Kwiat Wiśni (Sakura) w Historii Tatuażu

Kwiat wiśni (Sakura, 桜) to kanoniczny motyw sezonowy klasycznego japońskiego irezumi (入れ墨), nieoficjalny kwiat narodowy Japonii i wizualny emblemat mono nie jestem świadomy (物の哀れ, „patos rzeczy”), koncepcja estetyczna sformalizowana przez Motoori Norinagę (1730 do 1801) w jego XVIII-wiecznym Kojiki-den komentarzu. Tradycja Hanami (花見, „oglądanie kwiatów”) jest udokumentowana od okresu Heian (794 do 1185 n.e.), kiedy elity gromadziły się pod kwitnącymi drzewami, aby zaznaczyć krótki szczyt wiosny. Utagawa Kuniyoshi (1797 do 1861) osadził sakurę w słownictwie tatuaży wojowników w swojej serii drzeworytów z lat 1827-1830 „Tsūzoku Suikoden gōketsu hyakuhachinin no hitori” a obraz przeniósł się z papieru na skórę za sprawą hlubishi z Edo. Samurajowie odczytywali opadający kwiat jako śmierć wojownika u szczytu życia. Amerykańscy tradycyjni i współcześni wykonawcy przyswoili sakurę poprzez kanał Sailor Jerry do Horihide (lata 60.) i praktykę Don Ed Hardy'ego w Gifu w 1973 roku. Horiyoshi III z Jokohamy pozostaje jego najbardziej udokumentowanym na świecie żyjącym interpretatorem.

Co oznacza tatuaż z kwiatem wiśni?

Tatuaż z kwiatem wiśni najczęściej odczytywany jest jako piękno, nietrwałość i przemijanie życia. Najgłębszym kulturowym kotłem motywu jest Japonia: w klasycznym irezumi Sakura (桜) ucieleśnia mono nie jestem świadomy (patos rzeczy), świadomość, że piękno ma znaczenie właśnie dlatego, że nie trwa. Klasa samurajów odczytywała opadający kwiat jako idealną śmierć wojownika, u szczytu życia, a nie w powolnym upadku. We współczesnej zachodniej sztuce tatuażu kwiat wiśni niesie to samo odczytanie nietrwałości, często w połączeniu z wyraźnym ujęciem „żyj chwilą”, które japońska tradycja dostarcza poprzez tradycję Hanami oglądania kwiatów, udokumentowaną od okresu Heian (794 do 1185 n.e.).

Co symbolizuje tatuaż sakura?

Tatuaż sakura symbolizuje kruchość chwili obecnej, odnowę wiosenną i estetykę piękna-ponieważ-przemija. Japońska koncepcja kulturowa, która kształtuje symbolikę, to mono nie jestem świadomy, sformalizowana przez uczonego okresu Edo Motoori Norinagę (1730 do 1801) w jego Kojiki-den komentarzu do Kojiki (712 n.e.), najstarszego zachowanego kroniki Japonii. Krótki okres kwitnienia kwiatu (zwykle jeden do dwóch tygodni, w zależności od odmiany i regionu) jest faktem strukturalnym u podstaw symboliki: sakura kwitnie, osiąga szczyt i opada w ciągu jednego krótkiego okresu. Motyw ten kompresuje ten cykl w jednym widocznym obrazie.

Skąd się wziął tatuaż z kwiatem wiśni?

Kwiat wiśni wszedł do współczesnej ikonografii tatuażu poprzez japońską tradycję irezumi, udoskonaloną w okresie Edo (1603 do 1868) poprzez kulturę drzeworytów i hlubishi handlu. Decydującym podłożem ikonograficznym jest seria Utagawy Kuniyoshiego z lat 1827–1830 „Tsūzoku Suikoden gōketsu hyakuhachinin no hitori” („108 bohaterów popularnej Opowieści o bohaterach zza wody, jeden po drugim”), która włączyła sakurę do słownictwa kompozycyjnego tatuaży wojowników. Katsushika Hokusai (1760–1849) i Utagawa Hiroshige (1797–1858) wzmocnili szerszy leksykon wizualny sakury poprzez swoje korpusy grafik krajobrazowych. Motyw ten trafił do amerykańskiego flashu tatuażu poprzez korespondencję Normana Collinsa (Sailor Jerry) z lat 60. z Kazuo Ogurim (Horihide) z Gifu oraz poprzez pięciomiesięczną praktykę Hardy'ego w Gifu w 1973 roku.

Co oznacza tatuaż gałęzi wiśni?

