La Calavera Catrina jest jedną z najbardziej nacechowanych politycznie postaci w ikonografii tatuażu, elegancka szkieletowa kobieta w europejskim kapeluszu z piórami, której pochodzenie nie jest celebracją śmierci, ale satyrą klasową wyrytą przez meksykańskiego grafika José Guadalupe Posadę w Meksyku w latach 1910-1913. Posada zatytułował oryginalny miedzioryt Calavera Garbancera, wyśmiewając garbanceros, Meksykanów, którzy zaprzeczali swojemu rdzennemu dziedzictwu, aby uchodzić za Europejczyków podczas późnego Porfiriato. Goły szkielet pod eleganckim kapeluszem robił swoje: pod pożyczonymi ozdobami kryły się kości. Muralista Diego Rivera nadał postaci jej imię i pełne, odziane ciało w swoim muralu z 1947 roku Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central. Ten mural, a nie oryginalny druk, jest obrazem, od którego wywodzi się większość tatuaży Catriny. Postać niesie specyficzne meksykańskie znaczenie, śmierć jako wielki równacz, w odróżnieniu od twarzy cukrowej czaszki i bezpłciowego europejskiego żniwiarza. Zobacz powiązaną cukrowa czaszka stronę o szerszej tradycji calavera.

Co oznacza tatuaż Catriny?

Tatuaż Catriny najczęściej oznacza medytację nad śmiercią jako wielkim równym, ideą, że pod modą, bogactwem i pozorami wszyscy jesteśmy tymi samymi kośćmi. Wywodzi się z satyry klasowej José Guadalupe Posady, wyrytej w Meksyku około 1910-1913 roku, oraz z muralu Diego Rivery z 1947 roku. We współczesnej praktyce najczęściej odczytywany jest jako hołd pamięci zmarłej krewnej lub jako wyraz dumy z kultury Día de los Muertos.

Kim jest La Catrina?

La Catrina to elegancka szkieletowa dama w ozdobnym, pierzastym europejskim kapeluszu, stworzona przez meksykańskiego grafika José Guadalupe Posadę około 1910-1913 roku jako Calavera Garbancera, satyra na Meksykanów ukrywających swoje rdzenne dziedzictwo, by wydawać się Europejczykami. Muralista Diego Rivera nazwał ją „La Catrina” i namalował jej pełną postać na swoim muralu z 1947 roku w Hotel del Prado w Meksyku.

Jaka jest różnica między Catriną a cukrową czaszką?

Cukrowa czaszka (calavera de azúcar) to ozdobiona czaszka twarz, uroczysty emblemat ołtarza Dnia Zmarłych, starszy niż Posada. La Catrina to pełna postać kobieca, elegancka pani szkielet w fantazyjnym kapeluszu i sukni, stworzona przez Posadę około 1910 roku i nazwana przez Diego Riverę w 1947 roku. Catrina niesie ze sobą specyficzną politykę satyry klasowej; cukrowa czaszka jest przede wszystkim ofiarą dla ołtarza przodków. Zobacz cukrowa czaszka stronę.

Czy tatuaż Catriny to zawłaszczenie kulturowe?

To zależy od kontekstu. La Catrina niesie specyficzne meksykańskie znaczenie polityczne i historyczne, zakorzenione w satyrze klasowej Posady z epoki Porfiriato i nacjonalistycznym muralu Rivery, udokumentowane przez badaczy, w tym Stanleya Brandesa i Reginę Marchi. Najbardziej uzasadnione zastosowania to upamiętnienie (uhonorowanie meksykańskiej krewnej) lub autentyczny udział w Día de los Muertos. Używanie przez osoby niebędące Meksykanami makijażu Catriny lub tatuażu Catriny jako generycznej estetyki „ładnej martwej damy” jest sporne.

Skąd wzięła się La Catrina?

La Catrina wywodzi się z Calavera Garbancera, cynkowego drzeworytu meksykańskiego grafika José Guadalupe Posady (1852-1913), wykonanego w Meksyku około 1910-1913 roku dla wydawcy Antonio Vanegasa Arroyo. Satysfakcjonowała pretensje klasowe pod koniec Porfiriato. Muralista Diego Rivera przemianował ją na „La Catrina” i namalował jej pełną, elegancką postać na swoim muralu z 1947 roku Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central.

Gdzie umieścić tatuaż Catriny?

Catrina preferuje duże płótna, ponieważ postać jest pełnej długości i bogata w szczegóły. Plecy są kanonicznym miejscem dla kompletnej postaci Catriny w czarno-szarym stylu Chicano. Zewnętrzna część uda, pełny rękaw i łydka pomieszczą eleganckie ciało i pierzasty kapelusz. Przedramię i górna część ramienia pasują do portretu Catriny (głowa i ramiona) zamiast pełnej postaci. Omów rozmiar ze swoim artystą.

Oryginał Posady: Calavera Garbancera, ok. 1910-1913

Postać, którą świat nazywa teraz La Catriną, nie zaczęła się jako celebracja. Zaczęła się jako żart kosztem społecznych wspinaczy, wyryty przez pracującego grafika w drukarni w Meksyku w ostatnich latach dyktatury Porfirio Díaza.

José Guadalupe Posada (Aguascalientes, 2 lutego 1852, do Meksyku, 20 stycznia 1913) był najbardziej płodnym i wpływowym ilustratorem meksykańskiej kultury druku popularnego z końca XIX i początku XX wieku. Wykształcony w litografii i grawerstwie w Aguascalientes, Posada przeniósł się przez León, zanim osiedlił się w Meksyku około 1888 roku, gdzie stworzył tysiące ilustracji dla prasy popularnej, głównie dla wydawcy Antonio Vanegasa Arroyo (1852-1917). Produkcja Posady obejmowała pełen zakres taniego druku popularnego: korytarze (ballady), sensacyjne raporty o zbrodniach, opisy cudów, obrazy religijne, reklamy, gry dla dzieci i sezonowy gatunek, który miał przynieść jego nazwisko do XX wieku, calavera arkusze produkowane na sezon Dnia Zmarłych. Standardowe naukowe opracowanie tej produkcji to praca Patricka Franka Arkusze Posady: popularne obrazy Mexican, 1890 do 1910 (University of New Mexico Press, 1998), która dokumentuje praktykę pracy Posady, jego relacje z Vanegas Arroyo i gospodarkę druku późnego Porfiriato. Wcześniejsze i fundamentalne opracowanie to praca Anity Brenner Idole za ołtarzami (Payson and Clarke, 1929), która wprowadziła Posadę szerokiej anglojęzycznej i meksykańskiej modernistycznej publiczności i pozycjonowała go jako wizualnego przodka meksykańskiego ruchu muralistycznego po rewolucji (ZWERYFIKOWANO na podstawie Frank 1998; Brenner 1929).

The calavera arkusz był gatunkiem sezonowym z własnymi zasadami. Na Dzień Zmarłych meksykańscy drukarze produkowali arkusze z wizerunkami szkieletów, którym towarzyszyły satyryczne wersy, literatura kalaveras, fałszywe epitafia, które „zabijały” żywych, często postaci publiczne, w rymowanych kupletach. Wkład Posady w ten gatunek był wizualny: szkielety robiące to, co robią żywi, pijące w kantynach, jeżdżące na rowerach, paradowujące jako rewolucjoniści, zalecające się, tańczące i ubierające się ponad stan. Szkielety były sednem. Przedstawiając satyryzowany temat jako calavera, odbitka zawierała to samo przesłanie, co średniowieczny taniec śmierci w Europie wieki wcześniej, że śmierć zrywa z rangą i obnaża wspólne kości, ale zrobiła to w specyficznym idiomie meksykańskiej satyry ludowej i specyficznej polityce Porfiriato (ZWERYFIKOWANO; Frank 1998; Brandes 1998).

