Oni (鬼) er den hornede demonfiguren fra japansk folklore og en av de kanoniske figurlige motivene i klassisk japansk irezumi. Oni er ikke "djeveler" i vestlig kristen forstand; de er en klasse av overnaturlige vesener hvis opprinnelse ligger i før-buddhistisk japansk tro på hevngjerrige ånder (onryō), Heian-periodens buddhistiske helvetesikonografi hentet fra kontinentale Mahāyāna-kilder, og den bredere yōkai (妖怪) taksonomien som ble krystallisert i tresnittkulturen fra sen-Edo-periode. Den enkelt mest innflytelsesrike trykte kilden for det moderne oni-bildet er Telleriyama Sekiens Gazu Hyakki Yagyō (画図百鬼夜行, Illustrert nattprosesjon av hundre demoner, 1776), og krigeren-mot-oni ikonografien som forsyner de fleste moderne tatoveringskomposisjoner stammer fra Utagawa Kuniyoshis tresnitt fra 1820- og 1830-tallet. Den vitenskapelige litteraturen om oni og yōkai er forankret av Noriko Reiders Japansk Demon Lore (Utah State University Press, 2010), Michael Dylan Fosters Yōkais bok (University of California Press, 2015), og Komatsu Kazuhikos En introduksjon til Yōkai Culture (Japan Publishing Industry Foundation for Culture, 2017). Oni inntar en paradoksal rolle i irezumi: demonfiguren fungerer som beskytter snarere enn trussel, en strukturell inversjon av vestlig demonikonografi som de fleste ikke-japanske bærere ikke møter i populære kilder. Samtidig vestlig interesse, drevet tungt av anime-eiendommer inkludert Demon Slayer / Kimetsu no Yaiba (2016 til 2024), Berserk (Kentaro Miura, 1989 til 2021), og Naruto (Masashi Kishimoto, 1999 til 2014), forsyner designsubstratet for en betydelig del av moderne ikke-japanske oni-tatoveringer. Horiyoshi III-linjen, den moderne horishi-kohorten og Utholdenhet utstillingen (2014) forsyner den primære motreferansen for klassisk horimono oni-ikonografi.
Hva betyr en oni-tatovering?
En oni-tatovering leses oftest som beskyttelse, overnaturlig styrke og avverging av ulykke. I det klassiske japanske irezumi-registeret er oni paradoksalt nok en beskytterfigur: en demon rekruttert for å avvise andre demoner, sykdom og ulykke, strukturelt parallelt med bruken av shisa løvehunder på Okinawas tak eller komainu ved Shintō-helligdomsporter (Reider 2010, Foster 2015). Den vestlige lesningen av "demon lik ondskap" kartlegger ikke oni; dette er en av de viktigste ærlige rammene for en vestlending som vurderer motivet. Oni bærer også Setsubun-tradisjonens oni wa soto "demoner ut"-lesning, helvetesvokterregisteret fra Naraka-tradisjonen, og krigeren-mot-overnaturlig-motstanderregisteret fra Kuniyoshis nittende århundres tresnitt.
Er en oni en demon?
En oni er en demon bare i den løseste engelskspråklige forstand, og oversettelsen skjuler mer enn den avslører. Det japanske begrepet 鬼 (oni) dekker en klasse av overnaturlige vesener som inkluderer helvetesvokter-fengselsbetjenter fra buddhistisk Naraka-ikonografi, hevngjerrige forfedreånder (onryō) fra før-buddhistisk japansk tradisjon, ogre-lignende mannlige vesener fra folklore, og den bredere yōkai taksonomi over overnaturlige skapninger (Reider 2010, Komatsu 2017). Oni er ikke falne engler i kristen forstand, er ikke utvetydig onde, og fungerer ofte som beskyttende snarere enn destruktive figurer. Den nærmeste engelske analogien er "ogre" snarere enn "djevel", og selv det passer ufullstendig.
Hva er forskjellen mellom en oni og en hannya?
Hannya (般若) er en spesifikk Noh-teatermaske som skildrer en kvinnelig demon født av sjalusi, sorg og overnaturlig transformasjon; oni (鬼) er den bredere kategorien av hornede demonfigurer som hannya kan betraktes som en undertype av (Brazell 1998, Komparu 1983). Hannya har sin egen spesifikke tradisjon for Noh-maskeskjæring og sin egen narrative opprinnelse i stykker som inkluderer Aoi no Ue og Dōjōji. Oni i tatoveringsarbeid er typisk mannlig, hornert, med huggtenner, og gjengitt med et bredere ikonografisk vokabular (rød, blå, svart, hvit eller grønn hud; tigerstripet lendeklede; jernklubbe eller kanabō). Hannya er sin egen spesifikke maskefigur og fortjener sin egen ikonografiske side; se oppføringen i Hannya Pocket Guide for den kvinnelige demon-maske-tradisjonen spesifikt.
Hva betyr en rød oni vs blå oni-tatovering?
Fargen på en oni i klassisk japansk billedtradisjon bærer buddhistisk symbolikk knyttet til de Fem Hindringene (panca nīvarana) av buddhistisk doktrine. Rød oni (aka-oni, 赤鬼) signaliserer sinne, synd og begjær. Blå oni (ao-oni, 青鬼) signaliserer sykdom, depresjon og ond vilje. Svart oni signaliserer tvil og skeptisk avvisning. Hvit oni signaliserer grådighet. Gul eller grønn oni signaliserer forfengelighet, rastløshet og diverse andre plager, med attribusjon varierende etter kilde (Reider 2010). Fargeskjemaet stammer fra buddhistisk helvetesikonografi og fortsetter å informere samtidige horimono fargevalg. I amerikansk japansk-påvirket flash er rød og blå oni de desidert mest tatoverte variantene.
Hvor kommer oni-tatoveringen fra?
Oni som tatoveringsmotiv stammer fra tre konvergerende tradisjoner. Først, den buddhistiske helvetesvokter-ikonografien fra middelalderen, der oni fungerer som demoniske fangevoktere i Naraka, de buddhistiske helvetesriker, leverte det figurative grunnlaget (Kuroda 1989, Reider 2010). For det andre, Edo-periodens yōkai tresnitt-eksplosjon, forankret av Toriyama Sekiens Gazu Hyakki Yagyō (1776) og den bredere yōkai zukan taksonomiske illustrasjonstradisjonen, leverte det trykte visuelle substratet (Foster 2015). For det tredje, Utagawa Kuniyoshis kriger-mot-oni tresnitt fra 1820- til 1840-tallet, inkludert trykk fra Suikoden-serien og hans frittstående krigertriptykker, leverte irezumi komposisjonsvokabularet som ble overført fra side til hud via Edo horishi (Klompmakers 1998, Inagaki 1992, Kitamura 2003).
Hvor bør jeg plassere en oni-tatovering?
Vanlige plasseringer har hver sine visuelle og tradisjonelle implikasjoner. Den klassiske japanske horimono-plasseringen integrerer oni i en helrygg- eller helkroppskomposisjon, enten som hovedmotiv (shudai) eller som den beseirede motstanderen ved føttene til en krigerfigur. Helrygg-plassering i enkeltfigur-skala er den kanoniske horimono-behandlingen når oni er shudai, noe som tillater at demonens fulle hornede hode, huggtenner, muskuløse torso, kanabō jernklubbe og tigerstripete lendeklede gjengis med den ikonografiske tettheten figuren krever. Halv-erm-plasseringer tilpasser oni-masken alene eller en delvis figur til armen. Brystpanel- og lårplasseringer rommer den fullt stående eller sittende demonfiguren. Oni-maske-kun-komposisjonen (en løsrevet maske uten full kropp) er den vanligste kompakte plasseringen og er et av de mest tatoverte samtidige japansk-stil bryst-, skulder- og underarmsmotivene. Diskuter plassering og skala med tatovøren din; figuren belønner størrelse for detaljer og leses dårlig når den er klemt.
Etymologi og klassifisering: oni i japansk demonologi
Karakteren 鬼 (oni) er et sino-japansk lån fra klassisk kinesisk, der samme karakter (guǐ) betegner spøkelser, ånder og overnaturlige vesener av de døde. Den japanske lesemåten og det japanske semantiske feltet divergerte fra den kinesiske kilden i Heian-perioden (794 til 1185 e.Kr.) og krystalliserte seg til en distinkt kategori av overnaturlige vesener hvis ikonografiske, narrative og rituelle konvensjoner er spesifikke for Japan (Reider 2010, Komatsu 2017). Karakteren kan også leses på japansk som ki, spesielt i sammensatte ord, men den frittstående lesemåten er oni.
Den vitenskapelige litteraturen som etablerer begrepets historie og semantiske rekkevidde er forankret i tre hovedreferanser på engelsk og den bredere japanskspråklige forskningen til Komatsu Kazuhiko.
Noriko T. Reiders Japanese Demon Lore: Oni fra antikken til i dag (Utah State University Press, 2010) er den viktigste engelskspråklige monografien om oni spesifikt. Reider, professor i japansk ved Miami University, sporer oni fra deres før-buddhistiske japanske opprinnelse gjennom Heian-periodens buddhistiske synkretisme, middelalderens otogi-zōshi fortellerlitteratur, Edo-periodens populærkultur, og samtids anime og manga. Reiders tidligere Tales av det overnaturlige i Early Modern Japan (Edwin Mellen Press, 2002) og hennes oversettelser av middelalderske og tidlig-moderne oni-fortellinger leverer det bredere tekstlige grunnlaget.
Michael Dylan Fosters Yōkais bok: Mysterious Crevedures of Japanese Folklellere (University of California Press, 2015) er den viktigste engelskspråklige referansen for den bredere yōkai (妖怪) taksonomien som oni utgjør en kanonisk kategori innenfor. Fosters tidligere Pandemonium og parade: Japanese-monstre og Culture til Yōkai (University of California Press, 2009) leverer den bredere kulturhistorien, inkludert Edo-periodens yōkai zukan tradisjon, Yanagita Kunios folklorestudier fra tidlig på 1900-tallet, og yōkai-renessansen i samtids manga og anime.
Komatsu Kazuhikos En introduksjon til Yōkai Culture: monstre, spøkelser og Outsiders i Japanese-historien (Japan Publishing Industry Foundation for Culture, 2017, oversatt av Hiroko Yoda og Matt Alt) er den viktigste engelsk-oversatte referansen fra den mest innflytelsesrike samtidige japanske folkloristen som arbeider med yōkai og oni. Komatsu, mangeårig professor ved International Research Center for Japanese Studies i Kyoto, har produsert det grunnleggende japanskspråklige forskningsarbeidet innen feltet gjennom tiår med monografier og redigerte bind, og engelskoversettelsen fra 2017 gjorde hans syntese tilgjengelig for ikke-japanskspråklige forskere og tatovører for første gang.
Det semantiske feltet for oni i klassisk japansk inkluderer minst fire overlappende registre som den moderne tatoveringskunden bør kjenne til.
Oni som helvetesvokter. I buddhistisk Naraka-ikonografi er oni de demoniske fangevokterne i helvetesriker, avbildet som hornede, tannete, muskuløse figurer som svinger jernklubber, og hersker over de fordømtes pinsler. Dette registeret kom til Japan med kontinental Mahāyāna-buddhisme på sjette og syvende århundre e.Kr. og ble utdypet gjennom buddhistisk kunst i Heian-perioden, inkludert Jigoku-zōshi (地獄草紙, Hell Scrolls) fra slutten av det tolvte århundre, som hovedsakelig oppbevares ved Nara National Museum og Tokyo National Museum (Kuroda 1989, Reider 2010).
Oni som onryō / hevngjerrig ånd. I før-buddhistisk japansk tradisjon, onryō (怨霊) er den hevngjerrige ånden til en person som døde med uløste klagemål og returnerer for å påføre de levende skade. Det mest kjente historiske tilfellet er Sugawara no Michizane (845 til 903 e.Kr.), hoffmannen og lærde fra Heian-perioden som døde i eksil i Dazaifu i 903 og deretter ble antatt å ha returnert som en onryō ansvarlig for en rekke dødsfall, lynnedslag og katastrofer ved hoffet. Hoffet blidgjorde til slutt Michizane ved å guddommeliggjøre ham som Tenjin (天神), shinto-guden for lærdom som fortsatt tilbes ved Tenmangū-helligdommer over hele Japan. onryō tradisjonen gir en strukturell forløper til oni-kategorien og er dokumentert i Plutschows Kaos og kosmos (Brill, 1990) og i den bredere historiske dokumentasjonen fra Heian-perioden (Reider 2010).