Tatuaż gałęzi wiśni rozszerza symbolikę pojedynczego kwiatu na kompozycję obejmującą ciemną gałąź, z której wyrastają kwiaty. Kontrast ciemnej gałęzi z różowymi kwiatami to kanoniczna japońska kompozycja horimono: gałąź (często wykonana czarnym nasyceniem tebori) stanowi kręgosłup strukturalny, podczas gdy kwiaty dostarczają rejestru sezonowego. Gałąź odczytywana jest jako podstawowa ciągłość (drzewo trwa), a kwiaty jako przemijająca powierzchnia (kwiaty opadają). Kompozycja jest funkcjonalnie medytacją nad trwałością i nietrwałością, połączoną w jednym obrazie. W tatuażach typu bodysuit gałąź zazwyczaj rozciąga się przez plecy lub rękaw w ciągłej, płynnej formie, z poszczególnymi kwiatami dopasowanymi do dostępnej skóry.

Co oznacza japoński tatuaż z kwiatem wiśni dla mężczyzn?

Japoński tatuaż wiśni na męskim ciele niesie to samo znaczenie ikonograficzne, co na ciele każdej osoby: piękno, nietrwałość, etyka samurajów akceptujących śmierć u szczytu życia. Motyw ten nie jest ograniczony płciowo w klasycznym japońskim irezumi. Sakura pojawia się szeroko w męskich kompozycjach bodysuit horimono jako keshoublubi (wtórny motyw atmosferyczny ustalający sezon), często w parze z postaciami samurajów, koi, smokami lub bohaterami Suikoden, których Kuniyoshi skrystalizował w 1827 roku. Skojarzenie z samurajami jest szczególnie rezonujące dla męskich nosicieli czerpiących z rejestru wojownika: opadający kwiat jest akceptowaną śmiercią samuraja, bushido objęcie śmiertelności. Amerykańskie przekazanie po 1973 roku poprzez Dona Ed Hardy'ego i współczesną linię Horiyoshiego III wyprodukowało obszerne męskie tatuaże sakura typu bodysuit udokumentowane w katalogu wystawy Japanese American National Museum z 2014 roku Wytrwałość .

Gdzie umieścić tatuaż z kwiatem wiśni?

Częste umiejscowienia niosą ze sobą różne implikacje wizualne i tradycyjne. Klasyczne japońskie umiejscowienie horimono integruje sakurę z większą kompozycją bodysuit (całe plecy, rękaw lub cały bodysuit), gdzie gałąź podąża za naturalnymi krzywiznami ciała, a kwiaty wypełniają negatywną przestrzeń wokół głównego tematu ( shudai jak smok, koi lub postać samuraja). Umiejscowienia na pół-rękawie i całym rękawie dostosowują kompozycję gałęzi i kwiatów do ramienia. Umiejscowienia na przedramieniu często wykorzystują ciaśniejszą kompozycję opadających płatków bez pełnej gałęzi. Umiejscowienia na plecach mieszczą duże gałęzie z wieloma aranżacjami kwiatów. Mniejsze pojedyncze kwiaty lub ślady płatków sprawdzają się na nadgarstku, kostce lub za uchem. Omów umiejscowienie ze swoim artystą; sakura jest technicznie wymagającą pracą, a skala kształtuje dostępną głębię ikonograficzną.

Japoński kontekst kulturowy: sakura, hanami i nieoficjalny kwiat narodowy

Kwiat wiśni jest nieoficjalnym kwiatem narodowym Japonii. Oznaczenie to nie jest prawne (Japonia nie ma ustawowo wyznaczonego kwiatu narodowego), ale jest kulturowe i praktycznie uniwersalne w japońskim społeczeństwie. Sakura pojawia się na monecie 100-jenowej, na insygniach Sił Samoobrony Japonii, na niezliczonych emblematach komercyjnych i obywatelskich oraz w kalendarzu sezonowym prawie każdej japońskiej instytucji, od korporacji po szkoły. Front kwitnącej wiśni (Sakura zensen), ruchoma linia kwitnącej sakury przesuwająca się na północ przez archipelag japoński od końca marca do początku maja, jest prognozowana corocznie przez Japońską Agencję Meteorologiczną i śledzona w mediach krajowych równie uważnie, jak prognozy pogody w innych krajach.

Tradycja Hanami (花見, dosłownie „oglądanie kwiatów”) to praktyka społeczna, która zakotwicza kwiat wiśni w japońskim życiu kulturalnym. Udokumentowane od okresu Heian (794–1185 n.e.), Hanami początkowo odnosiło się do oglądania kwiatów śliwy (um), ale przesunęło się na kwiaty wiśni pod koniec okresów Heian i Kamakura (1185–1333 n.e.). Klasyczna praktyka okresu Heian obejmowała tworzenie arystokratycznych wierszy pod kwitnącymi drzewami, z kwiatami dostarczającymi sezonowego kigo (季語, słowo sezonowe) do poezji waka i tanka z tego okresu. Rozbudowa okresu Edo (1603–1868) rozszerzyła hanami na zwykłych ludzi poprzez kultywację publicznych sadów wiśniowych przez szogunat Tokugawa w Ueno, Asakusie i nad brzegami rzeki Sumida, miejsc, które pozostają kanonicznymi miejscami hanami w XXI-wiecznym Tokio.