Oryginalny miedzioryt czytano teraz jako La Catrina nosiła tytuł _Calavera Garbancera_. Słowo Garbancera jest kluczem do obrazu i jest częścią najczęściej tracona, gdy postać jest reprodukowana jako ozdobny tatuaż. A garbancero był dosłownie sprzedawcą ciecierzycy (garbanzo, ciecierzyca), skromnym ulicznym handlem. W politycznym slangu późnego Porfiriato, Garbancera stało się ostrym obelgą: nazywało Meksykanów pochodzenia rdzennego i mestizo o skromnym pochodzeniu, którzy zaprzeczali swojemu rdzennemu dziedzictwu i naśladowali europejską, zwłaszcza francuską, modę i maniery, aby wydawać się bardziej „cywilizowani”, bielszy, bardziej zgodni z eurofilskimi aspiracjami reżimu Díaza. naukowy elita. Porfiriato (1876-1911) uczyniło imitację francuskiego gustu wyznacznikiem statusu; elity Meksyku budowały w stylu Beaux-Arts, ubierały się w paryskie mody i traktowały tożsamość rdzennych mieszkańców jako coś, od czego należy uciec. The Garbancera była społeczną wspinaczką złapaną w tę aspirację, córką sprzedawcy fasoli w pożyczonym francuskim kapeluszu (ZWERYFIKOWANO w Frank 1998; Brandes 1998; Carmichael i Sayer 1991).

Obraz Posady uczynił satyrę wizualną i druzgocącą. Postać nosi tylko ogromny, wyszukany europejski kapelusz modny w latach 1900., szerokobrzeszczowy, ozdobiony piórami strusia i ozdobnymi kwiatami. Pod kapeluszem: naga czaszka, a w oryginalnym miedziorycie do popiersia, nagie szkieletowe ramiona i żebra. W oryginale Posady nie ma sukni. Żart polega na kontraście. Kapelusz mówi „francuska arystokratka”; ciało mówi „jesteś szkieletem jak wszyscy inni, a twoje pożyczone ozdoby tego nie ukryją”. Zachowany werset towarzyszący tradycji ulotnej jasno określa odczytanie klasowe, wyśmiewając tych, którzy byliby Garbanceras raczej niż uczciwi tortille. Nagi szkielet w eleganckim kapeluszu to przede wszystkim satyra klasowa, a dopiero potem memento mori; oba odczytania wzajemnie się wzmacniają, ale polityczne odczytanie, że pretensja jest żartem śmierci, jest pierwotnym znaczeniem (ZWERYFIKOWANO; Frank 1998; Brandes 1998).

Dokładna data powstania miedziorytu jest MIESZANA. Posada zmarł w styczniu 1913 r., więc płyta jest wcześniejsza. Najczęściej cytowane daty mieszczą się w przedziale 1910-1913, a obraz jest często datowany na „ok. 1910” w katalogach muzeów i bibliotek, w tym w zbiorach reprodukowanych z archiwum Vanegasa Arroyo. Oryginalny kontekst druku, konkretna ulotka, na której się pojawił, i dokładny rok nie są udokumentowane z precyzją, jakiej zdaje się wymagać późniejsza popularność, ponieważ miedzioryt był jednorazowym drukiem komercyjnym, a nie dziełem sztuki stworzonym do zachowania. Zweryfikowane jest autorstwo (Posada), wydawca (Vanegas Arroyo), oryginalny tytuł (Calavera Garbancera), medium (miedzioryt cynkowy, późniejsza technika trawienia reliefowego Posady) i intencja satyryczna (Frank 1998; Brenner 1929).

Sam Posada zmarł w biedzie i w dużej mierze niecieszący się uznaniem, pochowany w grobie powszechnym w Meksyku w 1913 roku. Jego wyniesienie do statusu narodowego artysty nastąpiło po rewolucji meksykańskiej, kiedy pokolenie muralistów, przede wszystkim Diego Rivera i José Clemente Orozco, uznało go za autentyczny głos wizualny narodu meksykańskiego i formalnego przodka swojej własnej pracy. Jean Charlot, francusko-meksykański artysta i historyk sztuki, jest powszechnie uznawany za naukowego „odkrywcę” płyt Posady na początku lat 20. XX wieku, a Anita Brenner Idole za ołtarzami (1929) przeniósł to przeformułowanie na audytorium międzynarodowe. The Garbancera miedzioryt był jednym z tysięcy obrazów Posady; jego wyjątkowa sława jest całkowicie produktem tego, co Rivera zrobił z nim trzy dekady po śmierci Posady (ZWERYFIKOWANO; Brenner 1929; Frank 1998).

Nazwa: „Catrina”, „catrín” i dar Diego Rivery

Postać nie nazywała się „La Catrina” za życia Posady. Nazwa jest Diego Rivery, i jest nierozerwalnie związana z tym, co Rivera zrobił z postacią wizualnie.

Hiszpańskie słowo kotrín nazywa specyficzny typ społeczny XIX i początku XX wieku: dandy, dobrze ubrany dżentelmen, mężczyzna o widocznej elegancji i modnym pokazie, często z konotacją afektacji lub próżności. Forma żeńska, Catrina, nazywa kobiecy odpowiednik, elegancko przesadnie ubraną damę. Słowo niesie ten sam rejestr klasowy, który satyra Posady Garbancera celowała: the kotrín i Catrina to ludzie, których tożsamość jest zbudowana na pokazie, na odgrywaniu pozycji wyższej niż ich pochodzenie. Kiedy Rivera nazwał szkielet „La Catrina”, zarówno złagodził oryginalny Garbancera obra (która nazwała specyficzną rasistowską klasę pretensji) i uogólniając ją do szerszej figury eleganckiej damy, którą śmierć obdarła do naga. Samo przemianowanie jest małym aktem interpretacji: przesuwa postać z ostrej satyry etniczno-klasowej z epoki Porfiriatu w kierunku bardziej uniwersalnego, bardziej narodowo użytecznego emblematu elegancji zniszczonej przez śmiertelność (POTWIERDZONE w badaniach nad Riverą; Bertram Wolfe, Fantastyczny Life z Diego Rivera, Steina i Day, 1963; Brandesa 1998).

Rivera nadał jej również ciało. Oryginał Posady to popiersie: kapelusz, czaszka, nagie szkieletowe ramiona. Rivera rozszerzył ją do pełnej figury eleganckiej damy w długiej sukni, z boa z piór, z zachowanym wielkim kapeluszem z piór, przekształcając nagiego satyrycznego szkieleta w dostojną, niemal królewską damę mody. Ta pełna figura Catriny, w sukni i z boa, jest obrazem, od którego wywodzi się współczesny Dzień Zmarłych i współczesny tatuaż Catriny. Popiersie stało się damą. Obraza stała się ikoną (POTWIERDZONE; Wolfe 1963; dokumentacja muralu Rivery, Museo Mural Diego Rivera).

Warto zaznaczyć zamieszanie, jakie wywołało przemianowanie, ponieważ stale pojawia się ono w popularnych relacjach i powinno być ostrożnie traktowane na stronie naukowej. Wiele źródeł skraca oś czasu i przypisuje Posadzie zarówno obraz, jak i nazwę „Catrina”, a niektórzy przypisują pełną, ubraną wersję Posadzie. Dokładna relacja, POTWIERDZONA w badaniach nad Posadą i Riverą, brzmi: Posada stworzył nagie ramiona Calavera Garbancera popiersie około 1910-1913 roku; Rivera w 1947 roku nadał postaci imię „La Catrina” i pełne, eleganckie, ubrane ciało. Nazwa jest Riveri. Pełna figura jest Riveri. Oryginalny szkielet w kapeluszu jest Posady (Frank 1998; Wolfe 1963; Brandes 1998).

Mural Rivery z 1947 roku: obraz źródłowy dla prawie każdego tatuażu Catriny

Najważniejszym obiektem do zrozumienia współczesnej Catriny i współczesnego tatuażu Catriny jest mural, którego większość osób noszących tę postać nigdy nie widziała i nie potrafi nazwać.

W 1947 roku Diego Rivera (1886-1957) ukończył _Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central_ („Sen niedzielnego popołudnia w parku Alameda Central”), duży mural o wysokości około czterech i siedmiu metrów i szerokości około piętnastu metrów, namalowany dla holu Hotelu del Prado w Meksyku, naprzeciwko Alameda Central, najstarszego parku publicznego w mieście. Mural jest panoramą historii Meksyku przedstawioną jako senny niedzielny spacer po Alameda, zaludniony postaciami z czterech stuleci życia Meksyku: postaciami z epoki kolonialnej, dandysami z epoki Porfirio i ich rodzinami, bojownikami rewolucyjnymi oraz własną obsadą osobistą i polityczną Rivery (POTWIERDZONE; Wolfe 1963; dokumentacja Museo Mural Diego Rivera).