Oni som troll / folkloristisk vesen. I otogi-zōshi (御伽草子) fortellerlitteraturen fra Muromachi-perioden (1336 til 1573) og tidlig Edo-periode, fungerer oni som et troll-lignende mannlig vesen som bor på fjelltopper, fjerntliggende øyer eller i avsidesliggende skoger, og som periodisk stiger ned for å plyndre landsbyer og bortføre kvinner. De kanoniske fortellingene inkluderer Shuten-dōji (酒呑童子), oni-kongen av Mount Ōe hvis drikkelag og menneskespising endelig ble stoppet av krigerhelten Minamoto no Yorimitsu (Raikō) og hans fire himmelske konger på slutten av det tiende århundre, og Momotarō (桃太郎, "Fersken-gutt"), folkhelten hvis seier over oni på øya Onigashima er en av de mest fortalte japanske barnehistoriene. Disse fortellingene ble omfattende illustrert i otogi-zōshi bildebokutgaver fra Edo-perioden og ga det narrative materialet for den påfølgende treblokktradisjonen med krigere mot oni (Reider 2010, Foster 2015).
Oni som yōkai-kategori. I den bredere yōkai taksonomien som ble krystallisert i trykt kultur fra Edo-perioden, er oni en kanonisk klasse innenfor et større univers av overnaturlige vesener som inkluderer tengu (天狗) bevingede fjellånder, kappa (河童) vanndemoner, kitsune (狐) reveånder, tanuki (狸) vaskebjørntriksmakere, yūrei (幽霊) menneskelige spøkelser, og dusinvis av mer spesialiserte skapninger. Taksonomien ble illustrert i katalogform i Toriyama Sekiens fire-binds Hyakki Yagyō serie (1776 til 1784) og utvidet i den påfølgende yōkai-billedtradisjonen gjennom sen Edo-, Meiji- og moderne perioder (Foster 2009, Foster 2015).
De fire registrene overlapper i praksis; en enkelt oni-figur i en tatoveringskomposisjon kan bære resonanser av helvetesvokter, onryō, troll og yōkai samtidig, med den spesifikke vektingen avhengig av komposisjonens andre elementer, kunstnerens linje, og bærerens egen kunnskap om tradisjonen.
Buddhismens opprinnelse: helvetesvoktere, mahākāla og Naraka-tradisjonen
Det buddhistiske bidraget til oni-kategorien er grunnleggende og er dokumentert i Kuroda Toshios grunnleggende studier av middelaldersk japansk buddhisme (samlet på engelsk i Utviklingen av Kenmitsu System Theory, i Cambridge-historien til Japan, Volume 3, 1990, og i Kurodas Religion og samfunn i Medieval Japan, oversatt av James C. Dobbins og Suzanne Gay, Journal of Japanese Studies, 1981) og i Reiders Japansk Demon Lore (2010).
Mahāyāna-buddhismen kom til Japan via Korea i midten av det sjette århundre e.Kr., tradisjonelt datert til 552 (Nihon Shoki) eller 538 (Gangō-ji engi). Det kontinentale buddhistiske ikonografiske vokabularet brakte med seg Naraka (Sanskrit: नरक) helvetesriker og deres demoniske voktere. I Mahāyāna-kosmologien er Naraka ikke evig straff i kristen forstand, men snarere midlertidige riker av lidelse hvis varighet bestemmes av akkumulert karma; de demoniske vokterne håndhever lidelsen som en karmisk mekanisme snarere enn som moralsk ondskap. Dette er et strukturelt viktig poeng for å forstå oni: demon-fengselsvokterne i buddhistisk helvete er agenter for karmisk lov snarere enn ondskapsfulle individer med fri vilje, og det ikonografiske vokabularet med horn, huggtenner, muskuløse kropper og jernklubber stammer fra denne funksjonelle rollen.
Den japanske mottakelsen av kontinental buddhistisk helvetesikonografi i Heian-perioden produserte Jigoku-zōshi (地獄草紙, Hell Scrolls) fra slutten av det tolvte århundre, en serie illustrerte håndruller som skildrer de forskjellige buddhistiske helvetesriker og deres torturer. De viktigste overlevende eksemplarene oppbevares ved Nara National Museum og Tokyo National Museum og har blitt grundig studert i den japanske kunsthistoriske litteraturen, inkludert Kurodas studier. Oni-figurene i Jigoku-zōshi er de direkte ikonografiske forfedrene til den moderne oni: hornede, med huggtenner, ofte rød- eller blåhudede, som svinger jernklubber (kanabō, 金棒) og hersker over de fordømtes pinsler. Det visuelle vokabularet etablert i disse skriftrullene forble stabilt gjennom de påfølgende århundrene og gir det ikonografiske substratet for sen-Edo treblokk-oni og for samtids horimono.
Mahākāla (Sanskrit: महाकाल, "Den store sorte"), den rasende Mahāyāna-beskytterguden kjent i Japan som Daikoku (大黒) i sitt velvillige aspekt og som en kilde til det bredere demoniske-vokter-ikonografien, gir en ytterligere buddhistisk kanal der oni-lignende figurer kom inn i japansk visuell kultur. Mahākāla-Daikoku-overføringen er dokumentert i Faure's Power for fornektelse (Princeton University Press, 2003) og i den bredere faglitteraturen om esoterisk Mahāyāna-ikonografi i Japan. De rasende beskyttergudene i esoterisk buddhisme, inkludert Fudō Myō-ō (不動明王, Acala) med sitt sverd og lasso, Aizen Myō-ō (愛染明王) med sin røde hud og flere armer, og den bredere Myō-ō (明王, Vidyārāja), deler ikonografiske konvensjoner med oni: vredt uttrykk, fangede grimaser, hevede våpen, omgivende flammer. Det delte visuelle vokabularet reflekterer den strukturelt lignende rollen til disse figurene som fryktinngytende beskyttende vesener, hvis skremmende utseende i seg selv er mekanismen for deres beskyttelse.
Den pre-buddhistiske japanske tradisjonen for hevngjerrige ånder, onryō kategorien diskutert ovenfor, smeltet sammen med den importerte buddhistiske ikonografien for helvetesvoktere i Heian- og Kamakura-periodene for å produsere den syntetiske oni-figuren fra middelalderen. Den onryō forsynte den opprinnelige japanske åndelige kategorien, det kulturelle rammeverket der et hevngjerrig overnaturlig vesen ga mening; den kontinentale buddhistiske ikonografien forsynte det visuelle vokabularet (horn, huggtenner, jernklubbe) som ga kategorien billedlig form. Syntesen er dokumentert i Plutschows Kaos og kosmos: Ritual i tidlig og Medieval Japanese litteratur (Brill, 1990) og i den bredere religiøse historie-litteraturen fra Heian-Kamakura.
Den buddhistisk-avledede oni fungerer som en vokter snarere enn en fiende i denne sammenhengen. Helvetesvokteren håndhever karmisk lov; den beskyttende guddommen avverger ulykke; den onryō blir, når den er blidgjort, en deifisert beskytter (Tenjin er det kanoniske eksempelet). Denne vokter-beskytter-funksjonen er hovedgrunnen til at oni fungerer som et tatoveringsmotiv: bæreren påkaller et fryktinngytende overnaturlig vesen for å avverge skade, ikke adopterer et symbol på ondskap. Dette er den strukturelle inversjonen av vestlig kristen demon-ikonografi som de fleste ikke-japanske bærere som støter på "demon" eller "oni"-tatoveringer i populære kilder, ikke har tilgang til.
Setsubun-tradisjonen med bønnekasting: oni wa soto
Den mest praktiserte ritualen som involverer oni i moderne japansk liv er Setsubun (節分, "sesonginndeling"), bønnekastingsseremonien som holdes årlig den 3. februar, dagen før vårens start i den tradisjonelle månekalenderen (Risshun). Ritualet er dokumentert i Plutschows Matsuri: Festivalene i Japan (Routledge / Curzon Press, 1996) og i den bredere japanske folklores litteraturen.
Kjernen i Setsubun-seremonien er kastingen av ristede soyabønner (fukumamma, 福豆, "lykkebønner") mens man messer "Oni wa soto, fuku wa uchi" (鬼は外、福は内, "Demons out, fortune in"). Kastingen utføres ved inngangen til hjem og ved store buddhistiske templer og Shintō-helligdommer, ofte med et utpekt familiemedlem eller tempeloffisiant iført en oni-maske for å representere demonen som blir drevet ut. Den utdrevne oni signaliserer utvisningen av ulykke, sykdom og dårlig hell for det kommende året; den velkomne fuku signaliserer inntoget av velstand, helse og lykke.
Ritualets opprinnelse ligger i kontinentale kinesiske nyttårs-eksorcisme-praksiser importert til Japan i Heian-perioden, der tsuina (追儺) hoffseremonien som ble utført ved keiserpalasset, involverte lignende demon-utvisnings-observanser. Hoffseremonien spredte seg gjennom buddhistisk tempelprakis og til slutt gjennom folkelig observans for å bli det moderne Setsubun-ritualet som praktiseres i husholdninger og templer over hele Japan (Plutschow 1996). De moderne store tempel-observansene inkluderer Sensō-ji (Asakusa, Tokyo), Naritasan Shinshō-ji (Narita, Chiba), Yoshida Jinja (Kyoto), og Mibu-dera (Kyoto), hvor kjendiser som kaster bønner (ofte sumobrytere, kabuki-skuespillere eller profesjonelle baseballspillere) tiltrekker seg betydelige folkemengder.
Setsubun-observansen er ikonografisk viktig for tatoveringstradisjonen fordi den etablerer den japanske kulturelle konteksten der oni opererer: et fryktinngytende vesen som skal rituelt utvises årlig slik at lykke kan komme inn. Oni i denne sammenhengen er ikke "ond" i moralsk-teologisk forstand; det er ulykke gitt antropomorf form, et vesen hvis utvisning er forutsetningen for velstand. Selve bønnen, spesifikt soyabønnen, forstås som et lite prosjektil som er i stand til fysisk å treffe oni og drive den ut, og kana-tegnene for "bønne" (mamma, 豆) og "demon-øye" (ma-meg, 魔目) gir en folk-etymologisk resonans som styrker symbolikken (Plutschow 1996, Foster 2015).
En tatoveringskomposisjon med Setsubun-tema, en oni-maskefigur med spredte soyabønner, eller med oni wa soto frasen gjengitt i kalligrafi, befinner seg innenfor dette spesifikke kulturelle-rituelle registeret snarere enn de bredere helvetesvokter- eller kriger-mot-oni-registrene. Komposisjonen er mindre vanlig i vestlig flash enn i klassisk horimono, men er ikonografisk distinkt og verdt å vite om.
Akita Namahage-tradisjonen: UNESCOs immaterielle kulturarv
Den mest internasjonalt anerkjente moderne folk-tradisjonen med oni-masker er Namahage (なまはげ) fra Oga-halvøya i Akita Prefecture, i den nordlige Tōhoku-regionen i Japan. Namahage-observansen ble innskrevet på UNESCOs representative liste over immateriell kulturarv i 2018 som en del av den felles innskrivingen "Raihō-shin" (来訪神, "rituelle besøk av guddommer i masker og kostymer") som anerkjente ti relaterte folkelige besøksritualer fra hele det rurale Japan (UNESCO Intangible Cultural Heritage documentation, 2018; Foster 2015).
Namahage-ritualet utføres på nyttårsaften (31. desember) i landsbyer over hele Oga-halvøya. Unge menn i landsbyen kler seg i forseggjorte oni-kostymer med store utskårne tremasker med fremtredende horn, huggtenner og utstående øyne; kede halmmantler; og kanabō etterligninger av jernklubber eller tresverd. De kostymerte Namahage går i par eller små grupper fra hus til hus, banker på dører og roper sinte spørsmål, "Hva er det?" ("Er det noen gråteunger her?"), "Iuko to kikanu warui ko wa inē ka?" ("Er det noen slemme barn som ikke lytter?"), og krever å se husholdningens barn og truer med å ta bort de som har oppført seg dårlig i løpet av det siste året.