Rola drzewa wiśni jako symbolu odnowy wiosennej jest strukturalnie osadzona w słownictwie motywów sezonowych, które dzielą klasyczne japońskie sztuki (poezja, malarstwo, ceramika, tekstylia, irezumi). W ramach tego wspólnego słownictwa sakura sygnalizuje wiosnę; irys (ayame lub shōbu) sygnalizuje wczesne lato; liść klonu (momiji) sygnalizuje jesień; chryzantema (Kiku) sygnalizuje późną jesień i długowieczność; sosna (matsu) sygnalizuje zimową stałość. Kompozycja zawierająca sakurę sygnalizuje wiosnę; kompozycja łącząca sakurę z momiji sygnalizuje pełny cykl roczny skompresowany w jednym obrazie (wiosna spotyka jesień).

Koncepcja estetyczna, która nadaje sakurze wagę filozoficzną, to mono nie jestem świadomy (物の哀れ), często tłumaczone jako „patos rzeczy” lub „gorzko-słodka świadomość nietrwałości”. Zwrot ten został sformalizowany pod koniec XVIII wieku przez uczonego kokugaku Motoori Norinagę (1730–1801) w jego komentarzu do „ Opowieści o Genji ” Murasaki Shikibu (ok. 1010 n.e.) oraz w jego magnum opus Kojiki-den (1798), 44-tomowym komentarzu do Kojiki (712 n.e.), który ustanowił kokugaku jako główny ruch intelektualny. Norinaga argumentował, że mono nie jestem świadomy była centralnym wrażeniem estetycznym i etycznym klasycznej literatury japońskiej: łagodna melancholia towarzysząca świadomości ulotnego piękna, ani nieodparta, ani nieopłakiwana, ale po prostu rejestrowana. Kwiat wiśni jest kanonicznym wizualnym emblematem tej koncepcji. Kwiat jest piękny, bo opada.

Samuraj i kwiat wiśni: bushido i przyjęcie w czasie wojny

Klasa samurajów rozwinęła szczególny interpretacyjny związek z kwiatem wiśni, który rozciąga się od okresu średniowiecza, przez wczesny okres nowożytny Edo, aż po współczesny okres wojny. Podstawowa interpretacja jest prosta: samuraj akceptował śmierć u szczytu życia, zamiast w powolnym upadku, równolegle do sposobu, w jaki kwiat opada u szczytu swojego kwitnienia, zamiast więdnąć na gałęzi. Hagakure („W cieniu liści”, skompilowane ok. 1709–1716 z dyktanda Yamamoto Tsunetomo, 1659–1719, wasala domeny Saga), najczęściej cytowana pisemna artykulacja tego, co późniejsi czytelnicy nazywają bushidō, wielokrotnie przywołuje obraz opadającego kwiatu jako wzór idealnego końca samuraja. „Bushidō” najczęściej kojarzone z tą interpretacją jest samo w sobie bardziej sporne, niż pozwalają na to popularne źródła: Oleg Benesch w Wynalezienie drogi Samurai (Oxford University Press, 2014) dokumentuje, że skodyfikowane „siedmiocnotliwe kodeksy samurajskie”, do których odnosi się większość ludzi Zachodu, są w dużej mierze konstrukcją okresu Meiji i XX wieku, a nie nieprzerwaną doktryną średniowieczną. Zobacz stronę Samurai Pocket Guide po pełne omówienie debaty Hagakure-Nitobe-Benesch.

Klasyczna interpretacja samurajsko-sakurystyczna jest ikonograficznie gęsta w kulturze wizualnej okresu Edo (1603–1868). Zbroje samurajskie, okucia mieczy (tsuba osłony miecza i menuki ozdoby rękojeści) oraz herby szlacheckich rodów (pon) rutynowo zawierały stylizowane formy sakury. Kultywacja publicznych sadów wiśniowych przez szogunat Tokugawa (Ueno, Asakusa, Sumida) funkcjonowała zarówno jako rozrywka ludowa, jak i symboliczne oświadczenie państwowe: panująca klasa wojskowa kojarzyła się z odnową sezonową narodu. Tradycja bohaterów Suikoden, którą Kuniyoshi skrystalizował w 1827 roku, wyraźnie łączy postacie wojowników z tłem sakury, oznaczając kompozycję wojownik-i-kwiat jako stabilną konwencję ikonograficzną do połowy XIX wieku.

