer (med Joel Selvin, Thomas Dunne Books, 2013) og i Hardys tidligere skrifter på tvers av de fem volumene av Tattoo Time (Hardy Marks Publications, 1982 til 1991). Hardy returnerte fra Gifu med en arbeidskunnskap om den klassiske horimono-komposisjonsgrammatikken, inkludert den sesongmessige keshoubori sakura-konvensjonen, og anvendte den på sitt Realistic Tattoo (grunnlagt 1974) og Tattoo City praksis i San Francisco. Hardy-skolen sakura er den primære amerikanske institusjonelle kanalen som klassisk japansk sakura-ikonografi kom inn i den amerikanske tatoveringsrenessansen etter 1970-tallet.

Helleriyoshi III (Yoshihito Nakano, født 9. mars 1946) utdypet den amerikanske overføringen gjennom sitt tiår lange vennskap og samarbeid med Hardy, som startet med Hardys besøk i Yokohama på 1980- og 1990-tallet og fortsatte gjennom deres felles publikasjoner. Horiyoshi IIIs Tattoo Designs av Japan (Hardy Marks Publications, 1989 til 1990) var den grunnleggende engelskspråklige Horiyoshi III-tegneboken og inkluderte sakura-komposisjoner innenfor sin bredere presentasjon av det klassiske horimono-vokabularet. De to påfølgende generasjonene av Horiyoshi IIIs tidligere lærlinger (Horitaka og Horitomo ved State of Grace Tattoo i San José Japantown; Filip Leu og familie ved Family Iron i Sveits; Horikitsune / Alex Reinke) har fortsatt å utvide sakura-tradisjonen inn i samtids praksis over hele Nord-Amerika, Europa og Japan.

Stilspesifikke seksjoner

Klassisk japansk tebori horimono sakura

Den klassiske japanske tebori horimono sakura er det dypeste tekniske registeret. Arbeidet er storskala (typisk integrert i halv-erm, hel-erm, ryggstykke eller helkropps horimono-komposisjoner), mettet gjennom hånd-prikket tebori-skyggelegging, og innebygd som keshoubelleri innenfor et bredere komposisjonsfelt som inkluderer et primært shudai tema. Hovedlinjene for det samtidige registeret er Horiyoshi III Yokohama-linjen (og dens San José State of Grace-satellitt via Horitaka og Horitomo), Leu-familien i Sveits, og den bredere gruppen av horimono-utøvere trent innenfor den japanske tradisjonen. Arbeidet er dokumentert i Japanese American National Museum fra 2014 Utholdenhet utstillingskatalog, i Sandi Fellmans Den Japanese Tattoo (Abbeville Press, 1986) fotografiske oversikt, og i Hardy Marks-utgitte Richie og Buruma Den Japanese Tattoo (Weatherhill, 1980) vitenskapelige referanse.

Amerikansk japansk-påvirket sakura

Den amerikanske japansk-påvirkede sakuraen kombinerer japansk motiv-vokabular med amerikanske tykk-kontur-konvensjoner, mer mettet farge, og vestlig komposisjonslogikk. Modusen stammer fra den dokumenterte Sailor Jerry til Horihide til Hardy-overføringen og er nå et etablert register innen den amerikanske tatoveringsrenessansen praktisert over hele Nord-Amerikanske studioer. Den amerikanske japansk-påvirkede sakuraen beholder typisk fem-kronblads botaniske struktur, den mørke-gren-mot-rosa-blomst-kontrasten, og de fallende-kronblads-sporene fra det klassiske japanske vokabularet, men anvendt i et mer grafisk, høyere kontrast, ofte frittstående format. Ermer og ryggstykker i denne modusen er omfattende i samtids amerikansk praksis.