Truslene er en del av en ritualisert utveksling. Husholdningens overhode hilser Namahage med formell gjestfrihet, og tilbyr mochi riskaker og sake. Namahage gir i sin tur velsignelser til husholdningen: velstand for det kommende året, gode avlinger, sunne barn, brannsikkerhet. Det skremmende besøket fungerer dermed som en fruktbarhets- og velstandsrite, der de oni-maskerte besøkende fungerer som besøkende guddommer (raihō-shin) hvis fryktinngytende natur er mekanismen for velsignelsen snarere enn dens motsats.
Namahage-tradisjonen er grundig dokumentert i Michael Dylan Fosters Yōkais bok (2015) og i hans tidligere Pandemonium og parade (2009). Fosters feltarbeid i Oga tidlig på 2000-tallet ga den viktigste engelskspråklige etnografiske beretningen om den moderne observansen, og hans arbeid var et betydelig bidrag til UNESCOs innskrivingsdokumentasjon. Namahage museum (なまはげ館) ved Shinzan Shrine i Oga bevarer dusinvis av landsby-spesifikke Namahage-masketyper og utgjør det viktigste institusjonelle ankeret for tradisjonen.
Namahage-observansen er ikonografisk viktig for tatoveringstradisjonen fordi den bevarer en kontinuerlig, levende, lokalt spesifikk folk-tradisjon for oni-maske-rituel praksis, atskilt fra det buddhistiske tempelregisteret, den urbane Setsubun-observansen og treblokk-trykk-billedtradisjonen. Namahage-påvirkede tatoveringskomposisjoner refererer til en regional Tōhoku-besøkstradisjon snarere enn den bredere urbane Edo-avledede ikonografien som forsyner det meste av horimono oni-arbeid, og de visuelle signaturene til Oga-maskene (den spesifikke hornkurvaturen, kede halmmantelen, de distinkte masketypene assosiert med bestemte landsbyer) er gjenkjennelige for seere som er kjent med tradisjonen. Namahage-registeret er mindre vanlig i vestlig flash enn i moderne japansk tatoveringsarbeid, men er verdt å vite om som et distinkt ikonografisk anker.
Selve UNESCO-innskrivingen fra 2018 er et betydelig øyeblikk for den bredere kulturelle anerkjennelsen av folkelig observans knyttet til oni-tradisjonen. Den felles Raihō-shin-innskrivingen inkluderer Namahage sammen med Yonaguni Mayunganashi fra Okinawa, Mishaguji observanser i Nagano, Bosé fra Kagoshimas offshore øy Akusekijima, Kasedelleri fra Yonezawa i Yamagata, Yoshihama Suneka fra Iwate, Yonekawa Mizukaburi fra Miyagi, Yūzu no Hanamvedsuri fra Aichi, Toshidon fra Shimokoshikijima øy i Kagoshima, og Paantu fra Miyakojima på Okinawa. Den felles inskripsjonen plasserer Namahage innenfor en bredere japansk folketradisjon med ritualer for besøk av maskerte guddommer, og UNESCO-dokumentasjonen er den viktigste samtidige institusjonelle referansen (UNESCO 2018).
Noh og Kyōgen teater oni: masketyper og ja, beshimi, kobeshimi
De klassiske japanske teater-tradisjonene Nei (能) og Kyōgen (狂言), formalisert i sen Muromachi-periode (1336 til 1573) under beskyttelse av Ashikaga-shogunatet og linjen til Kan'ami (1333 til 1384) og hans sønn Zeami (1363 til 1443), gir en av de viktigste kanalene hvor oni-ikonografi ble bevart og raffinert gjennom århundrene. Den faglige referansen for Noh-maske-ikonografi er Komparu Kunios The Noh Theatre: Prinsipper og perspektiver (Weatherhill, 1983), og den bredere Noh- og Kyōgen-litteraturen er forankret av Brazells Tradisjonelt Japanese-teater: En antologi av skuespill (Columbia University Press, 1998) og Tylers Japanese Nei Dramas (Penguin Classics, 1992).
Noh-maske-skjæringstradisjonen anerkjenner dusinvis av distinkte masketyper organisert i brede kategorier: jō (gammel mann), otoko (ung mann), onna (kvinne), og de overnaturlige kategoriene inkludert de ulike oni- og demon-typene. De viktigste oni-masketypene i Noh-repertoaret inkluderer:
Ja (蛇). Slangedemon-masken, den mest ekstreme i sekvensen av kvinnelige demon-masker (som begynner med deigan, går videre gjennom hashihime, deretter namanari, deretter hannya, og kulminerer i ja eller shinja). Ja-masken skildrer en kvinne hvis sjalusi og raseri har forvandlet henne så langt at hun har blitt en slangedemon, med ekstreme huggtenner, gullmalte øyne og et utmagret, slangelignende utseende. Jaen dukker opp i de mest ekstreme demon-transformasjonsstykkene.
Beshimi (癋見). Den "tett-leppede" mannlige demon-masken, med en lukket-munn grimase, fremtredende panne, og en kontrollert, innestengt villskap. Beshimien dukker opp i stykker der demon-figuren er et mektig, men tilbakeholdent overnaturlig vesen, ofte en fjell- eller skogs-guddom, og er preget av den lukket-munnede utskjæringen fra de åpen-munnede variantene.
Kobeshimi (小癋見). Den "lille tett-leppede" demon-masken, en mindre variant av beshimien brukt i forskjellige rolle-kategorier. Det diminutive navnet reflekterer skalaen heller enn redusert villskap.
Ōbeshimi (大癋見). Den "store tett-leppede" demon-masken, en større og mer imponerende variant brukt for de mektigste overnaturlige rollene.
Shikami (顰). Den "rynkende" mannlige demon-masken, preget av en åpen-munn grimase og et aggressivt, angripende uttrykk. Brukt for de mest åpenbart fiendtlige demon-rollene i Noh-repertoaret.
Tobide (飛出). Den "utstående øyne"-masken, brukt for overnaturlige roller som krever spesielt intens, nesten poppende øyebehandling. Flere varianter finnes for forskjellige rolle-kategorier.
Noh-maske-skjæringstradisjonen er et arvelig håndverk overført gjennom spesifikke linjer av omote-shi (面師) maske-skjærere, med masketyper stabilisert over århundrer og reprodusert med høy trofasthet fra kanoniske modeller. Masken i seg selv anses å legemliggjøre ånden den representerer; utøvere ærer masken rituelt før de tar den på, og visse masketyper er reservert for spesifikke stykker i spesifikke sesonger (Komparu 1983).
Noh-maske-oniene og den bredere oni-ikonografiske tradisjonen deler visuelt vokabular (horn, huggtenner, intenst uttrykk), men Noh-maskene er mer ikonografisk begrenset og mer kodifisert enn treblokk-trykk- eller tatoverings-oniene. En tatoveringskomposisjon utledet direkte fra en spesifikk Noh-masketype (en beshimi heller enn en generell oni, for eksempel) bærer den ekstra ikonografiske spesifisiteten til teater-tradisjonen og er et gjenkjennelig valg for seere som er kjent med Noh.
Hannya-masken (般若), en av de mest tatoverte japanske maske-figurene globalt, er en spesifikk kvinnelig demon-maske innenfor denne Noh-maske-skjæringstradisjonen; den har sin egen dedikerte Pocket Guide-oppføring og behandles kun i kryssreferanse her. Hovedpoenget for oni-diskusjonen er at hannya er en Noh-spesifikk kvinnelig demon-maske-kategori, mens den bredere onien i tatoveringsarbeid inkluderer både Noh-avledede maske-figurer og den bredere ikonografiske tradisjonen som stammer fra buddhistisk helvetes-ikonografi, otogi-zōshi fortellerlitteratur, og Edo treblokk-trykk.
Den Kyōgen komiske teater-tradisjonen, paret med Noh i fremføring, inkluderer sitt eget oni-figur-repertoar. Kyōgen-oni er typisk fremstilt som komiske motstykker, ofte lurt av smarte menneskelige protagonister eller av triks som involverer figurens egne begjær. Kyōgen-oni-masketypene skiller seg i utskjæring og uttrykk fra Noh-oni-maskene, generelt med bredere, mer tegneserieaktige trekk som leses for komisk snarere enn tragisk effekt. Kyōgen-oni-tradisjonen bidrar til den bredere japanske kulturelle følelsen av at onien ikke er entydig ond; figuren kan være skremmende i Noh og latterlig i Kyōgen avhengig av kontekst, og det samme kulturelle publikummet kunne engasjere seg i begge registre uten motsetning.
Edo-periodens tresnitt yōkai: Toriyama Sekien og Hyakki Yagyō
Den enkelt mest innflytelsesrike trykte kilden for den moderne oni- og yōkai-ikonografien er Telleriyama Sekien (鳥山石燕, 1712 til 1788) og hans fire-binds Gazu Hyakki Yagyō serie (1776 til 1784). Sekiens verk og den bredere Edo-periodens yōkai-illustrasjons-tradisjon er dokumentert i lengde i Michael Dylan Fosters Pandemonium og parade (2009) og Yōkais bok (2015), og i den bredere japanskspråklige forskningen til Komatsu Kazuhiko og Tada Katsumi.
Det første bindet, Gazu Hyakki Yagyō (画図百鬼夜行, Illustrert nattprosesjon av hundre demoner, ble utgitt i 1776 av Edo-forleggeren Maekawa Yahei. Tittelen refererer til middelalderens hyakki yagyō tradisjon, en folketro om at visse netter i året en prosesjon av demoner, spøkelser og yōkai marsjerte gjennom gatene, og at ethvert menneske som møtte prosesjonen var fordømt med mindre de var beskyttet av buddhistisk bønn eller hellige talismaner. Middelalderens Hyakki Yagyō Emaki illustrerte håndruller fra Muromachi-perioden hadde avbildet prosesjonen i rullformat; Sekien tilpasset tradisjonen til trykte bøker og ga hver yōkai sin egen side med illustrasjon, akkompagnert av en kort tekst som identifiserte skapningen og dens lore.
De påfølgende tre bindene utvidet katalogen: Konjaku Gazu Zoku Hyakki (今昔画図続百鬼, Illustrert oppfølger av hundre demoner fra nåtid og fortid, 1779); Konjaku Hyakki Shūi (今昔百鬼拾遺, Supplement av hundre demoner fra nåtid og fortid, 1781); og Gazu Hyakki Tsurezure Bukuro (画図百器徒然袋, Illustrert pose med hundre tilfeldige demoner, 1784). De fire bindene samlet katalogiserte mer enn to hundre individuelle yōkai-typer, inkludert dusinvis av oni-varianter, og ga det visuelle vokabularet som påfølgende generasjoner av tresnittkunstnere, mangaillustratører, anime-designere og tatovører har fortsatt å trekke på (Foster 2009, Foster 2015).
Sekiens yōkai-katalog er betydningsfull utover sine spesifikke illustrasjoner fordi den representerer øyeblikket da den middelalderske folketradisjonen ble systematisert til en trykt taksonomisk form tilgjengelig for et lesekyndig urbant publikum. Edo-periodens yōkai-boktradisjon som Sekien initierte, leverte broen mellom middelaldersk buddhistisk demon-lore, regionale folketradisjonsvarianter og den urbane populærkulturen fra sen-Edo og moderne perioder. Det taksonomiske impulset, å gi hver skapning et navn, et bilde, en kort forklaring, gjentas i påfølgende yōkai-kataloger gjennom Meiji-perioden (inkludert Mizuki Shigerus verk fra det tjuende århundre Gegege no Kitarō manga og hans Mizuki Shigeru no Yōkai Daihyakka kataloger) og gir det strukturelle mønsteret som den samtidige anime- og tatoveringstradisjonen for oni fortsetter å operere innenfor.