Przyjęcie w czasie wojny przez kamikaze (omówić uczciwie)

Interpretacja samurajsko-sakurystyczna została rozszerzona i upolityczniona podczas wojny na Pacyfiku (1941–1945) przez Cesarską Armię Japońską, szczególnie przez Tokkōtai (特攻隊, „specjalne jednostki szturmowe”), powszechnie znane w języku angielskim jako piloci kamikaze. Tokkōtai przyjęli sakurę jako swój osobisty emblemat, ponieważ krótkie, całkowite poświęcenie życia kwiatu równało się etyce kamikaze akceptującej śmierć w służbie państwu. Samoloty były malowane motywami sakury; piloci nosili opaski i naszywki z wizerunkiem sakury; Tokkōtai ceremonie pożegnalne były strukturyzowane wokół wizerunków sakury i poezji o tematyce sakury. Operacje Tokkōtai w latach 1944–1945 przeciwko alianckim siłom morskim, szczególnie podczas bitwy o Okinawę (kwiecień–czerwiec 1945), wyprodukowały obszerne fotografie dokumentalne samolotów i personelu z oznaczeniami sakury.

Jest to prawdziwe, dobrze udokumentowane powiązanie historyczne. Jest to główny powód, dla którego niektórzy zachodni obserwatorzy w okresie bezpośrednio po wojnie kojarzyli wizerunki sakury z militaryzmem. Uczciwe ujęcie kontekstowe składa się z trzech elementów.

Po pierwsze, wojenne Tokkōtai użycie sakury było specyficznym politycznym zawłaszczeniem z lat 1944–1945 istniejącego już symbolu kulturowego, a nie jego pochodzeniem. Znaczenie kulturowe sakury jest zakotwiczone w tradycji hanami z okresu Heian, w średniowiecznej interpretacji bushidō samurajów i w słownictwie kompozycyjnym horimono z okresu Edo, z których wszystkie poprzedzają okres wojenny o wieki.

Po drugie, powojenna japońska tradycja sakury trwa w wyraźnie niemilitarnym rejestrze. Sezonowy front kwitnącej wiśni, współczesne pikniki hanami w Ueno, Shinjuku Gyoen i Parku Maruyama, korporacyjne marki sakury, czas ukończenia szkoły średniej zbiegający się z szczytem kwitnienia: nic z tego nie niesie ze sobą wojennego rejestru politycznego. Sakura jest kanonicznym symbolem sezonowym współczesnej Japonii i nie jest politycznie oznaczona w krajowym odbiorze japońskim.

Po trzecie, współczesny motyw sakury w irezumi dziedziczy pełne słownictwo horimono z okresu Edo, a nie użycie wojenne. Kwiat wiśni w współczesnej kompozycji bodysuit z linii Horiyoshiego III nawiązuje do serii Suikoden Kuniyoshiego z 1827 roku, a nie do Tokkōtaiz 1945 roku. Praktycy i klienci powinni wiedzieć, że okres wojenny istnieje jako kontekst historyczny (podobnie jak strona o smokach na tej Atlasie traktuje konfigurację podziemną yakuza-irezumi po 1872 roku w Rozdziale 6: Pochodzenie: jako udokumentowaną fazę historyczną, a nie współczesną ramę definiującą).

Uczciwa praktyka polega na poznaniu pełnej historii i odrzuceniu obu skrajności: odrzuceniu spłaszczania sakury do czystego militaryzmu (nie jest) i odrzuceniu udawania, że przyjęcie wojenne nie miało miejsca (miało). Atlas traktuje obie interpretacje jako historycznie realne i historycznie specyficzne.

Podłoże okresu Edo ukiyo-e: Kuniyoshi, Hokusai, Hiroshige

Współczesne słownictwo ikonograficzne sakury tatuażu pochodzi bezpośrednio z kultury drzeworytów okresu Edo (1603–1868), gdzie kwiat wiśni jest jednym z najczęściej przedstawianych motywów w całym korpusie ukiyo-e. Trzech artystów stanowi główne podłoże.