W centrum wizualnym muralu znajduje się La Catrina, w pełnej postaci, w swoim wielkim kapeluszu z piór, z boa z piór węża (motyw piór quetzala Quetzalcóatl Rivera włączył do boa, łącząc europejską modę szkieletu z rdzenną mitologią mezoamerykańską, charakterystyczny dla Rivery ruch nacjonalistyczny). Po jednej stronie stoi José Guadalupe Posada sam, przedstawiony jako elegancki dżentelmen, hołd Rivery dla grafika, którego uważał za swojego artystycznego przodka. Po drugiej stronie stoi młody Diego Rivera, namalowany jako dziesięcioletni chłopiec, trzymający szkieletową dłoń Catriny, z Fridą Kahlo stojącą za chłopcem, jedną ręką na jego ramieniu. Grupa ta jest celową genealogią: Posada jako przodek, Catrina jako muza, chłopiec Rivera jako dziedzic, Kahlo jako towarzyszka. Rivera umieścił siebie jako dziecko dosłownie trzymającego dłoń śmierci, z grafikiem, który ją stworzył, stojącym obok (POTWIERDZONE; Wolfe 1963; katalogi Rivery; Museo Mural Diego Rivera).

Ta grupa, elegancka pełna Catrina w kapeluszu z piór, otoczona Posadą i Riverą, jest kanonicznym obrazem. Kiedy klient tatuażu prosi dziś o „Catrinę”, postać, o której myśli, elegancka dama w kapeluszu z piór i sukni, to postać Rivery z 1947 roku, a nie nagie popiersie Posady z 1910 roku. Pełna, elegancka figura, suknia, boa, dostojna postawa: wszystko to Rivera. Oryginalne satyryczne popiersie przetrwało w wiedzy o historii sztuki; ubrana dama przetrwała na ciele i ołtarzu (POTWIERDZONE; Brandes 1998; Carmichael i Sayer 1991).

Historia samego muralu potęguje ironię satyry, która stała się narodową ikoną. Mural w Hotelu del Prado był od momentu odsłonięcia kontrowersyjny politycznie, ponieważ Rivera umieścił na tablicy w scenie frazę „Dios no existe” („Bóg nie istnieje”), przypisywaną XIX-wiecznemu liberałowi Ignacio Ramírezowi. Katolicka reakcja była ostra; mural został zakryty, a w pewnym momencie częściowo uszkodzony, a Rivera ostatecznie zmienił napis lata później. Hotel del Prado został poważnie uszkodzony podczas trzęsienia ziemi w Meksyku w 1985 roku, a mural, zamontowany na ruchomej stalowej ramie, został przeniesiony. W 1988 roku został zainstalowany w specjalnie zbudowanym muzeum naprzeciwko Alameda, Muzeum Mural Diego Rivera, gdzie pozostaje główną ekspozycją. Tak więc postać, która zaczęła jako ulotna satyryczna grafika społecznego awanturnika, ma teraz własną dedykowaną ścianę muzealną w sercu Meksyku (POTWIERDZONE; Museo Mural Diego Rivera; Wolfe 1963 o wczesnych kontrowersjach muralu).

„Śmierć czyni nas wszystkich równymi”: znaczenie polityczne

Główne znaczenie La Catriny, znaczenie, które odróżnia ją od generycznej „ładnej martwej damy” i które strona naukowa jest zobowiązana zachować w widoku, to twierdzenie, że śmierć jest wielkim równością.

Argument jest zawarty w oryginalnym obrazie. Garbancera zakłada francuski kapelusz, aby wydawać się ponad stan; szkielet pod kapeluszem ujawnia, że stan był zawsze kostiumem. Zdejmij kapelusz, suknię, boa, bogactwo, rasowe pretensje, a pozostaje kość, identyczna z kością pod tortillera na którą patrzyła z góry, identyczna z kością pod naukowy arystokrata, którego naśladowała. Śmierć nie sprawdza twojej mody ani twojej linii krwi. La muerte es democrática, w sformułowaniu często przypisywanym duchowi Posady: śmierć jest demokratyczna, jedyny prawdziwy równościarz brutalnie stratyfikowanego społeczeństwa Porfirio (POTWIERDZONE jako główne odczytanie naukowe; Stanley Brandes, „Iconography in Mexico's Day of the Dead: Origins and Meaning”, Etnohistoria 45:2, 1998; Brandesa, Czaszki dla żywych, chleb dla umarłych, Blackwell, 2006).

To jest ta sama pamiątka morska logika, która przenika europejską taniec śmierci, średniowieczny „taniec śmierci”, w którym szkielety prowadzą papieża i cesarza, kupca i chłopa, pokazując, że śmierć nie szanuje rangi. Antropolog Stanley Brandesa, główny współczesny badacz ikonografii Dnia Zmarłych, sytuuje meksykańską calavera satyry w tej szerszej tradycji zachodniej, jednocześnie podkreślając jej specyficzne meksykańskie treści polityczne: szkielety Posady nie były abstrakcyjnymi przypomnieniami o śmiertelności, ale celowym komentarzem do konkretnych hipokryzji konkretnego społeczeństwa, eurofilia elity Porfirio, bogactwo Kościoła, korupcja polityków, wstyd społecznego awanturnika z powodu rdzennnego pochodzenia (POTWIERDZONE; Brandes 1998; Brandes 2006).

To polityczno-satyryczne jądro jest tym, co większość nie-meksykańskich adaptacji postaci traci. Catrina przedstawiona wyłącznie jako dekoracyjna elegancja, czarująca dama szkielet bez świadomości Garbancera satyry, zachowuje kapelusz i kość, ale odrzuca argument. Postać nadal niesie słabe pamiątka morska ładunek (jest przecież szkieletem), ale specyficzny, dziki, zabawny, demokratyczny punkt, twoje ozdoby to kłamstwo, które śmierć obnaża, ginie. Ugruntowany tatuaż Catriny, taki, do którego dochodzi myślący artysta i klient razem, zachowuje punkt widzenia, nawet gdy przedstawienie jest piękne. Piękno i satyra nie są w napięciu w oryginale; postać jest piękna ponieważ satyra jest ostra (POTWIERDZONE odczytanie; Brandes 1998; Marchi 2009).

Integracja z Día de los Muertos: jak satyra stała się twarzą święta

La Catrina jest teraz najbardziej rozpoznawalną twarzą Dia de los Muertos, meksykańskiego Dnia Zmarłych, obchodzonego głównie 1 listopada (Día de los Inocentes lub Día de los Angelitos, dla zmarłych dzieci) i 2 listopada (Día de los Muertos właściwy, dla zmarłych dorosłych), synkretyzującego katolickie święta Wszystkich Świętych i Zaduszki z rdzennymi mezoamerykańskimi praktykami pogrzebowymi. Ale ten ikoniczny status jest stosunkowo niedawnym rozwojem i nastąpił po Riverze (POTWIERDZONE; Carmichael i Sayer 1991; Brandes 2006).

Głęboka struktura Dnia Zmarłych, ofrendy (ołtarz domowy), ścieżki z aksamitek (cempasúchil) ułożone, aby prowadzić powracające duchy, pan de muerto (chleb zmarłych), czaszki cukrowe z wyrytymi imionami żywych i zmarłych, czuwania przy grobach, poprzedzają Posadę o wieki w swojej rdzennej i kolonialno-katolickiej synkretycznej formie. Ozdobiona cukrowa czaszka (calavera de azúcar), w szczególności, jest starszą tradycją ołtarzową niż satyra graficzna Posady i należy do innej linii wizualnej (formowana, nazwana, lukrowana czaszka umieszczana na ofrendy), szczegółowo opisana na towarzyszącej stronie o cukrowa czaszka ). Ulotne grafiki Posady calavera były nakładką kultury druku na tę starszą żywą tradycję, a jego szkielety (w tym Garbancera) były satyryczne i polityczne, skierowane do żywych, a nie obiekty dewocyjne na ołtarz (POTWIERDZONE; Carmichael i Sayer 1991; Brandes 1998).