Ny-tradisjonell sakura

Den neo-tradisjonelle sakuraen tilpasser det amerikanske japansk-påvirkede registeret til den bredere neo-tradisjonelle bevegelsen på 1990-, 2000- og 2010-tallet. Neo-tradisjonell beholder tykke konturer, men utvider fargepaletten dramatisk (ofte ti eller tolv farger der amerikansk tradisjonell bruker fire eller fem), legger til betydelig mer dimensjonal skyggelegging, og adopterer en mer illustrativ komposisjonstilnærming. Neo-tradisjonell sakura parrer ofte kirsebærblomsten med neo-tradisjonelle møll, dolker, slanger eller rammeelementer hentet fra det bredere neo-tradisjonelle kanon snarere enn fra klassisk japansk horimono. Komposisjonene er typisk bestilt og frittstående snarere enn integrert i større helkroppsarbeid.

Samtidsrealisme sakura

Samtids fotorealistisk sakura-arbeid bruker moderne høyhastighets rotasjonsmaskiner og ultra-fine pigmenter for å gjengi kirsebærblomster med botanisk nøyaktighet: kronblads-overflatetekstur, støvbærdetaljer, gren-bark-korn, og omgivende lys-skyggelegging på rosa-og-hvite vingeflater. Realisme sakura har ofte rik rosa-til-hvit gradientfarge (dypere magenta-rosa ved kronbladsbasen, falmende til hvitt ved kronblads kanten), gjengitt på mørke bakgrunner som gir maksimal kontrast. Modusen dukket opp som en anerkjent samtids praksis på 2010-tallet og fortsetter gjennom 2020-tallets praksis. Realisme sakura dokumenterer den botaniske virkeligheten til kirsebærblomsten snarere enn å abstrahere den; den tekniske troskapen er poenget.

Samtids sortarbeid sakura

Samtids blackwork-utøvere reduserer sakuraen til høy-kontrast geometriske former, prikk-stippling, eller ren linjeillustrasjon. Blackwork sakura kan gjengi kronblader som flate geometriske former, bruke prikk-arbeid for å antyde kronblads-overflate-gradient, eller komponere en fallende-kronblads-sti som en grafisk abstraksjon uten farge. "Blomster-blåst-på-vind"-komposisjonen (en spredning av fallende kronblader over et umarkert felt, noen ganger uten synlig gren) ble en av de mest tatoverte blackwork-komposisjonene på 2010-tallet, spesielt i små formater på håndledd, ankel, bak øret og kragebein. Modusen refererer til den historiske sakura-ikonografien uten å prøve å se ut som en bokstavelig kirsebærblomst.

Sakura-parringer og hva de betyr

Sakuraen dukker opp langt oftere i fler-element-komposisjoner enn som en frittstående figur. Hver vanlige parring bærer sine egne lesninger.

Sakura + kirsebærtre gren. Den kanoniske komposisjonsenheten: den mørke grenen gir den strukturelle ryggraden; blomstene gir den sesongmessige registreringen; komposisjonen leses som varighet-og-forgjengelighet holdt i ett bilde. Funksjonelt det uunnværlige minimumet av den klassiske horimono sakura-komposisjonen.

Sakura + koi. Sesongbasert japansk komposisjon. Koi (鯉) som klatrer opp Drageporten ved Den gule elv er den kanoniske japanske transformasjonslegenden; å pare den stigende koi med fallende sakura forsterker temaet om forgjengelighet og transformasjon. Vanlig i klassiske horimono-ermkomposisjoner og i den amerikanske japansk-påvirkede ermtradisjonen.

Sakura + drage. Dragen (ryū, 龍) som beskyttende kraft og stigende makt, paret med sakura som forbigående skjønnhet. Dukker ofte opp i større bodysuit-arbeid der dragen er den primære shudai og sakura fungerer som sesongmessig keshoubelleri som etablerer vårstemning rundt dragens slyngende form.

Sakura + samurai. Komposisjonen med krigeren og den flyktige skjønnheten, basert på bushidō-tolkningen av den fallende blomsten som samuraiens ideelle død. Har ofte en samuraifigur (hentet fra krigerkomposisjoner i Kuniyoshi-stil) med sakura-grener i bakgrunnen eller fallende kronblader over figuren. En av de ikonografisk tette klassiske horimono-parene, spesielt resonant for mannlige bærere som trekker på krigerregisteret.