Utagawa Kuniyoshi (1797–1861) jest decydującą postacią dla samej tradycji irezumi. Jego seria „Tsūzoku Suikoden gōketsu hyakuhachinin no hitori” („108 bohaterów popularnej Opowieści o bohaterach zza wody, jeden po drugim”), zaprojektowana między 1827 a ok. 1830 rokiem i wydana przez wydawcę Kagaya Kichiemona, przedstawia bohaterów chińskiej powieści ludowej z XIV wieku Shuihu zhuan (japoński Suikoden) jako gęsto wytatuowanych wojowników. Gałęzie sakury i opadające płatki pojawiają się szeroko w serii jako elementy sezonowe i atmosferyczne, często zintegrowane z wytatuowanymi smokami, koi i peoniami, które definiowały rodzącą się gramatykę kompozycyjną horimono tamtego okresu. Grafiki stały się popularne wśród robotniczej części męskiej populacji Edo, a obrazy przeniosły się bezpośrednio ze strony na skórę za pośrednictwem hlubishi z Edo i Osaki. Szerszy korpus Kuniyoshiego, w tym jego tryptyki kompozycji wojowników, jego seria Hyaku Monogatari (Sto opowieści o duchach) i jego późne grafiki aktorskie, wszystkie zawierają fragmenty sakury, które wpłynęły na szersze słownictwo wizualne irezumi.

Katsushika Hokusai (1760–1849), starszy mistrz ukiyo-e, którego Thirty-six Views z Mount Fuji (Fugaku Sanjūrokkei, zaprojektowana w latach 1830–1832, z dziesięcioma dodatkowymi tablicami dodanymi w latach 1833–1834) jest najsłynniejszą na świecie serią krajobrazową w tradycji ukiyo-e, zawierającą kompozycje z sakurą wśród jego szerszych prac krajobrazowych i figuralnych. Sama seria o Górze Fuji nie przedstawia sakury jako głównego tematu, ale szersze prace Hokusai'a Hokusai Manga (piętnaście tomów, 1814–1878) oraz jego niezależne druki kwiatowo-ptasie (kacho-ga) zawierają obszerne kompozycje z sakurą, które wpłynęły na wspólny leksykon wizualny epoki. Zasady kompozycyjne Hokusai'a, zwłaszcza jego integracja elementów naturalnych w ciągłe pola malarskie, ukształtowały sposób, w jaki późniejsi praktycy horimono aranżowali sakurę w pracach na całe ciało.

Utagawa Hiroshige (1797–1858) to trzecia fundamentalna postać ukiyo-e. Jego Meisho Edo Hyakkei („Sto słynnych widoków Edo”, 1856–1858) zawiera wiele tablic z kwitnącymi wiśniami dokumentujących miejsca hanami w Edo w XIX wieku: brzegi rzeki Sumida, park Ueno, Asakusa, Goten-yama. Wcześniejsze prace Hiroshige'a Tōkaidō Gojūsan-tsugi („Pięćdziesiąt trzy stacje Tōkaidō”, 1833–1834) i jego Kisokaidō Rokujūkyū-tsugi (seria wspólna z Keisai Eisenem, 1835–1838) zawierają kompozycje z sakurą dokumentujące sezonowe przejścia wzdłuż autostrad Tōkaidō i Kisokaidō. Styl kompozycyjny Hiroshige'a (atmosferyczny kolor, zintegrowany krajobraz, specyfika sezonowa) stanowił inny rejestr niż prace Kuniyoshiego skupione na wojownikach i znacząco przyczynił się do szerszego nasycenia kulturowego wizerunkami sakury w kulturze wizualnej późnego Edo.

Wszystkie prace tych trzech artystów są dziś dostępne w głównych kolekcjach muzealnych (Museum of Fine Arts w Bostonie, British Museum w Londynie, Brooklyn Museum, Edo-Tokyo Museum, Hagi Uragami Museum), poprzez przedruki Hardy Marks i dostęp do archiwów cyfrowych. Współcześni praktycy horimono, szkoleni w klasycznej tradycji, rutynowo konsultują ten materiał przy projektowaniu kompozycji z sakurą.

Klasyczna tradycja irezumi: sakura jako keshoubori

W gramatyce kompozycyjnej klasycznych prac horimono na całe ciało, sakura funkcjonuje jako keshoublubi (化粧彫り, „wtórny motyw tworzący atmosferę i sezon”) zamiast jako shudai (主題, „główny temat”). Rozróżnienie jest strukturalne. Klasyczny tatuaż irezumi na całe ciało ma główny temat (często smok, koi, bohater samurajski, buddyjskie bóstwo opiekuńcze jak Fudō Myō-ō, lub wojownik z Suikoden), który zajmuje główne pole pleców. Wokół i na głównym temacie, keshoublubi wypełniają przestrzeń negatywną i dostarczają rejestru sezonowego, atmosferycznego i narracyjnego: chmury, woda, wiatr, płomienie, opadające płatki, gałęzie, rozproszone elementy kwiatowe.