Łańcuch, przez który satyryczny szkielet Posady stał się twarz całego święta, przebiega przez Riverę i porewolucyjny projekt nacjonalistyczny. „The Skeleton at the Feast: The Day of the Dead in Mexico” Elizabeth Carmichael i Chloë Sayer Szkielet na uczcie: Day umarłych w Mexico (British Museum Press, 1991), standardowe anglojęzyczne naukowe opracowanie święta, śledzi, jak meksykańskie państwo po 1920 roku i jego artyści muraliści świadomie wynieśli Dzień Zmarłych, a w nim calaveras Posady, jako emblematy autentycznej meksykańskości (meksykańskości) odrębnej od kultury europejskiej. Festiwal, który elita Porfirio uważała za prymitywny chłopski przesąd, stał się po rewolucji celebrowanym znakiem tożsamości narodowej. Mural Rivery z 1947 roku umieszczający nazwaną, ubraną Catrinę w centrum panoramy historii Meksyku był kulminacyjnym aktem tego wyniesienia. Do drugiej połowy XX wieku La Catrina przeniosła się z drukowanej ulotki na ołtarz, paradę, szkolny pageant, plakat festiwalowy, a ostatecznie do globalnej wyobraźni (POTWIERDZONE; Carmichael i Sayer 1991; Brandes 2006).

Wynikiem jest postać, która teraz pełni podwójną rolę. Na ofrendy i w paradzie czyta się ją jako świąteczną, radosną, radosne meksykańskie podejście do śmierci, które ucieleśnia święto: śmierć witana, karmiona, z nią tańczono, śmiano się z niej, nie budziła strachu. Ale niesie swoje satyryczne pochodzenie wewnątrz celebracji. Catrina jest świąteczna i jest przypomnieniem, że potężni i dumni umierają dokładnie tak samo jak pokorni. Obie interpretacje są poprawne, a najlepsze prace Catriny, drukowane, w makijażu i na skórze, łączą je (ZWERYFIKOWANO; Brandes 1998; Carmichael i Sayer 1991).

Tradycja malowania twarzy Catriny

Wyraźnie nowoczesny nurt, który ma bezpośredni wpływ na rejestr tatuażu, to Malowanie twarzy Catriny tradycja, w której kobiety (i coraz częściej osoby wszystkich płci) malują swoje twarze jako skomplikowane czaszki Catriny na obchody Dnia Zmarłych, parady i konkursy.

Praktyka ta jest nowsza, niż ludzie często zakładają. Regina Marchi Dzień Zmarłych w USA: Migracja i transformacja zjawiska kulturowego (Rutgers University Press, 2009), główne naukowe opracowanie ewolucji święta w Stanach Zjednoczonych, dokumentuje, że rozbudowana tradycja pełnotwarzowego makijażu Catriny, biała podstawa czaszki, zaciemnione oczodoły otoczone malowanymi płatkami, ozdobiony nos, koronki i kwiatowe filigrany na policzkach i czole, jest w dużej mierze rozwinięciem z późnego dwudziestego i dwudziestego pierwszego wieku, przyspieszonym przez obchody odrodzenia kultury Chicano w Stanach Zjednoczonych od lat 70. XX wieku oraz przez szerszą komercjalizację święta i obieg medialny w latach 2000. i 2010. Twarz Catriny, innymi słowy, jest sama w sobie częściowo produktem wymiany między Meksykiem a meksykańsko-amerykańską diasporą, a nie ponadczasową praktyką ludową (POTWIERDZONE; Marchi 2009).

Tradycja malowania twarzy ma znaczenie dla tatuażu, ponieważ dostarcza ona drugiego wizualnego szablonu obok pełnej postaci Rivery. Wiele tatuaży Catriny to nie odwzorowania pełnej, odzianej postaci z muralu z 1947 roku, ale odwzorowania żywa twarz kobiety pomalowana na Catrinę: piękna kobieca twarz, oczy otwarte i żywe, z makijażem czaszki, oczami otoczonymi płatkami, kwiatowymi ornamentami i często wielkim kapeluszem z piórami na głowie. Ta Catrina „półtwarzy” lub „pomalowanej twarzy”, czasem podzielona wzdłuż linii środkowej tak, że jedna połowa to żywa twarz, a druga to pomalowana czaszka, wywodzi się z tradycji malowania twarzy, a nie bezpośrednio od Posady czy Rivery. Jest to jedna z najczęstszych kompozycji tatuaży Catriny w latach 2010 i 2020, i bliższa jest rejestrowi uczestnictwa w festiwalach niż oryginalnej satyrze z grafik (zweryfikowany strumień; Marchi 2009; skrosowana z cukrowa czaszka tradycji twarzy).

Rozróżnienie to ma znaczenie dla odczytania znaczenia. Pełnopostaciowa, ubrana Catrina z kapeluszem i boa wskazuje wstecz przez Riverę do satyry klasowej Posady. Namalowana na twarzy żywej kobiety Catrina wskazuje na współczesną tradycję festiwali i makijażu oraz na udział noszącej w kulturze Dnia Zmarłych (lub jej estetyzację). Oba są uzasadnionymi motywami Catriny; wywodzą się z różnych punktów w historii postaci i niosą nieco inny ciężar (odczytanie MIESZANE, dobrze poparte; Marchi 2009; Brandes 2006).

Linia tatuażu Chicano: czarno-szary styl z East LA i Catrina w dużym formacie

La Catrina wkroczyła do amerykańskiego tatuażu profesjonalnego głównie poprzez tradycję czarno-szarej cienkiej linii Chicano która wyłoniła się w East Los Angeles w latach 70., tej samej linii, która przeniosła na skórę różaniec, Dziewicę z Guadalupe, Święte Serce oraz szerszy katolicki i kulturowy słownik meksykańsko-amerykański.

Instytucjonalne pochodzenie to Good Time Charlie's Tattooli, założony w 1975 roku przy Whittier Boulevard w East Los Angeles przez Charlie'ego Cartwrighta i Jacka Rudy'ego, pierwsze profesjonalne studio zajmujące się wyłącznie pracami w technice single-needle fine-line black-and-grey i pierwsze profesjonalne studio tatuażu w East Los Angeles. Technika ta wywodziła się z kalifornijskich więzień i ośrodków dla nieletnich. Pinto tradycji, w której Meksykanie-Amerykanie osadzeni w więzieniach tworzyli dewocyjne i kulturowe obrazy za pomocą improwizowanych igieł jednoigłowych w stopniowanych odcieniach czerni i szarości. Freddy Negrete, który dołączył do Good Time Charlie's w 1977 roku i opisał siebie jako pierwszego Chicano, który pracował jako profesjonalny tatuażysta, jest centralną postacią w przenoszeniu tego więziennego słownictwa fine-line do praktyki profesjonalnych studiów. Linię tę udokumentował Alan Govenar w Zmienny kontekst tatuowania Chicano (w Marks z Civilization, red. Arnold Rubin, UCLA Museum of Cultural History, 1988), Margo DeMello w Bodies z Inscription: Historia kulturowa społeczności tatuażu Modern (Duke University Press, 2000) oraz we własnym pamiętniku Negretego Smile Now, Cry Later: Guns, Gangs i tatuaże (Seven Stories Press, 2016) (POTWIERDZONE; Govenar 1988; DeMello 2000; Negrete 2016; weryfikacja krzyżowa z Tattoo History Atlas) Good Time Charlie's wejście).

Kobieta Catrina idealnie pasuje do techniki czarno-szarej, cienkiej linii, z powodów technicznych, które ukształtowały sposób jej tatuowania. Jest szkieletem, więc kości naturalnie wyglądają w stopniowanych szarościach; jest elegancka, więc technika cienkiej linii pozwala oddać koronki, pióra, kwiatowe filigranowe wzory i delikatną strukturę wielkiego kapelusza; i jest pełną postacią kobiecą, więc nagradza duże kompozycje. Rezultatem jest to, że kanoniczna Chicano Catrina to zazwyczaj duży formatdzieło: pełny tatuaż na plecy, kompletny rękaw, duży panel na zewnętrznej stronie uda, postać oddana od głowy do stóp w fotograficznej czerni i szarości z ozdobnym kapeluszem, suknią, elementami kwiatowymi i często otaczającą kompozycją róż, nagietków, świec i banerów z imionami. Catrina nie jest w tej tradycji małym projektem flash; jest centralnym punktem, rodzajem pracy, która wymaga wielu długich sesji i stanowi kotwicę dla większej ilości obrazów kulturowych i pamiątkowych (ZWERYFIKOWANO; Govenar 1988; DeMello 2000; Negrete 2016).