Den oni-zu (鬼図, "oni-bilder") undersjanger innenfor den bredere Edo-periodens trykketradisjon inkluderer verk av Sekien og hans etterfølgere som spesifikt fokuserer på demoniske figurer. De visuelle konvensjonene etablert i denne tradisjonen, hornene, hoggtennene, den muskuløse kroppen, kanabō jernklubbe, tigerstripet lendeklede, rød eller blå hud, spredt hår, ble det kanoniske visuelle vokabularet for oni og utgjør substratet for nesten alle påfølgende fremstillinger. Sekien-æraens oni er gjenkjennelig den samme figuren som den samtidige horimono-oni og den samtidige anime-oni; den ikonografiske kontinuiteten er uvanlig i sin stabilitet over mer enn to århundrer.
Den Kibyōshi (黄表紙, "gul-dekket bøker"), de satiriske illustrerte romanene fra sen-Edo-perioden på attenhundretallet, inneholdt også i stor grad oni- og yōkai-karakterer og ga en ekstra kanal som den demoniske ikonografien sirkulerte gjennom. Sjangeren diskuteres i Adam Kerns Manga fra Floating World: Comicbook Culture og Kibyōshi fra Edo Japan (Harvard University Asia Center, 2006), den fremste engelskspråklige vitenskapelige monografien om kibyōshi-tradisjonen. Kibyōshi-oniene tenderer mot det komiske og satiriske snarere enn det skremmende, parallelt med Kyōgen-teaterets register og forsterker den bredere japanske kulturelle lesningen av oni som en figur tilgjengelig for flere emosjonelle registre avhengig av kontekst.
Utagawa Kuniyoshi: krigeren-mot-oni tresnitt-tradisjonen
Den avgjørende figuren for irezumi-oni-ikonografien er Utagawa Kuniyoshi (1797 eller 1798 til 1861), Edo-periodens ukiyo-e-mester hvis krigerutskrifter leverte det ikonografiske substratet for nesten alle påfølgende japansk-stil komposisjoner av kriger-mot-overnaturlig-motstander. Kuniyoshis rolle i etableringen av irezumi-vokabularet er dokumentert i Inge Klompmakers' Of Brigands og Bravery: Kuniyoshi's Heroes til Suikoden (Hotei Publishing, 1998), i B. W. Robinsons Kuniyoshi: Den Warrieller Prints (Cornell University Press, 1982), og i Inagaki Shinichis bredere behandling i Edo tatovering (Heibonsha, 1992).
Kuniyoshis grunnleggende verk er Tsūzoku Suikoden gōketsu hyakuhachinin no hitelleri (通俗水滸傳豪傑百八人之一個, "De 108 heltene fra den populære vannmarginen, én etter én"), tresnittserien designet mellom 1827 og ca. 1830 og utgitt av forleggeren Kagaya Kichiemon. Suikoden-serien i seg selv er grundig behandlet i samurai Pocket Guide-oppføringen; det relevante poenget for oni-diskusjonen er at flere av Suikoden-komposisjonene og en betydelig del av Kuniyoshis påfølgende krigerutskrifter skildrer navngitte krigerhelter som kjemper mot overnaturlige motstandere, inkludert oni, bake-mono (transformerende skapninger), kjempeedderkopper (tsuchigumo), og andre yōkai. Disse komposisjonene med kriger mot det overnaturlige etablerte irezumi-konvensjonen med å pare en heroisk menneskelig figur med en demonisk motstander, der demonen enten blir beseiret ved krigerens føtter, låst i kamp i full kamp, eller vist i ferd med å bli slått ned (Klompmakers 1998, Robinson 1982).
Blant Kuniyoshis spesifikke oni-relaterte komposisjoner:
Minamoto no Yorimitsu og jordedderkoppen (Tsuchigumo). Triptyket fra 1843 Minamoto no Yellerimitsu kō no yakveda ni tsuchigumo yōkai o nasu zu (源頼光公館土蜘作妖怪図, "Bilde av jordedderkoppen som fremkaller spøkelser i herregården til Lord Minamoto no Yorimitsu") skildrer krigerhelten Yorimitsu (Raikō) konfrontert av en massiv tsuchigumo edderkopp-demon og en mengde ledsagende yōkai, inkludert flere oni. Trykket er en av Kuniyoshis mest reproduserte yōkai-komposisjoner og finnes i store samlinger, inkludert Museum of Fine Arts (Boston), British Museum og Tokyo National Museum. Komposisjonen er ikonografisk betydningsfull fordi den plasserer navngitte krigere mot navngitte overnaturlige motstandere med dokumentarisk spesifisitet, og gir modellen for påfølgende kriger-mot-yōkai tatoveringskomposisjoner.
Shuten-dōji-serien. Kuniyoshi produserte flere trykkserier som skildrer Shuten-dōji-fortellingen, den sene historien fra det tiende århundre der Minamoto no Yorimitsu og hans fire himmelske konger (Watanabe no Tsuna, Sakata no Kintoki, Urabe no Suetake og Usui Sadamitsu) infiltrerte oni-kongen Shuten-dōjis festning på Mount Ōe forkledd som omreisende munker, beruset oni med sake og halshugget ham i søvne. Shuten-dōji-fortellingen er en av de mest illustrerte oni-historiene i japansk billedtradisjon og gir den kanoniske malen for kriger-beseirer-oni-fortellingen (Reider 2010).
Watanabe no Tsuna og demonen fra Rashōmon. Flere av Kuniyoshis trykk skildrer episoden der Watanabe no Tsuna, en av Yorimitsus fire himmelske konger, møtte demonen Ibaraki-dōji ved Kyotos Rashōmon-port og kuttet av demonens arm med sverdet sitt, bare for at demonen senere skulle returnere forkledd som Tsunas tante for å hente den avkuttede lemmen. Rashōmon-episoden er behandlet i middelalderens krigshistorie Heike monogvedari og i påfølgende kabuki-adaptasjoner, og gir en av de viktigste fortellingene om kriger mot demon i japansk kulturminne (Reider 2010).
Enkeltstående oni- og demon-trykk. Utover de navngitte komposisjonene, produserte Kuniyoshi omfattende enkeltstående trykk av oni, demonfigurer, helvetesscener og yōkai gjennom hele karrieren. De enkeltstående trykkene, selv om de er mindre narrativt forankret enn kriger-mot-oni-komposisjonene, ga det bredere ikonografiske vokabularet som samtidens horishi fortsetter å trekke på.
Overføringen fra Kuniyoshis trykk til hud via Edo-horishi er den strukturelle mekanismen som kriger-mot-oni-komposisjonen kom inn i irezumi-tradisjonen. Edo-arbeiderklassens adopsjon av Kuniyoshi-avledet billedbruk, hovedsakelig gjennom hikeshi (brannmenn) og bredere urbane arbeiderklassekohorter, brakte kriger-mot-yōkai-komposisjonene til helkroppstatoveringer som kanoniske shudai (hovedmotiv) figurer (Kitamura 2003, McCallum 1988). Samurai-som-bekjemper-oni-komposisjonen diskutert i samurai Pocket Guide-oppføringen stammer direkte fra dette Kuniyoshi-substratet.
Tsukioka Yoshitoshi (1839 til 1892), Kuniyoshis elev og den siste store ukiyo-e-mesteren, utvidet tradisjonen med kriger mot yōkai inn i den sene Meiji-perioden. Yoshitoshis Shinkei Sanjūroku Kaisen (新形三十六怪撰, Tretti-seks nye former for spøkelser, 1889 til 1892) er den viktigste yōkai-trykkserien fra Meiji-perioden og inkluderer betydelig oni- og demon-billedbruk. Yoshitoshis psykologisk intense gjengivelse av overnaturlige figurer gir et mer nyansert register enn Kuniyoshis mer handlingsdrevne komposisjoner, og samtids horimono og japansk-påvirket tatoveringsarbeid fortsetter å trekke på Yoshitoshi som et sekundært substrat ved siden av Kuniyoshi (Stevenson 1983).
Irezumi oni: demonen-som-beskytter-tradisjonen
Den klassiske japanske irezumi (入れ墨)-tradisjonens adopsjon av oni-figuren produserte et av de mer ikonografisk distinkte japansk-stil tatoveringsmotivene og et hvis betydning går mot den vestlige standardlesningen av "demon er lik ondskap". Irezumi-onien fungerer som en vokterfigur: en demon som er vervet på kroppen for å avverge andre demoner, ulykke og skade. Denne vokter-beskytter-lesningen er dokumentert i Donald Richies og Ian Burumas Den japanske tatoveringen (Weatherhill, 1980), i Takahiro Kitamuras Bushido: Arven fra den japanske tatoveringen (Schiffer Publishing, 2001), i Donald McCallsums Historical og Cultural Dimensions av tatoveringen i Japan (i Arnold Rubin, red., Sivilisasjonens merker(UCLA Museum of Cultural History, 1988), og i Don Ed Hardys redigerte Tvedtootime volumer (Hardy Marks Publications, 1982 til 1991).
Vokter-beskytter-logikken stammer direkte fra de buddhistiske helvetesvokter- og Shintō-beskyttende guddomstradisjonene som diskuteres i etymologi- og buddhistisk-opprinnelsesseksjonene ovenfor. Den vrede beskyttende guddommen, Mahākāla-Daikoku-figuren, Fudō Myō-ō med sitt sverd og flamme-mandorla, tempelvakten Niō ved inngangen til buddhistiske templer, etablerer alle prinsippet om at en rasende, skremmende overnaturlig figur kan fungere som en beskyttende kraft mot verre trusler. Onien på kroppen opererer innenfor denne logikken: bæreren verver et vesen hvis egen skremmende natur er mekanismen for beskyttelse.
Irezumi-onien som hovedmotiv (shudai) gjengis vanligvis i full rygg- eller full kropps-skala, med demonen avbildet som en hornkledd, tannkledd, muskuløs figur, ofte rød-hudet (aka-oni) eller blå-hudet (ao-oni), som svinger den kanoniske kanabō jernklubbe, iført et lendeklede av tigerhud (tellera no fundoshi), og omgitt av atmosfæriske keshoubelleri (化粧彫り) inkludert flamme, vindlinjer, peon eller krysantemum, og sporadiske sekundære yōkai-figurer. Figuren opptar hovedfeltet på ryggstykket eller bodysuit og de omkringliggende elementene leverer det atmosfæriske registeret.
Den oni-masken alene (oni-menn, 鬼面 eller oni ingen menn), uten full kropp, er den vanligste kompakte irezumi oni-komposisjonen og er versjonen som oftest gjengis i brystpanel-, skulder-, halverm- eller lårstørrelse. Maske-komposisjonen beholder det ikonografiske innholdet (horn, huggtenner, vilt uttrykk, den kanoniske fargepaletten) uten å kreve bodysuit-størrelsen for den fulle stående eller angripende figuren. Maske-oni er et av de mest tatoverte samtidige japansk-stil bryst- og underarmsmotivene og er versjonen de fleste amerikanske japansk-påvirkede utøvere lager.
Den kriger-mot-oni-komposisjonen (diskutert under Kuniyoshi ovenfor og i samurai Pocket Guide-oppføringen) plasserer onien som den beseirede motstanderen ved en krigerfigur sine føtter eller i aktiv kamp med krigeren. Komposisjonen leses som krigeren som overvinner en overnaturlig motstander, den kanoniske Shuten-dōji eller Yorimitsu-fortellingen, og onien i denne komposisjonen er ikonografisk underordnet krigerfiguren snarere enn hovedmotivet i seg selv.
De tekniske signaturene til klassisk horimono oni-arbeid inkluderer omfattende tebori (手彫り, hånd-prikking) fargemetning over demonens hud (den røde, blå eller andre fargen må lese rent over hele figuren); presis gjengivelse av horn, huggtenner og ansiktsuttrykk (figuren må lese som vill heller enn komisk); detaljert muskulatur; integrasjon med omkringliggende keshoubelleri atmosfæriske elementer; og komposisjonell logikk som plasserer onien innenfor et kontinuerlig billedfelt heller enn som en flytende frittstående figur. De tekniske kravene er betydelige, og onien belønner størrelse og dyktig utførelse, mens den leser dårlig i liten skala eller med hastig påføring.