Rola sakury jako wiosennego keshoublubi jest jedną z najbardziej stabilnych konwencji w całym słownictwie irezumi. Tatuaż na całe ciało zawierający sakurę sygnalizuje, że kompozycja odbywa się wiosną; tatuaż na całe ciało łączący sakurę z liśćmi klonu (momiji) sygnalizuje pełny cykl roczny skompresowany w jednym obrazie; tatuaż na całe ciało łączący sakurę z chryzantemami (Kiku) sygnalizuje okres od wiosny do późnej jesieni. Słownictwo sezonowe jest precyzyjne i traktowane jako umiejętność rzemieślnicza w tradycji horimono.

Klasyczna technika pracy z sakurą to teblubi (手彫り, „ręczne rzeźbienie”), ręcznie trzymany bambusowy lub metalowy uchwyt wyposażony w wiele igieł połączonych w określone konfiguracje. Tebori daje nasycony kolor i subtelne przejścia, które odróżniają tradycyjne prace na całe ciało, a technika ta pozostaje główną metodą nasycania kolorem w klasycznym horimono, nawet jeśli kontury są obecnie często nakładane maszynowo w technice hybrydowej, którą Horiyoshi III przyjął pod koniec lat 90. po swojej wieloletniej przyjaźni z Donem Ed Hardym.

Techniczne sygnatury klasycznego irezumi z sakurą obejmują:

Gradient koloru od różowego do białego uzyskany poprzez warstwowe cieniowanie tebori zamiast jednolitego różowego wypełnienia, dający lekko świetlisty efekt, z którego znana jest klasyczna praca.
Struktura pięciopłatkowego kwiatu odpowiadająca rzeczywistości botanicznej Prunus serrulata i pokrewnych japońskich gatunków wiśni, z każdym płatkiem lekko różniącym się kształtem, a nie mechanicznie identycznym.
Kontrast ciemnej gałęzi z gałęzią wykonaną w głębokiej, nasyconej tebori czerni lub prawie czerni, stanowiącą szkielet strukturalny, na tle którego czyta się kolor kwiatu.
Szlak opadających płatków wykonany jako rozproszone pojedyncze płatki w przestrzeni negatywnej kompozycji, dostarczający ruchu i odczytu „kwiatów porwanych przez wiatr”.
Integracja z tłem wiatru i wody (namifuri (wiatr i woda), kumo (chmury), tak aby sakura była osadzona w ciągłym polu malarskim, a nie unosiła się na nieoznaczonej skórze.
Spójność sezonowa z innymi elementami kompozycji: kompozycja sakura-i-smok implikuje wiosennego smoka, a nie ogólnego smoka; kompozycja sakura-i-koi implikuje wiosennego koi wspinającego się po Smoczej Bramie.

Kompozycje z bohaterami Suikoden, które Kuniyoshi skrystalizował w latach 1827–1830, rutynowo zawierają sakurę jako keshoubori wokół postaci wojowników, a współcześni horishi projektujący prace na całe ciało nadal czerpią z tych kompozycji przy tworzeniu dzisiejszych horimono z sakurą. Korpus prac Horiyoshi III na całe ciało, udokumentowany na wystawie Japanese American National Museum w 2014 roku Wytrwałość: Japanese Tattoo Tradycja w Modern World (kurator Takahiro Kitamura, zdjęcia Kip Fulbeck) oraz w księgach rysunków mistrza z Jokohamy (100 Demons z Horiyoshi III, Nihonshuppansha 1998; 108 Heroes z Suikoden, Nihonshuppansha ok. 2009–2010), pokazuje konwencję w jej najwyższym współczesnym dopracowaniu.

Amerykańska transmisja: Sailor Jerry, Horihide, Hardy

Sakura trafiła do amerykańskiego flashu tatuażowego głównie przez kanał japońskiego irezumi, poprzez udokumentowany most Pacyfiku, który prowadzi od Normana Collinsa (Sailor Jerry) do Kazuo Oguri (Horihide) do Dona Ed Hardy'ego. Etapy transmisji są dobrze udokumentowane w zapisach epoki.

Norman „Sailor Jerry” Collins (1911–1973) prowadził swój sklep przy Hotel Street w Honolulu od lat 30. XX wieku do swojej śmierci w 1973 roku. Na początku lat 60. Collins nawiązał stałą transoceaniczną korespondencję z Kazuo Oguri („Gifu Horihide”), wymieniając się flashem, fotografiami, notatkami technicznymi i formułami pigmentów. Korespondencja zaowocowała pierwszym szeroko rozpowszechnionym amerykańskim-tradycyjnym flashem z sakurą: wiśniami o grubym konturze, wykonanymi w ograniczonej, wysoko nasyconej palecie amerykańskiego tradycyjnego stylu, ale skomponowanymi zgodnie z logiką integracji w większe kompozycje, którą Collins przyswoił z japońskiej tradycji. Flash z Hotel Street Collinsa, w tym jego projekty sakury, jest udokumentowany w redagowanym przez Dona Ed Hardy'ego tomie Sailor Jerry Tattoo Flash: Rise i Shine, Vol. 1 (Hardy Marks Publications, 2002) oraz w szerszym archiwum marki Sailor Jerry (produkt spirytusowy William Grant and Sons od 2008 roku nadal licencjonuje projekty Collinsa).