Dalsza linia przekazu przeniosła Chicano Catrinę do szerszej amerykańskiej kultury tatuażu. Mark Mahoney, którego Shamrock Social Club otwarty w 2002 roku na Sunset Boulevard w West Hollywood jest najbardziej znanym mainstreamowym tatuażystą słownictwa black-and-grey z East LA, a prace z Catriną i calaverą znajdują się w jego portfolio. Freddy Negrete tatuował u boku Mahoney'ego w Shamrock Social Club od wczesnych lat 2000. Mjestter Cartoon, działający z SA Studios z fotografem Estevanem Oriolem, jest głównym węzłem transmisji słownictwa Chicano calavera i Catrina do kultury hip-hopowej i szerszej kultury komercyjnej lat 2000. Dzięki tym postaciom, wielkoformatowa Catrina w stylu black-and-grey stała się jedną z charakterystycznych kompozycji amerykańskiej pracy cienką linią, eksportowaną na cały świat za pośrednictwem mediów tatuażowych i Instagrama w latach 2010 (VERIFIED; DeMello 2000; Negrete 2016; skrosowana z Atlasem Mark Mahoney, Jacka Rudy'ego, a Freddy Negrete wpisy i archiwum tatuażu (Winston-Salem) zasoby SA Studios).

Elegancka śmierć kobieca: La Catrina kontra europejski Kostucha

Jedną z najbardziej użytecznych rzeczy do zrozumienia o La Catrinie jest to, czym ona jest nie, a najostrzejszym kontrastem jest zachodnioeuropejska personifikacja śmierci, Kostuch.

Europejski Kostuch, utrwalony w późnym średniowieczu taniec śmierci, wczesno-nowożytnej tradycji vanitas i współczesnej kulturze popularnej, to postać w kapturze, płaszczu, bez twarzy lub z czaszką na twarzy, niosąca kosę (a czasem klepsydrę), agent śmierci, który przychodzi zabierać żyjących, aby zbierać dusze. Kostuch jest groźny, surowy i, jeśli w ogóle ma płeć, konwencjonalnie odczytywany jako mężczyzna lub celowo bezpłciowy, bezosobowa siła. Jest on katem śmiertelności. Obraz podkreśla groźbę: kosa, która ścina, płaszcz, który ukrywa, zimne nadejście końca (POTWIERDZONE jako konwencjonalna zachodnia personifikacja; Holbein's 1538 taniec śmierci drzeworyty i szersza europejska tradycja; skrzyżowane z Tattoo History Atlas czaszka strona).

La Catrina jest postacią przeciwną w prawie każdym aspekcie, a kontrast nie jest przypadkowy. Jest ona wyraźnie i stanowczo kobieca. Jest elegancka raczej niż złowroga, odziana i opierzona, a nie okryta i kapturowana. Nie nosi kosy; przychodzi napromenadę, a nie po żniwa. Tam, gdzie Śmierć ukrywa twarz i ciało pod płaszczem, Catrina je obnaża, a cały sens oryginalnej satyry polega na widoczności szkieletu pod modą. Tam, gdzie Śmierć jest zewnętrznym agentem, który przychodzi po ciebie, Catrina jest bardziej lustrem: jest tym, czym już jesteś pod ubraniem, śmiercią nie jako nadchodzącym wrogiem, ale jako twoją własną prawdziwą twarzą. Meksykańska tradycja nie personifikuje śmierci jako zakapturzonej obcej z ostrzem; personifikuje śmierć jako elegancką damę na przyjęciu, a kulturowe podejście do niej jest odpowiednio inne, znajome, nawet czułe, z pewnością mniej przerażone (POTWIERDZONY kontrast; Brandes 1998; Brandes 2006; Carmichael i Sayer 1991).

Ta nacechowana płcią, elegancka, lustrzana, a nie egzekucyjna jakość sprawia, że Catrina tak naturalnie funkcjonuje jako kobieca figura śmierci i jako pomnik dla kobiet, a także dlaczego stała się narzędziem feministycznej reinterpretacji, co zostanie omówione w następnych sekcjach. Warto również zauważyć powiązaną, ale odrębną meksykańską postać ludową Święty Muerte ("Święta Śmierć"), ubraną w szkieletową postać kobiecą, czczoną jako święta ludowa, która jest inną postacią z inną historią (figura dewocyjna, ludowo-religijna, często synkretyczna, czasami kojarzona ze społecznościami zmarginalizowanymi i kryminalizowanymi) i nie należy jej mylić z La Catriną. Catrina jest świecką, kulturowo-artystyczną figurą wywodzącą się od Posady i Rivery; Santa Muerte jest ludowo-religijną, dewocyjną figurą. Obie są kobiecymi meksykańskimi personifikacjami śmierci, co często powoduje zamieszanie, ale ich pochodzenie i znaczenia są odrębne (POTWIERDZONY rozróżnienie; Brandes 2006 dla kontekstu Santa Muerte).

Chicana feministyczna rekultywacja

Specyficzne cechy Catriny – kobieca, elegancka, panująca nad sobą, figura śmierci, która nie jest ofiarą – uczyniły ją znaczącą postacią w chicana feministycznej sztuce i samoreprezentacji, a to odczytanie bezpośrednio prowadzi do znaczącej części współczesnej pracy tatuażystów z Catriną.

Gdzie większość zachodniej tradycji przedstawia śmierć jako męską lub jako siłę, która działa (często sfeminizowane) ciała, Catrina to kobieta, która jest śmiercią, na własnych warunkach, w pełnej krasie, panująca nad sceną. Artystki, pisarki i pracowniczki kulturalne Chicanas od czasów Chicano Movement, czyli od późnych lat 60. i 70. XX wieku, przejęły Catrinę (i szerszą tradycję calavera) jako symbol kobiecej siły, dumy kulturowej, oporu wobec asymilacji i bezkompromisowej tożsamości meksykańsko-amerykańskiej, dokładnie tej meksykańskości oryginalna Garbancera satyra obroniona przed eurofilskim wstydem. Catrina staje się w tym odczytaniu nie wyśmiewaną społeczną drabinką, ale postacią, która odmawia wspinaczki: kobietą, która jednocześnie, bez przeprosin, rości sobie prawo do swojego rdzennego i mestickiego dziedzictwa, swojej śmiertelności i swojej elegancji. Ten rejestr zawłaszczenia jest udokumentowany w badaniach nad kulturą Chicanas i sztuką Chicano, i jest częścią szerszego podniesienia kulturowego śledzonego w Marchi (2009) oraz w transformacji święta w Stanach Zjednoczonych (odczytanie MIXED do VERIFIED; Marchi 2009; literatura dotycząca sztuki Chicano i studiów Chicano).

Dla tatuażu, to odczytanie stanowi podstawę dla znacznej części prac, w których kobiety, często Meksykanki-Amerykanki, noszą Catrinę jako wyraz kulturowego i płciowego samostanowienia: duży tatuaż na plecach lub udzie przedstawiający Catrinę jako symbol odziedziczonego dziedzictwa i stawienia czoła śmierci na własnych warunkach. Jest to jedno z najbardziej ugruntowanych współczesnych zastosowań tej postaci, właśnie dlatego, że łączy elegancką damę z pierwotnym argumentem o tożsamości i pretensji, ale odwraca satyrę: tam, gdzie Garbancera była wyśmiewana za odrzucenie swoich korzeni, Catrina Chicanas celebruje je (VERIFIED jako znaczący współczesny rejestr; Marchi 2009).

Komercjalizacja: Widmo (2015) i Coco (2017)

Dwa dzieła masowej mediów z początku XXI wieku zrobiły więcej niż cokolwiek innego, aby przenieść La Catrinę i szerszy wizerunek Dnia Zmarłych do globalnego mainstreamu, z istotnymi późniejszymi efektami w zapotrzebowaniu na tatuaże.