Den klassiske horimono oni's vokter-beskytter-funksjon er det viktigste ærlige rammeverket for ikke-japanske klienter som vurderer motivet. Den vestlige standardlesningen av "demon" som et symbol på ondskap, overtredelse eller opprør passer ikke inn i den japanske tradisjonen; onien er strukturelt en vokterfigur hvis skremmende utseende er mekanismen for beskyttelse snarere enn dens motsats. Bærere som velger motivet som et vestlig "edgy demon"-emblem, refererer til et annet ikonografisk register enn det den japanske tradisjonen leverer, og gapet mellom de to lesningene er et av de viktigste kulturelle kontekstpunktene for den moderne vestlige tatoveringssamtalen.
Horiyoshi III: 100 demoner og den moderne horimono oni
Den mest internasjonalt dokumenterte samtidige tolkeren av irezumi oni-tradisjonen er Helleriyoshi III (Yoshihito Nakano, født 9. mars 1946 i Shimada, Shizuoka-prefekturet), navngitt tredje generasjon Horiyoshi i 1971 av Shodai Horiyoshi (Yoshitsugu Muramatsu) i hans Yokohama-studio. Horiyoshi III har produsert omfattende oni-komposisjoner gjennom mer enn fem tiår med praksis, og hans publiserte tegnebøker inkluderer den grunnleggende referansen for moderne horimono oni.
100 demoner av Horiyoshi III (Hyakkizu Helleriyoshi, Nihonshuppansha, 1998, ISBN 4890485708) er den viktigste Horiyoshi III-tegneboken om oni- og yōkai-tradisjonen. Volumet presenterer hundre individuelle oni- og yōkai-figurer tegnet av Horiyoshi III i hans klassiske pensel-og-blekk-stil, med hver figur ledsaget av en ikonografisk identifikasjon. Boken er en av de mest betydningsfulle enkeltkunstner-tegnebøkene i den sene tjuehundre-talls horimono-tradisjonen og er den viktigste moderne referansen for den ikonografiske vokabularen til irezumi oni. Volumet har blitt trykket opp flere ganger og sirkulerer internasjonalt som en arbeidsreferanse for utøvere av japansk-stil tatovering.
The 100 Demons-samlingen henter inspirasjon fra Sekien Hyakki Yagyō underlaget, Kuniyoshi-kriger-print-underlaget, Yoshitoshi-spøkelsesprint-underlaget, og den bredere klassiske horimono-tradisjonen, og presenterer oni- og yōkai-vokabularet som en kontinuerlig levende tradisjon snarere enn som en historisk artefakt. Tegningene er ikke direkte kopier av noen tidligere kilde, men snarere Horiyoshi IIIs syntetiske reinterpretasjoner av de kanoniske figurene, gjengitt i hans karakteristiske penselstil og tilpasset logikken for helkroppskomposisjoner.
Horiyoshi IIIs bredere publiserte korpus inkluderer ytterligere volumer som berører oni-tradisjonen. Tatoveringsdesign fra Japan (Hardy Marks Publications, 1989 til 1990) inkluderer oni- og yōkai-bilder innenfor sin bredere presentasjon av det klassiske horimono-vokabularet. 108 Heroes av Suikoden (Nihonshuppansha, ca. 2009 til 2010) inkluderer komposisjoner av krigere mot oni i konteksten av den bredere Suikoden-kriger-print-tradisjonen. Takahiro Kitamuras Bushido: Arven fra den japanske tatoveringen (Schiffer, 2001) inkluderer et utvidet intervju med Horiyoshi III om irezumi-tradisjonen som berører oni-figurens rolle innenfor det klassiske komposisjonelle vokabularet, og Horitaka og Kip Fulbecks Utholdenhet: Japansk tatoveringstradisjon i en moderne verden (Japanese American National Museum, 2014) dokumenterer den moderne Horiyoshi III-linjens helkroppsarbeid, inkludert betydelig oni-imagery.
Horiyoshi III-linjen strekker seg gjennom hans tidligere lærlinger, inkludert Helleritaka (Takahiro Kitamura) og Helleritomo (Kazuaki Kitamura) ved State av Grace Tattoo, San José Japantown, det viktigste amerikanske institusjonelle ankeret for den moderne Yokohama-tradisjonen; Hellerikitsune (Alex Reinke), den tyskfødte utøveren som fullførte en flerårig satellitt-lærlingplass hos Horiyoshi III tidlig på 2000-tallet; og den bredere kohorten av moderne horishi. State of Grace produserer helkropps horimono-arbeid i den ubrutte Yokohama-linjen, inkludert omfattende oni-komposisjoner, og studioet er en av de viktigste moderne kildene for klassisk horimono oni-arbeid i Nord-Amerika.
Den Yokohama Tvedtoo Museum (også kjent som Bunshin Tattoo Museum), grunnlagt av Horiyoshi III i 2000, er det viktigste institusjonelle ankeret for Yokohama-linjen og inkluderer den største dokumenterte samlingen av moderne horimono oni-referansemateriale. Museet huser Horiyoshi IIIs tegnearkiver, klassiske japanske tatoveringsrelaterte artefakter, fotografisk dokumentasjon av ferdige helkroppstatoveringer, inkludert omfattende oni-komposisjoner, og et arbeidsbibliotek med yōkai- og oni-referansematerialer.
Den europeiske parallellen til State of Grace institusjonelle anker er Filip Leu og Leu Family's Family Iron i Sveits, det viktigste europeiske institusjonelle ankeret for moderne klassisk japansk-stil horimono. Filip Leus vedvarende utveksling med Horiyoshi III siden 1990-tallet og hans tiår med helkroppsarbeid inkluderer omfattende oni- og yōkai-komposisjoner, og Leu Family's publiserte dokumentasjon inkluderer betydelig oni-imagery. Leu Family's arbeid er en av de viktigste europeiske referansene for den moderne klassiske horimono oni.
Den moderne Horiyoshi III-linjens oni-figur er ikonografisk konsistent med den klassiske horimono-tradisjonen og demonstrerer kontinuiteten i det ikonografiske vokabularet på tvers av slutten av det tjuende og begynnelsen av det tjueførste århundre. Figuren belønner ikonografisk lesekyndighet: en seer som er kjent med Sekien, Kuniyoshi og Yoshitoshi-underlagene, kan lese en Horiyoshi III-linje oni og identifisere de spesifikke ikonografiske referansene som blir gjort, mens en seer som ikke er kjent med underlaget, møter figuren som et generisk demonisk bilde.
Yakuza-adopsjon og undergrunnskonfigurasjonen
Yakuzaens adopsjon av irezumi-imagery, inkludert omfattende oni- og yōkai-arbeid, oppsto etter Meiji-tidens kriminalisering av tatovering og formet den tjueførste århundre underjordiske konfigurasjonen av tradisjonen. De viktigste engelskspråklige vitenskapelige referansene om yakuza-irezumi-forholdet er Peter B. E. Hills The Japanese Mafia: Yakuza, lov og State (Oxford University Press, 2003) og David E. Kaplans og Alec Dubros Yakuza: Japans Criminal Underwellerld (University of California Press, utvidet utgave 2003).
Forbudet mot tatovering i Meiji-perioden i 1872, diskutert i detalj i oppføringene om samurai og den bredere Pocket Guide, drev horimono-tradisjonen under jorden, mens arbeiderklassen og utenforstående grupper som hadde båret tradisjonen, bevarte det ikonografiske vokabularet utenfor lovens rammer. Etterkrigstidens yakuza, som trakk organisatorisk slektskap fra bakuto- (gamblere) og tekiya- (gatehandlere) nettverkene fra sen Edo- og Meiji-perioden, adopterte irezumi-bodysuiten som et merke for gruppens identitet og engasjement i den kriminelle underverdenen (Hill 2003, Kaplan og Dubro 2003).
Oni-figuren som yakuza-tatoveringsbilde opererer innenfor yakuzaens bredere selvforståelse som utenforstående kriger. Yakuzaen romantiserte samurai-lojalitetsregisteret, gokudō ("den ekstreme veien") og ninkyō (humanitær-fredløs) selvforståelser, plasserte yakuza-medlemmet som arvtaker av en kriger-æretradisjon som den moderne staten hadde fortrengt. Oni i denne sammenhengen fungerer som den beskyttende demoniske vokteren av yakuza-medlemmet, der figurens skremmende natur signaliserer både bærerens engasjement for utenforlivet og bærerens krav på den beskyttende overnaturlige kraften figuren legemliggjør (Kaplan og Dubro 2003).
Helryggs-oni-komposisjonen er et av de kanoniske yakuza-bodysuit-motivene, sammen med drager (ryū), koi, peoner, samurai-krigerskikkelser og de buddhistiske vokter-guddommene (spesielt Fudō Myō-ō). Oni i yakuza-stil er ikonografisk kontinuerlig med den bredere horimono-oni-tradisjonen, men bærer den tilleggskontekstuelle assosiasjonen med den etterkrigstidens japanske kriminelle underverden, en assosiasjon som har formet den bredere japanske kulturelle mottakelsen av tatoveringer på måter som fortsetter å begrense tradisjonen.
Den samtidige stigmatiseringen av tatoveringer i japansk mainstream-kultur, utestengelsene fra onsen og offentlige bad, arbeidsgiverforbudene, den vedvarende sosiale mistilliten, er en følge av yakuza-irezumi-assosiasjonen snarere enn av noen iboende japansk fiendtlighet mot kroppsmodifikasjon. Den klassiske horishi-tradisjonen, legemliggjort av Horiyoshi III og hans slekt, har arbeidet jevnt gjennom slutten av det tjuende og det tjueførste århundre for å reetablere irezumi som en kunstform atskilt fra dens kriminelle underverden-konfigurasjon, og utstillingen " Utholdenhet " i Japanese American National Museum i 2014 var en viktig institusjonell milepæl i den innsatsen (Kitamura og Fulbeck 2014).
Det ærlige kulturelle kontekstpunktet for den ikke-japanske bæreren som vurderer en oni-tatovering, er at helryggs-oni-komposisjonen i yakuza-stil bærer den underjordiske-kriminelle assosiasjonen i japansk kulturell kontekst, enten den ikke-japanske bæreren er klar over det eller ikke. En ikke-japansk bærer som velger en helryggs-oni-komposisjon som en "kul yakuza-stil tatovering" deltar i et omstridt kulturelt register, og omstridelsen er en del av ikonografien snarere enn tilfeldig for den. Dette utelukker ikke valget; det krever ærlig rammeverk om hva valget refererer til og hva valget ikke refererer til.
Sailor Jerry og amerikansk japansk-påvirket oni-maske flash
Oni-maskefiguren kom inn i amerikansk tatoveringsflash hovedsakelig gjennom Nellerman "Saileller Jerry" Collins (1911 til 1973) og hans vedvarende stillehavskorrespondanse med Kazuo Oguri (Hellerihide) fra Gifu, Japan, som startet tidlig på 1960-tallet. Collins-Horihide-korrespondansen og det bredere Sailor Jerry-arkivet er dokumentert i Don Ed Hardys redigerte Sailor Jerry Tattoo Flash: Rise og Shine, Vol. 1 (Hardy Marks Publications, 2002) og i Hardys memoar Wear Your Dreams: Mitt liv i tatoveringer (med Joel Selvin, Thomas Dunne Books, 2013).
Collins drev sin butikk på Hotel Street, Honolulu fra 1930-tallet til sin død 12. juni 1973 og produserte en vedvarende mengde japansk-påvirket flash gjennom midten av det tjuende århundre. Oni-maskefiguren dukker opp omfattende i Sailor Jerry-flash-arkivet, vanligvis gjengitt som en frittstående maskekomposisjon (snarere enn en helfigur-oni) egnet for amerikansk tradisjonell applikasjon med én nål i brystpanel- eller skulderstørrelse. Collins' oni-masker kombinerer amerikanske tradisjonelle bold-outline-konvensjoner (ren svart linjearbeid, begrenset høy-mettet palett) med japansk ikonografisk innhold (hornet og tannete demonisk maske, rød eller blå hudbehandling, sporadiske omgivende flamme- eller vindlinjeelementer).