Sakura + geisha. Komposisjonen med feminin ynde og forgjengelighet, basert på Edo-perioden og Meiji-perioden (1868 til 1912) ukiyo-e-avbildninger av geisha- og kurtisane-figurer med sakura-bakgrunner. Dokumentert i stor grad i Utagawa Kuniyoshis senkarriere-aktør-trykk og i Tsukioka Yoshitoshis (1839 til 1892) figurarbeid. Vanlig i samtidige japansk-stil ermkomposisjoner.

Sakura + trane. Tranen (tsuru, 鶴) som et symbol på lang levetid, paret med sakura som forbigående skjønnhet. Komposisjonen leses som hele liv-og-død-syklusen komprimert til to symboler: den langlivede tranen og den kortlivede blomsten sammen.

Sakura + Fuji-fjellet. Den signatur japanske landskapskomposisjonen, basert på Hokusais Tretti-seks utsikter over Fuji-fjellet (1830 til 1832) og Hiroshiges bredere landskapskorpus. Fuji-fjellet som evig fjell, paret med sakura som forbigående blomst, leses som Japans sesonglandskap i komprimert form.

Sakura + fallende kronblader. Komposisjonen "kronblader blåst på vind". Kronbladene spredt over komposisjonens negative rom gir bevegelse, atmosfære og den eksplisitte forgjengelighetslesningen. Spesielt vanlig i samtidens blackwork og neo-tradisjonelle sakura-arbeid, og en stabil konvensjon i klassisk horimono.

Sakura + lønneblader (momiji). Sesongkontrast: vår møter høst, hele årsyklusen komprimert til ett bilde. Paret er en av de eldre dokumenterte japanske horimono-konvensjonene og signaliserer "hele året" eller "sesongenes gang" på en måte ingen enkelt sesongelement kan.

Sakura + krysantemum (kiku). Vår møter sen høst og lang levetid. Krysantemumet er Japans keiserlige blomst; paret kombinerer den forbigående våren med den varige senhøstens keiserlige blomst. Vanlig i klassisk horimono.

Sakura + peon (botan). Vårblomst paret med "blomstenes konge". Begge er blomstermotiver i det klassiske horimono-blomstervokabularet, og paret gir et kontinuerlig vår-og-tidlig-sommer blomsterregister.

Sakura-farger og hva de betyr

Farge er en av de større bærerne av mening i sakura-tatoveringsarbeid, selv om konvensjonen er smalere enn for noen andre motiver fordi kirsebærblomstens botaniske virkelighet begrenser den realistiske paletten.

Blek rosa til dyp rosa (kanonisk sakurafarge): Standardfargen. Rosa spenner fra den bleke nesten hvite til Yamazakura (Prunus jamasakura, fjellkirsebæret) og Shirayuki hvite kultivarer til den dype magentarosa fargen til Kanzan (Prunus serrulata 'Kanzan'), den Higan-zakura (høstblomstrende kirsebær), og Yaezakura (dobbelblomstrende kirsebær) kultivarer. Den rosa gradienten er den kanoniske fargeskalaen, og det meste av samtids sakura-arbeid henter inspirasjon fra dette spekteret.

Hvit (den Yamazakura og andre hvite blomstervarianter): Den hvite sakura-tatoveringen refererer til de hvite blomstrende kirsebærkultivarene, snarere enn de mer kjente rosa. Hvit-kirsebærtatoveringer leses som en mer subtil, mer elegisk tone og parer ofte med minneintensjon. Den hvite sakuraen er ikke symbolsk forskjellig fra den rosa i den klassiske tradisjonen, men i moderne vestlig praksis bærer den hvite lesningen noen ganger et "renhet" eller "uskyldig tap"-lag importert fra den vestlige konvensjonen om hvite blomster.

Blomsterblad-på-vann-komposisjon: Rosa (eller hvite) blomster spredt over en blå vannbakgrunn. Refererer til Edo-periodens (1603 til 1868) hanami-tradisjon med å se sakura langs Sumida-elven og den bredere konvensjonen om falne kronblader båret på rennende vann. Komposisjonen leses som forgjengelighet-i-bevegelse: blomstene har falt, og nå reiser de. Spesielt vanlig i klassisk horimono ermearbeid.