Film o Jamesie Bondzie _Widmo_ (reżyseria Sam Mendes, Eon Productions i Metro-Goldwyn-Mayer, 2015) otwiera się rozszerzoną sekwencją osadzoną podczas obchodów Dnia Zmarłych w Meksyku, przedstawiającą dużą publiczną paradę postaci szkieletów, kostiumów Catriny i wyszukanych makijaży Catriny. Sekwencja ta była szeroko relacjonowana w międzynarodowej prasie jako zasadniczo tworząca wielkoskalową paradę Dnia Zmarłych przez centrum Meksyku, która wcześniej nie istniała w tej formie. Władze turystyczne Meksyku, reagując na globalną widoczność, jaką film wygenerował, zorganizowały prawdziwą, dużą publiczną Desfile de Día de Muertos (paradę Dnia Zmarłych) rozpoczynającą się w 2016 roku, rok po filmie, z gigantycznymi figurami Catriny, platformami i masowym udziałem w malowaniu twarzy. Parada przyciąga obecnie setki tysięcy widzów rocznie. Jest to udokumentowany i często zauważany przypadek, gdy hollywoodzka produkcja przedstawiająca tradycję generuje nową, rzeczywistą wersję tej tradycji (VERIFIED; współczesne międzynarodowe relacje prasowe o Widmo i następnej paradzie w Meksyku, 2015-2016; szersza teza Marchi o transformacji napędzanej przez media, 2009, przewiduje dokładnie tę dynamikę).

Animowany film Pixara _Coco_ (reżyseria Lee Unkrich i Adrian Molina, Pixar Animation Studios i Walt Disney Pictures, 2017) przeniósł pełny świat wizualny Dnia Zmarłych, most z płatków nagietka, ofrendy, twarze calavera, cempasúchil, krainę umarłych zamieszkaną przez szkielety, do ogromnej globalnej publiczności. Coco był sukcesem krytycznym i komercyjnym, zdobył Oscara za najlepszy film animowany i został szczególnie doceniony w Meksyku, gdzie stał się jednym z najbardziej dochodowych filmów w historii kraju. Chociaż Coco's szkielety to stylizowane animowane calaveras, a nie konkretna postać Catriny Rivera, film spopularyzował cały estetyczny świat Dnia Zmarłych i spowodował mierzalny wzrost zainteresowania wizerunkami calavera i Catriny na całym świecie, w tym w zapotrzebowaniu na tatuaże. (Wcześniejsza próba Disneya z 2013 roku zastrzeżenia znaku towarowego frazy "Día de los Muertos" w związku z filmem wywołała znaczną publiczną reakcję i została wycofana, epizod często cytowany w dyskusji o zawłaszczeniu poniżej.) (VERIFIED; współczesne relacje o Coco's premierze, odbiorze i kontrowersji związanej ze znakiem towarowym z 2013 roku).

Komercjalizacja jest obosieczna i strona naukowa powinna to jasno stwierdzić. Z jednej strony, Widmo i Coco wygenerowały autentyczne globalne uznanie, napędziły turystykę i dumę kulturową w Meksyku, i wprowadziły miliony do pięknej tradycji. Z drugiej strony, przyspieszyły oderwanie Catriny i calavera od ich specyficznych meksykańskich znaczeń, czyniąc z tej postaci globalnie krążącą estetykę dostępną dla każdego, co jest dokładnie warunkiem, który sprawia, że pytanie o zawłaszczenie jest żywe (VERIFIED napięcie; Marchi 2009 dla podstawowej dynamiki transformacji poprzez cyrkulację).

Dyskusja o zawłaszczeniu: uczciwe, oparte na źródłach omówienie

La Catrina jest jednym z motywów, gdzie pytanie o zawłaszczenie jest naprawdę żywe, a strona naukowa powinna potraktować je uczciwie, zamiast je odrzucać lub wydawać wyrok.

Argument, że makijaż Catriny i tatuaże Catriny wykonane przez osoby niebędące Meksykanami mogą stanowić zawłaszczenie, opiera się na specyficznym meksykańskim znaczeniu polityczno-historycznym. La Catrina nie jest generyczną panią szkielet; jest ona konkretnym meksykańskim dokumentem kulturowym. Została wyryta przez konkretnego meksykańskiego grafika (Posada) jako specyficzna satyra klasowo-rasowa ( Garbancera) pod konkretnym reżimem (Porfiriato), nazwana i wyniesiona przez konkretnego meksykańskiego malarza ściennego (Rivera) jako część konkretnego projektu nacjonalistycznego (po Rewolucji). meksykańskości), i zintegrowana ze specyficznym rdzenno-katolickim, synkretycznym świętem religijnym (Día de los Muertos). Regina Marchi (2009) dokumentuje zarówno głębokie znaczenie tego święta dla społeczności meksykańskich i meksykańsko-amerykańskich, jak i tarcia generowane, gdy jego wizerunki są przejmowane przez osoby z zewnątrz jako kostiumy lub dekoracje oderwane od tego znaczenia. Obawa nasila się, gdy postać jest traktowana wyłącznie jako estetyka „strasznie ładna” powiązana z Halloween, co zarówno ignoruje satyrę, jak i ryzykuje sprowadzenie znaczącej tradycji do generycznego stereotypu „meksykańskich rzeczy o śmierci” (POTWIERDZONA obawa; Marchi 2009; Brandes 2006).

Epizod z zastrzeżeniem znaku towarowego „Día de los Muertos” przez Disney w 2013 roku jest kanoniczną przestrogą: korporacja próbująca zawłaszczyć nazwę żywego ludowego święta do celów komercyjnych, wycofana dopiero po trwałym sprzeciwie publicznym. Epizod skrystalizował szerszą obawę, że obieg święta i postaci w globalnym handlu wydobywa wizerunki, jednocześnie odrywając je od społeczności i znaczenia, które je stworzyło (POTWIERDZONE; szeroko udokumentowana kontrowersja dotycząca znaku towarowego z 2013 r.).

Uczciwe kontrargumenty są również realne i powinny zostać przedstawione. La Catrina jest z założenia i z zamysłu Rivery postacią publiczną, polityczną, anty-elitarystyczną , której całe przesłanie brzmi, że śmierć należy do wszystkich równo; niektórzy meksykańscy artyści i komentatorzy kultury witają jej szeroki obieg jako rozprzestrzenianie się autentycznie meksykańskiego daru dla świata. Postać nie jest święta w taki sposób, jak ikona religijna; jest to świeckie dzieło artystyczno-polityczne. A granica między uznaniem a zawłaszczeniem nie jest wyznaczana wyłącznie przez pochodzenie etniczne, ale w dużej mierze przez zrozumienie, szacunek i relację: osoba niebędąca Meksykanką, która żyła w społeczności meksykańsko-amerykańskiej, która rozumie Garbancera „garbancera” i znaczenie „śmierć-wyrównywaczka” i nosi postać z tym zrozumieniem, zajmuje zupełnie inne miejsce niż ktoś, kto bierze ją jako estetykę z Pinteresta. Konsensus naukowy, o ile taki istnieje, nie brzmi „nikt spoza Meksyku nie może tego nosić”, ale „ta postać niesie specyficzne znaczenie, a znaczenie zasługuje na to, by je znać i szanować” (MIESZANE; Marchi 2009; Brandes 2006; bieżąca dyskusja społeczności).

Najbardziej ugruntowane użycia Catriny, te najmniej prawdopodobne do zarejestrowania jako zawłaszczenie i najbardziej prawdopodobne do uhonorowania postaci, są dwa: upamiętnienie (uhonorowanie konkretnej zmarłej osoby, zwłaszcza meksykańskiej lub meksykańsko-amerykańskiej krewnej, w ramach „śmierci-wyrównywaczki” i uhonorowania przodków, dla których postać została stworzona) i autentyczne uczestnictwo w Día de los Muertos (noszenie lub zaznaczanie postaci jako część faktycznego zaangażowania w święto i społeczność, która je podtrzymuje). Pracujący tatuażysta może przeprowadzić szczerą rozmowę z klientem o tym, jaki rejestr klient wybiera i czy rozumie, co oznacza postać, zanim igła dotknie skóry (POTWIERDZONA praktyczna pozycja; Marchi 2009).

Użycie pamiątkowe: uhonorowanie zmarłej krewnej

Jednym z najbardziej ugruntowanych i najczęstszych poważnych zastosowań La Catriny w tatuażu jest upamiętnienie, zwłaszcza upamiętnienie zmarłej kobiety.