Sailor Jerry-oni-maske-flashen leverte den primære amerikanske visuelle referansen for motivet gjennom midten av det tjuende århundre og inn i den tidlige amerikanske tatoveringsrenessansen. Flashen sirkulerte gjennom tradisjonell tatovør-til-tatovør-overføring, gjennom det Hardy Marks-utgitte arkivet, og gjennom den bredere amerikanske tradisjonelle gjenopplivingen på 1990- og 2000-tallet. Samtidige amerikanske tradisjonelle og neo-tradisjonelle utøvere trekker ofte på Sailor Jerry-oni-maske-flashen som en stilistisk referanse, der den frittstående maskekomposisjonen har blitt den dominerende amerikansk-japansk-påvirkede gjengivelsen av oni-figuren.
Don Ed Hardy bar overføringen videre gjennom sitt fem måneder lange lærlingopphold i Gifu, Japan, i 1973 hos Kazuo Oguri (Horihide), den første vedvarende amerikanske opplæringen i den klassiske horimono-tradisjonen (Hardy 2013). Hardy returnerte fra Gifu med en fungerende kommando av den klassiske horimono-komposisjonsgrammatikken, inkludert helfigur-oni og kriger-mot-oni-vokabularet, og anvendte det på tvers av sin Realistic Tattoo (grunnlagt 1974) og Tattoo City praksis i San Francisco. Hardy-skolen oni er den primære amerikanske institusjonelle kanalen der den fulle klassiske japanske oni-ikonografien, utover maske-alene-registeret, kom inn i den amerikanske tatoveringsrenessansen etter 1970.
Den amerikansk-japansk-påvirkede oni i Hardy-skolen og Horiyoshi III-linjeregisteret er ikonografisk mer nøyaktig til det klassiske horimono-substratet enn midten av århundrets Sailor Jerry-maske-flash. Samtidige amerikanske utøvere trent i eller påvirket av Horiyoshi III-linjen gjengir typisk helfigur-oni med passende ikonografisk detalj ( kanabō -jernklubben, tigerhudslendet, fargesymbolikken, integrasjonen i et kontinuerlig komposisjonsfelt). Sailor Jerry-maske-registeret vedvarer som et stilistisk valg, men er nå en eksplisitt amerikansk tradisjonell referanse snarere enn en definitiv fremstilling av japansk tradisjon.
Den Hardy Marks Publikasjoner , inkludert Tvedtootime -magasinserien (fem bind, 1982 til 1991), leverte den primære engelskspråklige dokumentariske opptegnelsen av den japansk-stiliserte oni-ikonografien gjennom slutten av det tjuende århundre og forblir en primær referanse for samtidige amerikanske utøvere som arbeider i det japansk-påvirkede registeret. Kombinasjonen av Hardys direkte opplæring under Horihide, hans vedvarende publiseringsprogram og hans institusjonelle tilstedeværelse hos Realistic Tattoo og Tattoo City etablerte den strukturelle veien som klassisk japansk oni-ikonografi kom inn i den samtidige amerikanske praksisen.
Moderne anime-crossover: Demon Slayer, Berserk, Naruto og diskusjonen om appropriasjon
Den enkelt største samtidige driveren for ikke-japansk interesse for oni-tatoveringsikonografi er den globale populariteten til japanske manga- og anime-eiendommer med oni eller oni-avledede karakterer. De viktigste nylige eiendommene som former den samtidige vestlige mottakelsen inkluderer:
Demon Slayer / Kimetsu no Yaiba (鬼滅の刃). Koyoharu Gotouges manga ble utgitt i Ukentlig Shōnen-hopp fra 15. februar 2016 til 18. mai 2020, med Ufotables animeadaptasjon som hadde premiere i april 2019. Franchisens sentrale premiss involverer den menneskelige protagonisten Tanjiro Kamado som jakter oni (oversatt som "demoner" i den engelske utgivelsen, men med 鬼-tegnet brukt gjennom hele den japanske originalen) for å hevne sin myrdede familie og finne en kur for sin søster Nezuko, som selv har blitt forvandlet til en oni. Demon Slayer-franchisen har generert omfattende global kommersiell suksess, inkludert filmen fra 2020 Demon Slayer: Mugen Train (som ble den mest innbringende japanske filmen noensinne), flere påfølgende animesesonger og filmer, og en betydelig global fanskare. Oni-ikonografien i Demon Slayer trekker tungt på den klassiske japanske visuelle tradisjonen ( Twelve Kizuki øvre og nedre rangerte oni-karakterer bærer klassiske ikonografiske markører, inkludert spesifikke ansiktsmarkeringer, øyenfargekoder og våpentyper) og har levert det viktigste nylige visuelle underlaget for ikke-japanske seeres bilde av "the oni".
Berserk (ベルセルク). Kentaro Miuras manga ble utgitt fra 25. august 1989 til Miuras død 6. mai 2021 (med påfølgende fortsettelse av Studio Gaga under veiledning av Miuras mangeårige venn Kouji Mori), og de flere animeadaptasjonene, inkludert 1997 Oriental Light and Magic-serien, filmtrilogien fra 2012 til 2013, og animeadaptasjonen fra 2016 til 2017. Berserk-universet inneholder Apostler og Gudhånd, demoniske figurer hvis ikonografi inkluderer oni-avledede elementer (horn, huggtenner, transformasjoner mellom menneskelig og demonisk form), og protagonistens Guts' konfrontasjoner med disse figurene leverer noen av de mest visuelt slående kriger-mot-demon-komposisjonene i moderne manga. Berserk har et betydelig fotavtrykk for tatoveringspåvirkning, med både Brog of Sacrifice merket og fullfigur Apostel-komposisjoner som forekommer som tatoveringsemner.
Naruto (ナルト). Masashi Kishimotos manga ble utgitt fra 21. september 1999 til 10. november 2014, med animeadaptasjonen som gikk fra 2002 til 2017. Naruto-universet inneholder Ni-tailed rev (九尾, Kyūbi, kalt Kurama i den senere fortellingen), en av de ni halede beistene (Bijū) hvis ikonografi trekker på den klassiske japanske kitsune (reveånd) tradisjonen med oni-avledede demoniske energi-elementer. Ni-halen forseglet inne i protagonisten Naruto Uzumaki leverer en av de sentrale narrative drivkreftene i franchisen og har vært en betydelig innflytelse på moderne anime-avledet tatoveringsarbeid, spesielt innenfor demon-segl og demon-form-overlay-registrene.
Blekemiddel (ブリーチ). Tite Kubos manga (2001 til 2016) inneholder Hulninger (虚) og de forskjellige demoniske og overnaturlige figurene i Soul Society-universet; Vasto Lellerdes og arrancar-figurene bærer oni-avledede ikonografiske elementer. Bleach har levert et betydelig utvalg av demon-maske-ikonografi i moderne anime-avledet tatoveringsarbeid.
One stykke (ワンピース). Eiichiro Odas langvarige manga (siden 1997) inkluderer Wano Country-buen (introdusert i 2018) med antagonisten Kaidō, delvis fremstilt som en oni-avledet figur med horn og de bredere ikonografiske markørene av demonkong-tradisjonen, og de relaterte Kuri District oni-figurene. Wano Country-buen refererer eksplisitt til Shuten-dōji og den bredere klassiske japanske oni-narrative tradisjonen og har levert nylig tatoveringsdesign-underlag.
JoJos bisarre eventyr (ジョジョの奇妙な冒険). Hirohiko Arakis langvarige manga (siden 1987) inneholder Står (スタンド) overnaturlige manifestasjoner, hvorav noen bærer oni-avledede ikonografiske elementer, og den bredere overnaturlige motstandertradisjonen i franchisen.
Den moderne ikke-japanske oni-tatoveringen slik den oftest faktisk dukker opp i studioer, er mer sannsynlig å være avledet fra en av disse anime-kildene enn fra det klassiske substratet Sekien-Kuniyoshi-Yoshitoshi. Den anime-avledede onien har typisk de ikonografiske markørene etablert i kilde-franchisen (spesifikke ansiktsmarkeringer fra en Demon Slayer-karakter, spesifikke transformasjonstilstander fra en Berserk-apostel, spesifikke demon-markmønstre fra en Naruto Nine-Tails-komposisjon) heller enn det bredere klassiske horimono-vokabularet. Komposisjonene er typisk gjengitt i moderne illustrative eller neo-tradisjonelle stiler heller enn i det klassiske horimono-registeret.
Den ærlige kulturelle diskusjonen rundt anime-avledede oni-tatoveringer har flere komponenter.
Anime-avledede oni-tatoveringer kan være dårlige tilnærminger til den klassiske irezumi-tradisjonen. Det visuelle anime-substratet, selv om det ofte trekker på den klassiske japanske ikonografiske tradisjonen, har blitt reinterpretet gjennom moderne kommersielle visuelle konvensjoner som ikke alltid bevarer det klassiske ikonografiske vokabularet. En oni-tatovering avledet fra en Demon Slayer-karakter gjengir den karakteren; den gjengir ikke den klassiske Sekien- eller Kuniyoshi-onien, og skillet er viktig for bærere som forestiller seg at de får tilgang til den klassiske tradisjonen gjennom anime-substratet. Dette er ikke en fordømmelse av anime-substratet, som er en legitim kulturell form i seg selv, men en klargjøring av hva tatoveringen refererer til.
Den ikke-japanske full-rygg yakuza-stilte oni-komposisjonen er omstridt. Som diskutert i yakuza-adopsjonsseksjonen ovenfor, bærer full-rygg oni-komposisjonen den underjordiske kriminelle assosiasjonen i japansk kulturell kontekst. En ikke-japansk bærer som velger en full-rygg oni uten ikonografisk lesekyndighet eller forhold til den klassiske horimono-linjen, opererer i omstridt kulturelt territorium, og omstridelsen er en del av ikonografien. Horiyoshi III-linjen og den bredere moderne horishi-kohorten har produsert omfattende publisert materiale om dette spørsmålet, generelt støttende for respektfull engasjement fra ikke-japanske klienter innenfor tradisjonens protokoller, samtidig som de motsetter seg dekontekstualisert appropriasjon av yakuza-stilte bilder.
Den klassiske horimono-protokollen gjelder. Som diskutert i den bredere Atlas-behandlingen av japansk-stil tatoveringsarbeid (oppføringene i Pocket Guide om kirsebærblomst, peon, koi, drage, samurai og geisha), er den viktigste ærlige veien for en ikke-japansk klient interessert i klassisk japansk oni-ikonografi å jobbe med en praktiserende kunstner trent i Horiyoshi III-linjen eller i en sammenlignbar arvelig horishi-tradisjon, å engasjere det ikonografiske substratet med lesekyndighet, og å akseptere at motivet bærer kulturell vekt uavhengig av personlig estetisk intensjon. Horiyoshi III har trent ikke-japanske lærlinger (mest bemerkelsesverdig Horikitsune / Alex Reinke), og Yokohama-linjen ønsker generelt velkommen respektfulle vestlige klienter som arbeider innenfor tradisjonens protokoller.
Atlas' redaksjonelle holdning er at den moderne anime-crossoveren har gitt en betydelig ny generasjon av ikke-japanske bærere et inngangspunkt til oni-ikonografi som tidligere ikke eksisterte, at inngangspunktet er legitimt som anime-fandom-uttrykk i seg selv, at bærere bør vite hva de refererer til (en spesifikk anime-karakter er ikke den klassiske horimono-onien), og at den bredere kulturelle kontekstomsorgen som gjelder for alle motiver i japansk tradisjon, fortsetter å gjelde her.
Fargesymbolikk: rød, blå, svart, hvit, gul, grønn
Fargen på en oni i klassisk japansk billedtradisjon bærer buddhistisk symbolikk knyttet til De fem hindringene (Sanskrit: pañca nīvaraṇa; Pali: pañca nīvaraṇāni; Japansk: 五蓋, gogai) av buddhistisk doktrine, de fem mentale tilstandene som hindrer fremgang mot opplysning i buddhistisk meditasjonspraksis. Fargekodingen av oni etter hindring er dokumentert i Reiders Japansk Demon Lore (2010) og i den bredere buddhistiske ikonografiske litteraturen.