Blomsterblad-på-snø-komposisjon: Rosa blomster spredt over hvit snøbakgrunn. Refererer til Higan-zakura og andre tidligblomstrende eller sentblomstrende kirsebærvarianter som blomstrer når snøen fortsatt ligger på bakken, eller den visuelle rimen av de fallende kronbladene med den fallende snøen. Komposisjonen leses som sesongmessig liminalitet: våren har ennå ikke helt ankommet, eller våren gir etter for den vedvarende vinteren.

Moderne realisme rik gradientfarge: Samtidig fotorealistisk sakura bruker hele gradienten fra rosa til hvit med botanisk nøyaktighet. Realismen sakura har ofte dypere metning enn den klassiske horimono-paletten fordi moderne pigmenter og maskiner støtter fargedybde som hånd-tebori-arbeid historisk sett ikke kunne matche.

Blackwork monotontilnærming: Den samtidige blackwork sakura gir helt avkall på farger til fordel for grafisk komposisjon i høy kontrast, svart-hvitt. Blackwork sakura abstraherer den historiske ikonografien, samtidig som den refererer til den.

Kulturell kontekst

Kirsebærblomsten er en dyp japansk kulturell referanse, men er ikke begrenset av slektskap på samme måte som polynesisk tatau eller visse spesifikke japanske irezumi-komposisjoner er. Den ærlige kulturelle konteksten har fire komponenter.

Samurai- og krigstids-kamikaze-assosiasjonene er reelle historiske fakta, men definerer ikke den samtidige motivets betydning. Som diskutert ovenfor, er samurai-bushidō-lesningen av den fallende blomsten og 1944 til 1945 tokōtai adopsjon dokumenterte historiske faser. Ingen av dem definerer den samtidige motivets betydning. Samtidig sakura-arbeid trekker på Heian-periodens hanami-tradisjon, Edo-periodens horimono-vokabular og den post-1945 sivile japanske kulturregisteret, ikke på krigstidens politiske appropriasjon. Bærere og utøvere bør kjenne hele historien, inkludert krigstiden, men bør ikke flate ut motivet til ren militarisme.

Den japanske irezumi-tradisjonen er generelt åpen for ikke-japanske klienter innenfor rammen av arvelige utøverprotokoller. Horiyoshi III har trent ikke-japanske lærlinger (mest bemerkelsesverdig Horikitsune / Alex Reinke, som fullførte en flerårig satellitt-lærlingplass tidlig på 2000-tallet). Yokohama-linjen og den bredere japanske horimono-kohorten ønsker generelt respektfulle vestlige klienter og vestlige lærlinger velkommen som arbeider innenfor tradisjonens protokoller. En vestlig klient som mottar klassisk horimono sakura-arbeid fra en utøver i Horiyoshi III-linjen, deltar i tradisjonen i stedet for å tilegne seg den.

Amerikansk japansk-påvirket sakura-arbeid (Sailor Jerry / Hardy-linjen) er en dokumentert historisk overføring og ikke appropriativ. Stillehavsbruen fra Norman Collins via Kazuo Oguri til Don Ed Hardy er godt dokumentert i periodens arkiv (Hardys Wear Your Dreams, de fem volumene av Tattoo Time, Hardy Marks Publications-arkivet, Sailor Jerry-merkevarearkivet). En ikke-japansk bærer som mottar amerikansk japansk-påvirket sakura-arbeid fra en utøver i American Tattoo Renaissance-linjen, deltar i en etablert krysskulturell overføring, ikke tilegner seg japansk tradisjon.

Den samtidige kommersielle "japanske kirsebærblomst-tatoveringen" brukt uten referanse til den dypere tradisjonen er ikke appropriativ, men den flater ut den ikonografiske dybden. En bærer som går inn i et generisk studio og ber om «en japansk kirsebærblomst» uten å kjenne til hanami, mono ikke klar over, Kuniyoshis substrat fra 1827, keshoubelleri konvensjonen, eller Horiyoshi III-linjen, begår ikke en kulturell krenkelse, men velger å trekke på en dyp tradisjon uten å engasjere seg i dybden. Atlas' redaksjonelle standpunkt er at klienter bør vite hva de trekker på, og at den ærlige praksisen er å kjenne den ikonografiske historien før designet forpliktes til huden.