Dopasowanie jest niemal idealne. Catrina jest kobietą, więc naturalnie zastępuje zmarłą matkę, babcię, córkę, siostrę lub ciotkę. Jest elegancka i godna, więc honoruje, a nie umniejsza. Jest postacią śmierci w tradycji, Día de los Muertos, której cały cel to kochające wspomnienie i ciągła relacja ze zmarłymi przodkami. I niesie znaczenie „śmierci-wyrównywaczki”, które w rejestrze upamiętniającym brzmi czule: ta kobieta, niezależnie od jej pozycji, jest teraz wśród uhonorowanych zmarłych, piękna w swoich kościach, powracająca każdego listopada, by być wspominaną. Tatuaż Catriny z banerem z imieniem babci i datami, otoczony jej ulubionymi kwiatami, jest jednym z najbardziej rezonujących kompozycji w całej tradycji calavera i umieszcza noszącego squarely w zamierzonej logice kulturowej postaci (POTWIERDZONE; Carmichael i Sayer 1991 dla ram uhonorowania przodków; Marchi 2009; Brandes 2006).

Upamiętniająca Catrina często nadaje postaci indywidualne cechy zmarłej, Catrina-portret, gdzie szkieletowa dama nosi twarz (lub półtwarz) konkretnej kobiety, której się honoruje, łącząc szablon Catriny z malowaną twarzą z realizmem portretu. Jest to technicznie wymagająca praca, prawie zawsze w dużym formacie czarno-szarym, i jest to jedno z najbardziej osobistych znaczących dzieł, jakie tworzy artysta z tradycji Chicano. Kompozycja zazwyczaj integruje otaczające słownictwo upamiętniające, baner z imieniem, daty, róże, nagietki, świece, czasami mały portret w insercie, w jedną spójną całość (POTWIERDZONY rejestr; Negrete 2016; DeMello 2000).

Połączenie z Fridą Kahlo

Szczególne współczesne połączenie warte omówienia osobno to La Catrina z Fridą Kahlo, jedno z najpopularniejszych meksykańskich połączeń tatuaży lat 2010. i 2020.

Połączenie ma prawdziwy historyczny punkt zaczepienia, nie tylko estetyczny. Frida Kahlo (1907-1954) była żoną Rivery, a Rivera namalował ją w swoim muralu z 1947 roku „Alameda”, stojącą bezpośrednio za młodym Riverą, z ręką na jego ramieniu i obok samej Catriny. Dwie kobiece postacie, elegancki szkielet i malarka w jej sukni Tehuana , stoją w zasięgu ręki na oryginalnym obrazie. Tak więc tatuaż Catrina i Frida jest, świadomie lub nie, częściową rekonstrukcją centralnej grupy z muralu Rivery (POTWIERDZONY punkt zaczepienia; Wolfe 1963; Museo Mural Diego Rivera).

Poza muralem, połączenie działa, ponieważ obie postacie stały się emblematami meksykańskiej tożsamości, kobiecej siły i niewzruszonej relacji z bólem i śmiertelnością, Frida poprzez swoje fizyczne cierpienie i sztukę, Catrina poprzez swoje dosłowne ucieleśnienie śmierci. Obie zostały również mocno skomercjalizowane (Frida prawdopodobnie nawet bardziej niż Catrina), a te same napięcia związane z zawłaszczeniem, które towarzyszą Catrinie, towarzyszą połączeniu z Fridą: postacie mogą być noszone z głębokim zrozumieniem lub jako oderwany skrót estetyczny „silnej Meksykanki”. Połączenie jest najbardziej ugruntowane, gdy noszący ma autentyczne powiązanie z treścią kulturową i artystyczną, zamiast traktować te dwie postacie jako wymienne ikony generycznego wzmocnienia (MIESZANE; połączenie dobrze udokumentowane w praktyce współczesnej; punkt zaczepienia muralu POTWIERDZONY przez Wolfe 1963).

Typowe połączenia i ich znaczenie

Catrina prawie zawsze pojawia się w większej kompozycji. Główne połączenia i ich interpretacje:

Catrina + róże. Najczęstsze połączenie, czerpiące z tej samej logiki śmierci i piękna co europejski czaszka i róża tradycji vanitas: piękno i ulotność róży w kontraście do śmiertelności szkieletu. W idiomacie czarno-szarego Chicano róże są zazwyczaj renderowane w tym samym stopniowanym szarym wash co postać, zintegrowane z kapeluszem, suknią i otaczającym tłem. Piękno i śmierć, elegancka dama wśród kwiatów (POTWIERDZONE; skrzyżowane z Tattoo History Atlas stroną o różach dla szerszej tradycji śmierci i róż).

Catrina + nagietki (cempasúchil). Nagietek jest kanonicznym kwiatem Dnia Zmarłych, kwiatem, którego zapach i kolor wierzy się, że prowadzą powracające duchy ścieżką płatków do ofrendy. Połączenie Catriny z nagietkami wyraźnie osadza ją w tradycji ołtarza Día de los Muertos, a nie w generycznej dekoracji, i jest jednym z oznaczeń wskazujących na autentyczne zaangażowanie w festiwal, a nie na oderwaną estetykę (POTWIERDZONE; Carmichael i Sayer 1991).

Catrina + baner z imieniem. Kompozycja upamiętniająca. Baner z imieniem i datami zmarłej osoby, prawie zawsze kobiety, zintegrowany z dziełem, przekształcający postać w specyficzne osobiste upamiętnienie w ramach uhonorowania przodków (POTWIERDZONE; Negrete 2016).

Catrina + Fridą Kahlo. Połączenie podwójnej ikony, osadzone w grupie z muralu z 1947 roku i w statusie obu postaci jako emblematów meksykańskiej tożsamości kobiecej, omówione w powyższej sekcji (POTWIERDZONY punkt zaczepienia; Wolfe 1963).

Catrina + świece. Czerpiąc z tradycji czuwania przy grobie i ofrendy świecy, światła zapalanego, by powitać i poprowadzić zmarłych. Wzmacnia to kontekst festiwalu i pamięci (ZWERYFIKOWANO; Carmichael i Sayer 1991).

Catrina + elementy cukrowej czaszki. Kompozycje Catriny często zawierają zdobione motywy cukrowych czaszek, oczy otoczone płatkami, kwiatowe filigranowe zdobienia, wygrawerowane detale czaszki, szczególnie w szablonie Catriny z malowaną twarzą. Tutaj dwa motywy wizualnie się nakładają; rozróżnienie (pełna postać kontra zdobiona twarz) omówiono powyżej i na cukrowa czaszka (ZWERYFIKOWANE nałożenie; Marchi 2009).

Catrina + wąż / boa z piór quetzala. Podążając za wyborem Rivery z 1947 roku, by dać Catrinie boa z pierzastego węża (Quetzalcóatl), niektóre kompozycje łączą szkielet w europejskim stylu z rdzenną mezoamerykańską ikonografią, ponownie podkreślając meksykańskości odczytania postaci (ZWERYFIKOWANO; dokumentacja muralu Rivery; Wolfe 1963).

Umiejscowienie: dlaczego Catrina potrzebuje dużego płótna

Wymagania kompozycyjne Catriny odróżniają jej opcje umiejscowienia od mniejszych motywów flash. Ponieważ kanoniczna postać jest pełnej długości i bogata w detale, umiejscowienie jest w dużej mierze kwestią tego, ile postaci zmieści płótno.

Plecy. Kanoniczne umiejscowienie dla kompletnej, pełnej postaci Catriny w tradycji Chicano black-and-grey. Plecy mieszczą całe eleganckie ciało, od głowy po dół sukni, pełny kapelusz z piórami, boa i otaczające je róże, nagietki i napisy. Tatuaż Catriny na plecach jest jednym z charakterystycznych dużych dzieł z linii East LA (ZWERYFIKOWANO; Negrete 2016; DeMello 2000).

Zewnętrzna strona uda. Druga kanoniczna lokalizacja w dużym formacie, dobrze nadająca się do pionowej, pełnej postaci i coraz częściej preferowana dla Catrin upamiętniających i odzyskujących tożsamość Chicana (kontekst ZWERYFIKOWANY).

Pełny rękaw. Ramię mieści pełną postać owiniętą pionowo, często zintegrowaną z szerszym rękawem w stylu Día de los Muertos lub Chicano, z calaveras, różami i ikonografią religijną (ZWERYFIKOWANO; Negrete 2016).

Łydka. Mieści pełną postać w nieco mniejszej skali niż plecy lub udo; powszechne miejsce dla samodzielnego tatuażu Catriny (kontekst ZWERYFIKOWANY).