De fem hindringene i sin klassiske buddhistiske formulering er sanselig begjær (kāmacchoga), ond vilje (vyāpāda), treghet og sløvhet (thīnamiddha), rastløshet og bekymring (uddhaccakukkucca), og skeptisk tvil (vicikicchā). Den japanske buddhistiske tradisjonen kartla disse hindringene på oni-fargepaletten med følgende generelle assosiasjoner (med variasjon mellom spesifikke kilder):
Rød oni (aka-oni, 赤鬼). Sinne, begjær og synden av tilknytning. Den røde onien er den mest tatoverte varianten i både klassisk horimono og moderne amerikansk japansk-påvirket praksis, og fargen bærer både den buddhistiske sinne-begjær-assosiasjonen og den bredere visuelle assosiasjonen av rødt med intensitet, blod og ild. Den røde onien er den kanoniske fargen for den klassiske Shuten-dōji og bredere oni-konge-figurer.
Blå oni (ao-oni, 青鬼). Sykdom, depresjon og ond vilje. Den blå onien er den nest mest tatoverte varianten og er ofte paret komposisjonelt med en rød oni i klassiske paringer. Den blå fargen bærer både den buddhistiske sykdom-depresjon-assosiasjonen og den bredere visuelle assosiasjonen av blått med det overnaturlige og det liknende.
Svart oni (kuro-oni, 黒鬼). Tvil, skeptisk avvisning og hindring av tro. Den svarte onien er mindre vanlig enn de røde og blå variantene, men dukker opp i klassisk horimono og leverer en kanonisk variant av demonfiguren.
Hvit oni (shiro-oni, 白鬼). Grådighet, rastløshet og hindring av tilfredshet. Den hvite onien er også mindre vanlig enn de røde og blå variantene og bærer den ekstra visuelle assosiasjonen av hvitt med død og det spøkelsesaktige i japansk billedtradisjon.
Gul eller grønn oni (ki-oni 黄鬼 eller midelleri-oni 緑鬼). Ulike plager, inkludert forfengelighet, rastløshet og skeptisk tvil, med den spesifikke attribusjonen varierende etter kilde. De gule og grønne variantene er de minst vanlige av de fargekodede oniene og blir noen ganger foldet inn i den bredere yōkai-taksonomien i stedet for å bli behandlet som distinkte oni-farger.
Fem-hindringers fargeskjemaet er et av flere ikonografiske systemer for oni-fargelegging; alternative systemer inkluderer den retningsbestemte fargeassosiasjonen (rød for sør, blå for øst, hvit for vest, svart for nord, gul for sentrum, basert på den bredere østasiatiske fem-element-kosmologien), den sesongmessige assosiasjonen (rød for sommer, blå for vinter, hvit for høst, svart for natt), og den narrativ-spesifikke assosiasjonen (spesifikke navngitte oni-karakterer i klassiske fortellinger har kanoniske fargeattribusjoner som kan overstyre de bredere systematiske kodene). Den moderne horimono-praktikeren som arbeider med en oni-komposisjon, vil typisk velge fargen basert på en kombinasjon av disse hensynene, med Fem-hindringers-lesningen som det vanligste eksplisitte ankeret i den publiserte horimono-litteraturen (Reider 2010, Foster 2015).
Den moderne amerikanske japansk-påvirkede onien bruker typisk den røde eller blå fargeattribusjonen uten eksplisitt referanse til Fem-hindringers-systemet, og fargen velges oftere for visuell effekt enn for doktrinær spesifisitet. Dette er en legitim amerikansk tradisjonell tilpasning snarere enn en feil, men bærere og praktikere som arbeider i det klassiske horimono-registeret eller søker ikonografisk lesekyndighet, bør vite at fargekodingen bærer den buddhistiske doktrinære assosiasjonen i den opprinnelige tradisjonen.
Den rød-og-blå oni-paringen, med to oni-figurer i kontrasterende farger komponert sammen, er et av de mer vanlige komposisjonsvalgene i både klassisk horimono og amerikansk japansk-påvirket praksis. Paringen gir visuell kontrast, refererer til den bredere paringskonvensjonen i japansk billedtradisjon ( Niō tempel-vokterparet ved buddhistiske tempelporter er det kanoniske forbildet), og lar komposisjonen engasjere både sinne-begjær- og sykdom-depresjons-registrene samtidig. Niō-paret, Misshaku Kongō (密迹金剛, den åpen-munnede ah figuren) og Naraen Kongō (那羅延金剛, den lukket-munnede un figuren), er det kanoniske par-vokter-referansen og leverer det ikonografiske forbildet for par-oni-komposisjonen.
Vanlige oni-tatoveringsparinger
Onien dukker opp i fler-element komposisjoner på tvers av de klassiske horimono, amerikansk japansk-påvirkede, neo-tradisjonelle og moderne illustrative registrene.
Oni pluss samurai (oni til musha). Krigeren som kjemper mot eller har beseiret en oni. Komposisjonen stammer direkte fra Kuniyoshi-krigerprint-tradisjonen, spesielt Shuten-dōji og Watanabe no Tsuna-narrativene, og leses som krigeren som overvinner en overnaturlig motstander. En av de vanligste klassiske horimono-komposisjonene og et av de mest tatoverte moderne japansk-stil erme- og ryggmotivene. Kryssreferanse samurai Pocket Guide-oppføringen.
Oni pluss peon (oni til botan). Demon paret med den kanoniske irezumi-blomsten. Peonen (botan) signaliserer "kongen av blomster"-registeret og pares med oniens demon-konge-register for å produsere en komposisjon som leses som fryktinngytende-kongelig-makt. En av de mer vanlige klassiske horimono-paringene og en hyppig moderne amerikansk japansk-påvirket komposisjon. Kryssreferanse peony Pocket Guide-oppføringen.
Oni pluss krysantemum (oni til kiku). Demon paret med den keiserlige krysantemumblomsten. Krysantemumblomsten (kiku) signaliserer høst, lang levetid og det keiserlige registeret; kombinasjonen gir en sesongbasert ramme og en kontrast mellom det keiserlig dyrkede og det demonisk ville. Mindre vanlig enn oni-peon-kombinasjonen, men dokumentert i klassisk horimono.
Oni pluss drage (oni til ryū). Demon paret med den kanoniske irezumi beskyttelsesfiguren. Dragen som vokterguddom paret med onien som vokter-demon gir en sammensatt beskyttende komposisjon. Mindre klassisk kanonisk enn kriger-oni-kombinasjonen, men stadig vanligere i samtidsarbeid. Kryssreferanse drage Pocket Guide-oppføringen.
Oni pluss slange (oni til hebi). Demon paret med slangen. Slangen (hebi) bærer flere symbolske registre i japansk tradisjon (lykke i noen sammenhenger, transformasjon i andre, overnaturlig trussel i ja slange-demon Noh-maske-registeret), og oni-slange-kombinasjonen gir en sammensatt overnaturlig-trussel-komposisjon. Shuten-dōji-fortellingen inneholder spesifikt slangelignende transformasjoner og er en kilde til kombinasjonen.
Oni pluss hodeskalle (oni til dokuro). Demon paret med dødens hode. Hodeskallen (dokuro) bærer den kanoniske memento melleri lesningen som deles på tvers av globale tatoveringstradisjoner, og den tilleggs japanske buddhistiske assosiasjonen med forgjengelighet. Kombinasjonen leses som sammensatt dødelighet-og-overnaturlig-trussel og er vanligere i samtids amerikansk japansk-inspirerte og nytradisjonelle registre enn i klassisk horimono.
Oni pluss flamme (oni til honō). Demon omgitt av flammer. Flammen (honō) signaliserer helvetesriket og det rasende-beskyttende-guddomsregisteret (parallelt med Fudō Myō-ōs flamme-mandorla), og oni-og-flamme-komposisjonen er en av de mer atmosfærisk intense klassiske horimono-behandlingene. Vanlig som et keshoubelleri atmosfærisk element rundt en hoved-oni-figur.
Oni pluss tiger (oni til tora). Demon paret med tigeren som rovdyr-emblem. Tiger-skinns lendeklede (tellera no fundoshi) er i seg selv en kanonisk ikonografisk markør for onien, og tillegget av en full tigerfigur til en oni-komposisjon gir et sammensatt krigersk-rovdyr-register. Mindre vanlig enn kriger-oni-kombinasjonen, men dokumentert i både klassisk horimono og samtidsarbeid. Kryssreferanse tiger Pocket Guide-oppføringen.
Oni pluss kirsebærblomst (oni til sakura). Demon med fallende kirsebærblomster. Kirsebærblomsten (sakura) signaliserer forgjengelighet og flyktig skjønnhet, og kombinasjonen av demonen med fallende blomster gir en komposisjon som leses som fryktinngytende-forgjengelighet eller som demonen satt mot det kultiverte-vakre. Vanlig i samtids amerikansk japansk-inspirerte og nytradisjonelle registre. Kryssreferanse kirsebærblomst Pocket Guide-oppføringen.
Oni pluss andre oni (paret rød-og-blå). To oni med kontrasterende farger komponert sammen. Rød-og-blå-kombinasjonen refererer til Niō tempel-vokterparet (Misshaku Kongō og Naraen Kongō ved buddhistiske tempelporter) og gir en sammensatt paret-vokter-komposisjon. Kombinasjonen er en av de mer visuelt slående oni-komposisjonene og er dokumentert i både klassisk horimono og samtids amerikansk japansk-inspirert praksis.
Oni pluss hannya (oni til hannya). Den hornede mannlige demonen paret med den hornede kvinnelige Noh-maske-demonen. Kombinasjonen gir en sammensatt overnaturlig-maske-komposisjon som kombinerer det bredere oni-ikonografiske registeret med det spesifikke Noh-avledede hannya-registeret. Vanlig i samtids amerikansk japansk-inspirert ermearbeid. Kryssreferanse hannya Pocket Guide-oppføringen for den kvinnelige-demon-maske-siden av kombinasjonen.
Plassering og skala
Plassering og skala samhandler direkte med oniens ikonografiske tetthet og lesning.
Hel rygg (senaka). Den klassiske horimono-plasseringen for onien som hovedmotiv (shudai). Den stående eller angripende demonfiguren kan gjengis i passende skala, med omkringliggende keshoubelleri (flamme, vindlinjer, peon eller krysantemum, sekundære yōkai) som gir det atmosfæriske feltet. Hel rygg er den mest ikonografisk tette oni-plasseringen og den mest krevende å utføre. Yakuza-stil hel-rygg oni-komposisjonen bærer den tilleggskontekstuelle assosiasjonen diskutert i yakuza-adopsjonsdelen ovenfor.
Hel kroppsdrakt (hikae, gobu, shichibu, etc.). Den integrerte kroppsdraktkomposisjonen kan inkludere en oni som en hoved- eller sekundærfigur innenfor en større komposisjonell logikk. Den klassiske horimono kroppsdrakten kan integrere kriger-mot-oni narrative komposisjoner, paret rød-og-blå oni, eller enkeltstående oni-figurer innenfor større vind-og-vann atmosfæriske felt. Kroppsdraktplasseringen er den mest ikonografisk rike oni-konteksten og belønner utvidet arbeid over flere sesjoner.
Halv-erm eller hel-erm. Armplasseringen tilpasser oni-figuren til den vertikale komposisjonelle logikken til lemmet. Oni-masken alene, den delvise stående figuren, eller en mer kompakt helfigurkomposisjon kan gjengis i ermeskala, ofte paret med omkringliggende kirsebærblomst, peon eller vindlinjeelementer. Ermet er en av de vanligste samtidige amerikanske japansk-inspirerte oni-plasseringene.
Brystpanel. Brystplasseringen rommer den stående helfiguren eller oni-masken i betydelig skala. Brystpanelet er en av de kanoniske amerikanske japansk-inspirerte oni-plasseringene og er en av de mest tatoverte samtidige oni-komposisjonene.
Skulderhette eller overarm. Skulderplasseringen tilpasser oni-masken alene eller en kompakt oni-og-flamme-komposisjon til den avrundede overflaten på skulderen. Plasseringen er vanlig i amerikanske tradisjonelle og nytradisjonelle registre og er en av de mer kompakte oni-plasseringene.
Lår. Lårplasseringen rommer en stående hel oni-figur i betydelig skala, med omkringliggende atmosfæriske elementer. Låret har blitt et primært samtidssted for nytradisjonelt og fotorealistisk oni-arbeid på 2010- og 2020-tallet.