Berømte sakura-tatoveringskoblinger

  • Helleriyoshi III (Yoshihito Nakano, født 9. mars 1946 i Shimada, Shizuoka Prefecture, og navngitt tredje generasjons Horiyoshi i 1971 av Shodai Horiyoshi) er den mest internasjonalt dokumenterte levende tolkeren av sakura innen klassiske bodysuit horimono-komposisjoner. Hans Yokohama-studio har produsert omfattende sakura-inkluderende bodysuit-arbeid siden 1971; Yokohama Tattoo Museum (Bunshin Tattoo Museum, grunnlagt 2000) er hovedankeret for hans linje i samtiden.
  • Shodai Helleriyoshi (Yoshitsugu Muramatsu) praktiserte i Yokohama fra 1930-tallet til 1970-tallet og ga Horiyoshi-navnet til Yoshihito Nakano i 1971. Linjen er den mest internasjonalt dokumenterte japanske tatoveringslinjen etter krigen.
  • State av Grace Tattoo, San José Japantown, forankret av Horitaka (Takahiro Kitamura) og Horitomo (Kazuaki Kitamura), begge tidligere lærlinger av Horiyoshi III, er det viktigste amerikanske institusjonelle ankeret for den moderne Yokohama sakura-tradisjonen. Butikken produserer full-bodysuit horimono-arbeid i den ubrutte japanske linjen.
  • Leu Family's Family Iron (Filip Leu og familie, Sveits) er det viktigste europeiske institusjonelle ankeret for det moderne klassiske japansk-stil sakura-arbeidet, med omfattende vedvarende utveksling med Horiyoshi III siden 1990-tallet.
  • Nellerman "Saileller Jerry" Collins (1911 til 1973) brakte sakura inn i amerikansk tradisjonell flash gjennom sin Hotel Street, Honolulu-butikk og sin korrespondanse på 1960-tallet med Kazuo Oguri (Horihide) fra Gifu. Collins' sakura-design er dokumentert i Don Ed Hardys redigerte Sailor Jerry Tattoo Flash: Rise og Shine, Vol. 1 (Hardy Marks Publications, 2002).
  • Hellerihide (Kazuo Oguri) fra Gifu, Japan, var Sailor Jerrys viktigste japanske korrespondent på 1960-tallet og Don Ed Hardys viktigste japanske lærer under Hardys fem måneders lærlingtid i Gifu i 1973. Den viktigste engelskspråklige referansen for Horihide er Yushi Takeis Horihide: Feirer livet og arbeidet til Kazuo Oguri (LM Publishers / University of Washington Press, 2014). Oguris egen publiserte flash-volum er GIFU HORIHIDE: Japansk tradisjonell tatoveringsdesign av Kazuo Oguri (Invisible Cities Press, 2008).
  • Don Ed Hardy førte den japanske sakura-tradisjonen videre gjennom sin lærlingtid i Gifu i 1973, sin Realistic Tattoo (1974), og de fem volumene av Tattoo Time (Hardy Marks Publications, 1982 til 1991). Hardy Marks Publications ga også ut Horiyoshi IIIs Tattoo Designs av Japan (1989 til 1990), den grunnleggende engelskspråklige tegneboken for Horiyoshi III.
  • Utagawa Kuniyoshi (1797 til 1861) leverer det ikonografiske substratet for enhver moderne japansk tatoveringssakura gjennom sin serie fra 1827 til 1830 Tsūzoku Suikoden gōketsu hyakuhachinin no hitelleri og sitt bredere trykkkorpus. Hans trykk befinner seg i Museum of Fine Arts (Boston), British Museum, Brooklyn Museum og andre store samlinger.
  • Katsushika Hokusai (1760 til 1849) og Utagawa Hiroshige (1797 til 1858) leverer det bredere landskaps-sakura-vokabularet gjennom Hokusais Tretti-seks utsikter over Fuji-fjellet (1830 til 1832) og Hiroshiges One Hundred Berømte visninger av Edo (1856 til 1858), blant annet verk.
  • Utstillingen ved Japanese American National Museum i 2014 Utholdenhet: Japanese Tattoo-tradisjon i en Modern World (Los Angeles, kuratert av Takahiro Kitamura med fotografi av Kip Fulbeck) er den viktigste institusjonelle behandlingen på museums-nivå av den moderne Horiyoshi III-linjen, inkludert omfattende dokumentasjon av sakura-komposisjoner innen full-bodysuit horimono.