Don Ed Hardy przeniósł tę transmisję dalej poprzez swoje pięciomiesięczne praktyki w Gifu w Japonii u Kazuo Oguri w 1973 roku. Praktyki te są udokumentowane we wspomnieniach Hardy'ego Wear Your Dreams: My Life w tatuażach (z Joelem Selvinem, Thomas Dunne Books, 2013) oraz we wcześniejszych pismach Hardy'ego w pięciu tomach Tattoo Time (Hardy Marks Publications, 1982–1991). Hardy wrócił z Gifu ze znajomością klasycznej gramatyki kompozycyjnej horimono, w tym konwencji sezonowego keshoubori z sakurą, i zastosował ją w swojej praktyce w Realistic Tattoo (założone w 1974 r.) i Tattoo City w San Francisco. Sakura w stylu Hardy'ego jest głównym amerykańskim kanałem instytucjonalnym, przez który klasyczna japońska ikonografia sakury weszła do amerykańskiego renesansu tatuażu po 1970 roku.

Hlubiyoshi III (Yoshihito Nakano, ur. 9 marca 1946) pogłębił amerykańską transmisję poprzez swoją wieloletnią przyjaźń i współpracę z Hardym, począwszy od wizyt Hardy'ego w Jokohamie w latach 80. i 90. XX wieku, a skończywszy na ich wspólnych publikacjach. „ Tattoo Designs z Japan (Hardy Marks Publications, 1989–1990) była fundamentalną anglojęzyczną księgą rysunków Horiyoshi III i zawierała kompozycje z sakurą w swoim szerszym przedstawieniu klasycznego słownictwa horimono. Dwie kolejne generacje byłych uczniów Horiyoshi III (Horitaka i Horitomo w State of Grace Tattoo w San José Japantown; Filip Leu i rodzina w Family Iron w Szwajcarii; Horikitsune / Alex Reinke) kontynuowały rozwijanie tradycji sakury we współczesnej praktyce w Ameryce Północnej, Europie i Japonii.

Sekcje specyficzne dla stylu

Klasyczne japońskie tebori horimono sakura

Klasyczna japońska sakura tebori horimono to najgłębszy rejestr techniczny. Praca jest wielkoformatowa (zazwyczaj zintegrowana z kompozycjami horimono na pół rękawa, cały rękaw, plecy lub całe ciało), nasycona poprzez ręczne cieniowanie tebori i osadzona jako keshoublubi w szerszym polu kompozycyjnym zawierającym główny shudai temat. Główne linie rodowe dla współczesnego rejestru to linia Horiyoshi III z Jokohamy (i jej satelita State of Grace w San Jose poprzez Horitakę i Horitomo), Rodzina Leu w Szwajcarii oraz szersza grupa praktyków horimono szkolonych w tradycji japońskiej. Praca jest udokumentowana w katalogu wystawy Japanese American National Museum z 2014 roku Wytrwałość oraz w fotograficznym przeglądzie Sandi Fellman Tradycja Japanese Tattoo (Abbeville Press, 1986), a także w naukowym odniesieniu Richie i Buruma Tradycja Japanese Tattoo (Weatherhill, 1980) opublikowanym przez Hardy Marks.

Amerykańska sakura inspirowana Japonią

Amerykańska sakura inspirowana japońską łączy japoński słownictwo motywów z amerykańskimi konwencjami grubych konturów, bardziej nasyconym kolorem i zachodnią logiką kompozycyjną. Ten tryb pochodzi od udokumentowanej transmisji Sailor Jerry do Horihide do Hardy'ego i jest obecnie ugruntowanym rejestrem amerykańskiego renesansu tatuażu praktykowanym w studiach w Ameryce Północnej. Amerykańska sakura inspirowana japońską zazwyczaj zachowuje pięciopłatkową strukturę botaniczną, kontrast ciemnej gałęzi z różowym kwiatem i szlaki opadających płatków z klasycznego japońskiego słownictwa, ale stosowane w bardziej graficznym, o wyższym kontraście, często samodzielnym formacie. Rękawy i tatuaże na plecy w tym trybie są obszerne we współczesnej praktyce amerykańskiej.