Underarm eller legg. De mindre lemplasseringene komprimerer vanligvis komposisjonen til en kun-oni-maske-behandling. Masken-alene oni på underarm- eller leggskala er den mest tatoverte kompakte oni-plasseringen i samtids amerikansk praksis.
Hånd eller nakke. Hånd- eller nakkeplasseringen (veldig liten skala) gjengir vanligvis bare oni-masken eller en stilisert oni-øye-behandling. Plasseringen er omstridt i klassiske horimono-protokoller ( gobu og shichibu klassiske kroppsdraktkonvensjoner sto tradisjonelt ved håndledd og ankel), og mange klassiske horimono-utøvere nekter å utvide arbeidet til hånd eller nakke. Plasseringen er vanligere i samtids amerikansk praksis, men bærer kontekstuelle assosiasjoner som bæreren bør kjenne til.
Den generelle skaleringsprinsippet for oni-arbeid er at figuren belønner størrelse. Den ikonografiske tettheten (horn, huggtenner, farge, kanabō jernklubbe, tiger-skinns lendeklede, atmosfæriske flamme- eller vindlinjer) krever rom for å gjengis med klarhet, og en liten oni leses ofte som et generisk demonisk bilde snarere enn den spesifikke ikonografiske figuren som den klassiske tradisjonen tilbyr. Diskuter plassering og skala med din kunstner, ideelt sett en med dokumentert opplæring i den klassiske horimono-tradisjonen eller dens amerikanske japansk-inspirerte slektslinje, og aksepter at komposisjonen sannsynligvis vil kreve arbeid over flere sesjoner for helfigurbehandlinger.
Hva du skal spørre kunstneren din om før du får en oni-tatovering
Kulturell kontekstomsorg for oni-motivet antyder et spesifikt sett med spørsmål en potensiell bærer kan reise med utøveren før de forplikter seg til designet.
Hvilken klassisk eller moderne kilde trekker komposisjonen på? En spesifikk kilde (en side fra Toriyama Sekiens yōkai-katalog, en triptyk av Kuniyoshi som viser kriger mot oni, et spøkelsestrykk av Yoshitoshi, en komposisjon fra Horiyoshi IIIs tegnebok, en karakter fra Demon Slayer) gir ikonografisk forankring og lar komposisjonen fremstå med spesifisitet i stedet for som en generisk demon. Å stille spørsmålet forbedrer ofte utøverens engasjement med designet.
Er utøveren kjent med det klassiske horimono ikonografiske vokabularet? Ikke alle utøvere som arbeider i et japansk-inspirert register har direkte opplæring eller slektskap med den klassiske horimono-tradisjonen. En utøver opplært i Horiyoshi III-linjen, i Hardy-skolen, i Filip Leu Family Iron-linjen, eller i en sammenlignbar arvelig horishi-tradisjon vil typisk gjengi de ikonografiske markørene (fargesymbolikk, kanabō, tigerhudslendeklede, integrasjon med keshoubelleri) med presisjon. En utøver som arbeider i et mer generisk neo-tradisjonelt eller moderne illustrativt register kan gjengi figuren med visuell effekt, men mindre ikonografisk spesifisitet.
Hva er fargeattribueringen og hvorfor? Oniens farge bærer den buddhistiske Fem-hindringer-lesningen diskutert ovenfor. En utøver som kan forklare hvorfor en bestemt oni er rød, blå, svart, hvit eller en annen farge, og hvilken doktrinær eller komposisjonell lesning fargen bærer, engasjerer tradisjonen med lesekyndighet. En utøver som velger farge utelukkende for visuell effekt, tar et legitimt amerikansk tradisjonelt valg, men engasjerer ikke den klassiske tradisjonens fargesymbolikk.
Er komposisjonen oni-som-hovedmotiv, kriger-mot-oni, eller bare oni-masken alene? De tre komposisjonsvalgene gir forskjellige ikonografiske registre og forskjellige krav til skala og plassering. En bærer bør vite hvilket register komposisjonen tilhører og velge plassering og skala deretter.
Er bæreren komfortabel med diskusjonen om kulturell kontekst? Oni-motivets vokter-beskytter-lesning, Setsubun- og Namahage-folkekulturen, det buddhistiske hellevokter-registeret, otogi-zōshi fortellertradisjonen, diskusjonen om yakuza-adopsjon, diskusjonen om anime-crossover, og diskusjonen om appropriasjon er alle en del av det ikonografiske innholdet. En bærer som velger motivet uten å engasjere seg i diskusjonen om kulturell kontekst, tar et legitimt estetisk valg, men velger å bære et bilde hvis kulturelle vekt eksisterer uavhengig av personlig intensjon. Valget er bærerens; rammeverket er ærlig.
Redaksjonell posisjon og kryssreferansenotater
Atlasets redaksjonelle posisjon angående oni-motivet er at figuren er en av de kanoniske japanske irezumi shudai alternativer, at den klassiske horimono-tradisjonen leverer et dypt og kontinuerlig ikonografisk substrat som stammer fra Toriyama Sekien, Utagawa Kuniyoshi, Tsukioka Yoshitoshi og Horiyoshi III, at den vestlige standardlesningen av «demon = ondskap» ikke samsvarer med figurens faktiske kulturelle rolle som vokter-beskytter, at samtidige, anime-avledede oni-tatoveringer er legitime innenfor sitt eget register, men ikke bør forveksles med den klassiske horimono-tradisjonen, at den helryggede oni-komposisjonen i yakuza-stil bærer en omstridt kulturell kontekst som bærere bør være klar over, og at de samme arvelige praksisprotokollene som styrer andre motiver i japansk tradisjon (drage, koi, kirsebærblomst, peon, samurai, geisha) gjelder for oni når de bæres innenfor det klassiske horimono-registeret.
Kryssreferansenotater:
Den hannya (般若) kvinne-demon Noh-masken behandles kun i en kort kryssreferanse her og fortjener sin egen dedikerte oppføring i Pocket Guide. Hannyaen er ikonografisk forskjellig fra den bredere oni-kategorien (hannyaen er en spesifikk Noh-maske som skildrer en kvinne forvandlet av sjalusi til en demon, med konvensjoner i skjæringstradisjonen som skiller seg fra den bredere oni-ikonografien), og sammenblandingen av hannya og oni i noe ikke-japansk tatoveringsdiskurs er en anerkjent forenkling.
Den samurai Pocket Guide-oppføringen behandler krigeren mot oni-komposisjonen fra krigerens side og inkluderer en betydelig diskusjon av Kuniyoshis kriger-print-substrat som leverer det ikonografiske materialet for både samurai- og oni-tradisjonene.
Den drage Pocket Guide-oppføringen behandler den kanoniske irezumi beskyttelsesfiguren som ofte pares med oni i klassiske horimono-komposisjoner, og inkluderer den bredere diskusjonen av den ikonografiske logikken til vokter-beskytter som oni deler.
Den Fudō Myō-ō Pocket Guide-oppføringen (under utvikling) behandler den vrede buddhistiske beskyttende guddommen hvis ikonografi deler visuelle konvensjoner med oni, og hvis rolle som fryktinngytende beskytter speiler oniens vokter-beskytter-funksjon.
Bibliografi og kilder
De viktigste engelskspråklige og engelsk-oversatte kildene for oni-ikonografisk tradisjon inkluderer følgende.
Brazell, Karen, red. Tradisjonelt Japanese-teater: En antologi av skuespill. New Yellerk: Columbia University Press, 1998.
Faure, Bernard. Fornektelsens Power: Buddhisme, renhet og kjønn. Princeton: Princeton University Press, 2003.
Foster, Michael Dylan. Pandemonium og parade: Japanese-monstre og Culture til Yōkai. Berkeley: University of Califellernia Press, 2009.
Foster, Michael Dylan. Yōkais bok: Mysterious Crevedures of Japanese Folklellere. Berkeley: University of Califellernia Press, 2015.
Hardy, Don Ed, red. Sailor Jerry Tattoo Flash: Rise og Shine, Vol. 1. Honolulu og San Francisco: Hardy Marks Publications, 2002.
Hardy, Don Ed. Wear Your Dreams: Mitt liv i tatoveringer, med Joel Selvin. New York: Thomas Dunne Books, 2013.
Hardy, Don Ed, red. Tvedtootime, Volumer 1 til 5. Honolulu og San Francisco: Hardy Marks Publications, 1982 til 1991.
Hill, Peter B.E. The Japanese Mafia: Yakuza, lov og State. Oxfellerd: Oxfellerd University Press, 2003.
Helleriyoshi III (Yoshihito Nakano). Tatoveringsdesign fra Japan. Honolulu: Hardy Marks Publications, 1989 til 1990.
Helleriyoshi III. 100 demoner av Horiyoshi III (Hyakkizu Helleriyoshi). Tokyo: Nihonshuppansha, 1998. ISBN 4890485708.
Helleriyoshi III. 108 Heroes av Suikoden. Tokyo: Nihonshuppansha, ca. 2009 til 2010.
Inagaki, Shinichi. Edo tatovering. Tokyo: Heibonsha, 1992.
Kaplan, David E., og Alec Dubro. Yakuza: Japans Criminal Underwellerld, utvidet utgave. Berkeley: University of California Press, 2003.
Kern, Adam. Manga fra Floating World: Comicbook Culture og Kibyōshi fra Edo Japan. Cambridge, MA: Harvard University Asia Center, 2006.
Kitamura, Takahiro og Kip Fulbeck. Utholdenhet: Japansk tatoveringstradisjon i en moderne verden. Los Angeles: Japanese American Nvedional Museum, 2014.
Kitamura, Takahiro. Bushido: Arven fra den japanske tatoveringen. Atglen, PA: Schiffer Publishing, 2001 (og påfølgende utgaver gjennom 2008).
Klompmakers, Inge. Of Brigands og Bravery: Kuniyoshi's Heroes til Suikoden. Leiden: Hotei Publishing, 1998.
Komvedsu, Kazuhiko. En introduksjon til Yōkai Culture: monstre, spøkelser og Outsiders i Japanese-historien, oversatt av Hiroko Yoda og Matt Alt. Tokyo: Japan Publishing Industry Foundation for Culture, 2017.
Komparu, Kunio. The Noh Theatre: Prinsipper og perspektiver. New York og Tokyo: Weatherhill, 1983.
Kuroda, Toshio. "Historical-bevissthet og Hon-jaku-filosofi i Medieval Period på Mount Hiei." I George J. Tanabe Jr. og Willa Jane Tanabe, red., Lotus Sutra i Japanese Culture. Honolulu: Universitetet i Hawaii Press, 1989.
McCallum, Donald. "Historical og Cultural Dimensions av tatoveringen i Japan." I Arnold Rubin, red., Marks av Civilization: Kunstneriske transformasjoner av det menneskelige Body. Los Angeles: UCLA Museum of Cultural Histellery, 1988.
Plutschow, Herbert. Kaos og kosmos: Ritual i tidlig og Medieval Japanese litteratur. Leiden: Brill, 1990.
Plutschow, Herbert. Matsuri: Festivalene i Japan. Richmond, Surrey: Japan Library / Curzon Press, 1996.
Reider, Nelleriko T. Tales av det overnaturlige i Early Modern Japan: Kaidan, Akinari, Ugetsu Monogatari. Lewiston, NY: Edwin Mellen Press, 2002.
Reider, Nelleriko T. Japanese Demon Lore: Oni fra antikken til i dag. Logan: Utah Stvede University Press, 2010.
Richie, Donald, og Ian Buruma. Den japanske tatoveringen. New York og Tokyo: Weatherhill, 1980.
Robinson, B.W. Kuniyoshi: Den Warrieller Prints. Ithaca: Cellernell University Press, 1982.
Stevenson, John. Yoshitoshis Thirty-Six Ghosts. New York og Tokyo: Weatherhill, 1983.
Stevenson, John. Yoshitoshis merkelige Tales. Leiden: Hotei Publishing, 2005.
UNESCO. "Raiho-shin, rituelle besøk av guder i masker og kostymer." Representant List for den immaterielle Cultural Heritage av Humanity-inskripsjonen, 2018. UNESCO-dokumentasjon, Paris.