Hvordan tenke på å få en kirsebærblomst-tatovering

Hvis du vurderer en sakura-tatovering, fire nyttige spørsmål for rammeverk:

  1. Hvilken tradisjon vil du trekke på? Klassisk japansk horimono sakura, amerikansk japansk-påvirket sakura, neo-tradisjonell sakura, moderne realisme sakura og moderne blackwork sakura er forskjellige estetiske og historiske registre. Den klassiske japanske horimono sakura er det dypeste historiske ankeret og det mest ikonografisk tette; den amerikanske japansk-påvirkede sakura stammer fra den gjennom Sailor Jerry til Hardy-kanalen; de moderne modusene tilpasser vokabularet på distinkte måter. Bestem deg for hvilket register du går inn i før design-samtalen starter.
  1. Hvilken komposisjon? En frittstående enkeltblomst er en annen uttalelse enn en gren-og-flere-blomster-komposisjon, enn en sti med fallende kronblader, enn en sakura-og-koi sesongmessig erme, enn en samurai-og-sakura krigerkomposisjon, enn en sakura-og-Fuji-fjell-landskap. Komposisjonsvalget er minst like viktig som valget om å få en sakura i det hele tatt. Klassisk horimono behandler sakura som keshoubelleri (sekundært atmosfærisk element) snarere enn som et frittstående motiv; hvis du vil ha den klassiske dybden, bør komposisjonen reflektere det.
  1. Hvilken skala? En sakura kan være et lite håndleddsstykke eller et fullt ryggstykke. Skalaen former den ikonografiske dybden: en liten frittstående blomst bærer lesningen av forgjengelighet, men mister det klassiske horimono-komposisjonsvokabularet; en ryggstykke sakura-inkluderende horimono engasjerer hele tradisjonen. Skalavalget er en designbeslutning med ikonografiske konsekvenser.
  1. Hvilken kunstner? Sakura er teknisk krevende arbeid, spesielt i det klassiske tebori horimono-registeret. En sakura gjort av en utøver trent i Horiyoshi III-linjen (Horitaka, Horitomo, Filip Leu og den bredere kohorten av horimono-utøvere) vil se annerledes ut enn den samme sakuraen gjort av en utøver trent utenfor den klassiske tradisjonen. Hvis irezumi-linjen betyr noe for deg, finn en tatovør trent i den linjen. Yokohama Tattoo Museum og State of Grace Tattoo i San José er de viktigste linjeankrene i sine respektive regioner.

En arbeidende tatovør kan ha en ærlig samtale med deg om alle fire. Sakuraen er et av de mest raffinerte motivene i den japanske tradisjonen, med over tusen års kulturell vekt bak formen, og de tekniske mønstrene for å få den til å eldes godt er omfattende dokumentert og godt undervist innen horimono-tradisjonen.