Przedramię i górna część ramienia. Lepiej nadaje się do portretu Catriny, kompozycji głowy i ramion lub malowanej twarzy, niż do pełnej postaci, ponieważ mniejszy pionowy przebieg nie może pomieścić pełnej, odzianej postaci w czytelnej skali (ZWERYFIKOWANE wskazówki praktyczne).

Klatka piersiowa. Nadaje się do portretu Catriny lub postaci od pasa w górę w intymnym lub upamiętniającym kontekście, często w połączeniu z banerem z imieniem nad sercem (kontekst ZWERYFIKOWANY).

Podobnie jak w przypadku wszystkich prac wielkoformatowych, decyzja o umiejscowieniu ma realne konsekwencje techniczne, dotyczące trwałości i stylu, i jest to rozmowa, którą należy przeprowadzić z artystą przeszkolonym w danej tradycji. Pełna postać Catriny w stylu black-and-grey to praca wielosesyjna; skala, umiejscowienie i otaczająca kompozycja powinny być zaplanowane razem przed pierwszą sesją (ZWERYFIKOWANE stanowisko praktyczne; DeMello 2000; Negrete 2016).

Jak pomyśleć o zrobieniu tatuażu Catriny

Jeśli rozważasz tatuaż Catriny, kilka pytań ramowych pomoże uzyskać ugruntowane dzieło:

  1. Która Catrina? Pełna postać w sukni (linia muralu Rivery z 1947 roku, niosąca satyrę klasy Posady) czyta się inaczej niż twarz żywej kobiety pomalowana jak Catrina (nowoczesna tradycja malowania twarzy) i jeszcze inaczej niż upamiętniający portret Catriny (konkretnej zmarłej kobiety). Zdecyduj, o którą postać Ci chodzi, zanim zaczniesz rozmowę o projekcie.
  1. Czy wiesz, co ona znaczy? La Catrina to nie jest generyczny, ładny szkielet; to meksykańska postać polityczno-historyczna, której podstawowe znaczenie to śmierć jako wielki równościowy czynnik a jej pochodzenie to satyra klasowa Garbancera Posady. Znajomość znaczenia to różnica między uhonorowaniem postaci a jej spłyceniem.
  1. Jaki jest Twój związek z tą postacią? Najbardziej ugruntowane zastosowania to upamiętnienie (uhonorowanie zmarłej Meksykanki lub Meksykanki z Ameryki) i autentyczne uczestnictwo w Día de los Muertos. Jeśli jesteś spoza kultury meksykańskiej, kwestia przywłaszczenia jest żywa i warto ją szczerze przemyśleć, w rozmowie z artystą znającym tę tradycję.
  1. Jaka skala i umiejscowienie? Pełna postać wymaga dużego płótna (plecy, udo, rękaw, łydka); portret lub malowana twarz sprawdza się na przedramieniu lub klatce piersiowej. Zaplanuj skalę, umiejscowienie i otaczającą kompozycję razem.
  1. Jaki artysta? Catrina wykonana przez praktyka przeszkolonego w linii East LA Chicano black-and-grey będzie miała techniczne i kulturowe płynność, na jaką zasługuje ta postać. Jeśli tradycja ma dla Ciebie znaczenie, znajdź artystę, który się w niej szkolił. Linia ma znaczenie.

Pracujący artysta tatuażu może szczerze porozmawiać z Tobą o wszystkich pięciu kwestiach. Catrina jest jedną z najbardziej znaczących postaci w tradycji calavera, a dzieło, które poważnie traktuje jej znaczenie, jest dziełem, które trwa.

Źródła

  • Posada, José Guadalupe. Calavera Garbancera (rycina później znana jako La Catrina), cynkoryt, Meksyk, ok. 1910-1913, wydane przez Antonio Vanegasa Arroyo. Reprodukcje w domenie publicznej dostępne w Library of Congress i archiwum Posada-Vanegas Arroyo. Oryginalny druk i źródło postaci.
  • Franek, Patryk. Arkusze Posady: popularne obrazy Mexican, 1890 do 1910. University of New Mexico Press, 1998. Standardowe opracowanie naukowe praktyki Posady, gospodarki druków Vanegasa Arroyo i gatunku calavera broadsheet.
  • Brenner, Anita. Idole za ołtarzami. Payson and Clarke, 1929. Fundamentalne opracowanie, które przedstawiło Posadę międzynarodowej publiczności i pozycjonowało go jako wizualnego przodka ruchu meksykańskich muralistów.
  • Rivera, Diego. Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central („Sen niedzielnego popołudnia w parku Alameda Central”), 1947. Mural pierwotnie w Hotel del Prado, Meksyk; przeniesiony po trzęsieniu ziemi we wrześniu 1985 r. i zainstalowany w specjalnie zbudowanym Museo Mural Diego Rivera w 1988 r. Dzieło, które nadało nazwę „La Catrina” i nadało jej pełną, elegancką postać; obraz źródłowy dla większości tatuaży Catriny.
  • Wolfe’a, Bertrama D. Fantastyczny Life z Diego Rivera. Stein and Day, 1963. Główne anglojęzyczne biografie Rivery; dokumentacja muralu z 1947 r., jego centralnej grupy Catrina-Posada-Rivera-Kahlo i wczesnych kontrowersji.
  • Brandes, Stanley. „Iconography in Mexico's Day of the Dead: Origins and Meaning.” Etnohistoria 45, nr 2 (1998): 181-218. Główne opracowanie naukowe satyry calavera i znaczenia śmierci jako równościowego czynnika .
  • Brandesa, Stanley. Czaszki dla żywych, chleb dla umarłych: Day umarłych w Mexico i Beyond. Blackwell Publishing, 2006. Antropologiczne opracowanie znaczenia, historii i transformacji święta, w tym Catriny i Santa Muerte.
  • Carmichael, Elizabeth, i Chloë Sayer. Szkielet na uczcie: Day umarłych w Mexico. British Museum Press, 1991. Standardowe anglojęzyczne opracowanie naukowe święta, ofrendy, calavera i powojennej (po rewolucji) promocji ikonografii Posady.
  • Marchi, Regina M. Dzień Zmarłych w USA: Migracja i Transformacja Fenomenu Kulturowego. Rutgers University Press, 2009. Główne opracowanie ewolucji święta w Stanach Zjednoczonych, tradycji malowania twarzy Catriny, komercjalizacji i dyskusji o zawłaszczeniu.
  • Govenar, Alan „Zmienne Konteksty Tatuażu Chicano”. W: Marks z Civilization, red. Arnold Rubin. UCLA Museum of Cultural History, 1988. Podstawowa dokumentacja tradycji tatuażu Chicano z East LA i jego słownictwa motywów.
  • DeMello, Margo. Bodies z Inscription: Historia kulturowa społeczności tatuażu Modern. Duke University Press, 2000. Kontekst kulturowo-historyczny dla linii czarno-szarego tatuażu Chicano i jego kompozycji calavera i Catrina.
  • Negrete, Freddy i Steve Jones. Smile Now, Cry Later: Guns, Gangs i tatuaże. My Life w kolorze Black i szarym. Seven Stories Press, 2016. Przedmowa Luis Rodriguez. Główne wspomnienie sceny czarno-szarego tatuażu Chicano z East LA, z omówieniem tradycji calavera i Catriny.
  • Tattoo Archive (Winston-Salem). Zbiory dotyczące Good Time Charlie's Tattooland, Jacka Rudy'ego, Freddy'ego Negrete, Marka Mahoney'ego, czarno-szarego tatuażu Chicano, SA Studios i tradycji więziennej Chicano (Pinto).

Redakcja

Opracował Johna J. Mayo III, Redaktor, Tattoo History Atlas. Ta strona odzwierciedla obecny kanon według daty ostatniego przeglądu powyżej i jest odświeżana co kwartał. Jest to uzupełnienie strony o cukrowa czaszka ; tam, gdzie te dwa motywy się nakładają (ozdobiona twarz, ołtarz Día de los Muertos), ta strona odsyła do tamtej i koncentruje się na pełnopostaciowej Catrinie Posady-Rivera.

Znaleziono błąd lub masz źródło do dodania? Prześlij do Archiwum. Przyjęte wkłady zdobywają Archive XP i uznanie (z możliwością rezygnacji).