Kilder

  • Tattoo Archive (Winston-Salem). Periodiske flash-ark som inkluderer Sailor Jerry sakura-design og det bredere amerikansk-japansk-påvirkede korpuset.
  • Hardy Marks Publications. Helleriyoshi III, Tattoo Designs av Japan (1989 til 1990). Den grunnleggende engelskspråklige Horiyoshi III-tegneboken som inkluderer sakura-komposisjoner innenfor den bredere presentasjonen av det klassiske horimono-vokabularet.
  • Hardy Marks Publications. Tattoo Time, fem bind, 1982 til 1991, redigert av Don Ed Hardy. Hovedjournalen for American Tattoo Renaissance; flere japansk-irezumi-artikler gjennom hele serien, inkludert sakura-materiale.
  • Hardy Marks Publications. Sailor Jerry Tattoo Flash: Rise og Shine, Vol. 1, redigert av Don Ed Hardy, 2002. Hovedutgivelsen av Norman Collins' Hotel Street-flash, inkludert sakura-design.
  • Richie, Donald, og Ian Buruma. Den Japanese Tattoo. Weatherhill, 1980. Standardverket på engelsk om klassisk japansk irezumi, inkludert sakuraen innenfor vokabularet for sesongmotiver.
  • Van Gulik, Willem. Irezumi: The Pattern av Dermatography i Japan. Brill, 1982. Hovedmonografien om den tidsmessige dokumentariske registreringen.
  • Helleriyoshi III. 100 Demons av Horiyoshi III (Hyakkizu Helleriyoshi). Nihonshuppansha, 1998. ISBN 4890485708.
  • Helleriyoshi III. 108 Heroes av Suikoden. Nihonshuppansha, ca. 2009 til 2010. Hovedtegneboken av Horiyoshi III om Suikoden-heltene, inkludert sakura-passasjer.
  • Takei, Yushi. Horihide: Feirer livet og arbeidet til Kazuo Oguri. LM Publishers / University of Washington Press, 2014. Hovedmonografien på engelsk om Horihide.
  • Hardy, Don Ed. Wear Your Dreams: My Life i tatoveringer (med Joel Selvin). Thomas Dunne Books, 2013. Førstepersonsberetning om Hardy-skolens periode, inkludert Gifu-lærlingetiden i 1973 og sakura-overføringen.
  • Fellman, Sandi. Den japanske tatoveringen. Abbeville Press, 1986. Hovedfotografiske oversikten over samtids praksis innen irezumi med omfattende dokumentasjon av sakura-motiver i horimono fra slutten av det tjuende århundre.
  • Kitamura, Takahiro (Horitaka), og Kip Fulbeck. Utholdenhet: Japansk tatoveringstradisjon i en moderne verden. Japanese American National Museum, 2014. Hovedbehandlingen på museums nivå av den samtidige Horiyoshi III-linjen, inkludert deres sakura-arbeid.
  • Motori Norinaga. Kojiki-den (kommentar til Kojiki), førtifire bind, ferdigstilt 1798. Den primære klassiske formuleringen av mono ikke klar over som den sentrale estetiske følsomheten i klassisk japansk litteratur, det filosofiske rammeverket som sakuraens symbolske vekt best forstås innenfor.
  • Kuniyoshi, Utagawa. Tsūzoku Suikoden gōketsu hyakuhachinin no hitelleri ("De 108 heltene fra Water Margin, én etter én"), 1827 til ca. 1830. Kagaya Kichiemon, utgiver. Oppbevares ved Museum of Fine Arts (Boston), British Museum, Brooklyn Museum og andre store samlinger.
  • Hiroshige, Utagawa. Meisho Edo Hyakkei ("Hundre berømte utsikter over Edo"), 1856 til 1858. Flere plater med kirsebærblomster som dokumenterer hanami-steder i Edo på nittenhundretallet.
  • Hokusai, Katsushika. Fugaku Sanjūrokkei ("Trettiseks utsikter over Fuji-fjellet"), designet 1830 til 1832 med ti tilleggsplater 1833 til 1834. Det bredere landskapsvokabularet for sakura forankret i den mest internasjonalt berømte ukiyo-e-serien.

Redaksjonelt

Forsket og skrevet av John J. Mayo III, Redaktør, Tattoo History Atlas. Denne siden reflekterer gjeldende kanon per Sist gjennomgått dato ovenfor og oppdateres kvartalsvis.

Fant en feil eller har en kilde å legge til? Send til arkivet. Aksepterte bidrag gir Archive XP og navngitt anerkjennelse (valgfritt).