Neo-tradycyjna sakura

Neo-tradycyjna sakura adaptuje amerykański rejestr inspirowany japońską do szerszego ruchu neo-tradycyjnego lat 90., 2000. i 2010. Neo-tradycja zachowuje grube kontury, ale znacznie poszerza paletę kolorów (często dziesięć lub dwanaście kolorów, podczas gdy amerykańska tradycja używa czterech lub pięciu), dodaje znacznie więcej cieniowania wymiarowego i przyjmuje bardziej ilustracyjny podejście kompozycyjne. Neo-tradycyjna sakura często łączy kwiat wiśni z neo-tradycyjnymi ćmami, sztyletami, wężami lub elementami ramowymi zaczerpniętymi z szerszego kanonu neo-tradycyjnego, a nie z klasycznego japońskiego horimono. Kompozycje są zazwyczaj zamawiane i samodzielne, a nie zintegrowane z większymi pracami na całe ciało.

Współczesna realistyczna sakura

Współczesna fotorealistyczna praca z sakurą wykorzystuje nowoczesne szybkie maszyny rotacyjne i ultra-drobne pigmenty do oddania kwiatów wiśni z dokładnością botaniczną: tekstura powierzchni płatków, szczegóły pręcików, ziarno kory gałęzi i cieniowanie światłem otoczenia na różowo-białych powierzchniach skrzydeł. Realistyczna sakura często charakteryzuje się bogatym gradientem koloru od różowego do białego (głębszy róż magenty u nasady płatka, zanikający do bieli na krawędzi płatka), wykonanym na ciemnych tłach, które zapewniają maksymalny kontrast. Ten tryb wyłonił się jako rozpoznawalna współczesna praktyka w latach 2010. i trwa we współczesnej praktyce lat 2020. Realistyczna sakura dokumentuje rzeczywistość botaniczną kwiatu wiśni, zamiast ją abstrahować; wierność techniczna jest kluczowa.

Współczesna czarna sakura

Współcześni praktycy blackworku redukują sakurę do geometrycznych form o wysokim kontraście, stipplingu punktowym lub czysto liniowej ilustracji. Czarna sakura może przedstawiać płatki jako płaskie kształty geometryczne, używać punktowania do sugerowania gradientu powierzchni płatków lub komponować szlak opadających płatków jako graficzną abstrakcję bez koloru. Kompozycja „kwiaty porwane przez wiatr” (rozproszenie opadających płatków na nieoznaczonym tle, czasami bez widocznej gałęzi) stała się jedną z najczęściej tatuowanych kompozycji blackwork w latach 2010., szczególnie w małych rozmiarach na nadgarstkach, kostkach, za uszami i obojczykach. Ten tryb nawiązuje do historycznej ikonografii sakury, nie próbując wyglądać jak dosłowny kwiat wiśni.

Pary sakury i ich znaczenie

Sakura pojawia się znacznie częściej w kompozycjach wieloelementowych niż jako samodzielna figura. Każde wspólne zestawienie niesie własne znaczenia.

Sakura + gałąź wiśni. Kanoniczna jednostka kompozycyjna: ciemna gałąź stanowi szkielet strukturalny; kwiaty dostarczają rejestru sezonowego; kompozycja odczytywana jest jako trwałość i nietrwałość zawarte w jednym obrazie. Funkcjonalnie jest to nieredukowalne minimum klasycznej kompozycji horimono z sakurą.

Sakura + koi. Sezonowy japoński kompozycja. Koi (鯉) wspinające się do Bramy Smoka nad Żółtą Rzeką to kanoniczna japońska legenda o transformacji; połączenie wspinającego się koi z opadającymi sakurami wzmacnia motyw nietrwałości i transformacji. Powszechne w klasycznych kompozycjach rękawów horimono i w amerykańskiej tradycji rękawów inspirowanych Japonią.

Sakura + smok. Smok (ryu, 龍) jako siła ochronna i wznosząca moc w połączeniu z sakurami jako ulotnym pięknem. Często pojawia się w większych pracach typu bodysuit, gdzie smok jest głównym shudai a sakury pełnią funkcję sezonowego keshoublubi tworząc wiosenną atmosferę wokół wijącej się formy smoka.

Sakura + samuraj. Kompozycja wojownik-i-ulotne-piękno, czerpiąca z odczytania bushidō opadającego kwiatu jako idealnej śmierci samuraja. Często przedstawia postać samuraja (z kompozycji wojowników w stylu Kuniyoshi) z gałęziami sakury w tle lub opadającymi płatkami na postać. Jedno z ikonicznie gęstych klasycznych połączeń horimono, szczególnie rezonujące dla męskich noszących, odwołujących się do rejestru wojownika.

Sakura + gejsza. Kompozycja kobiecej gracji i przemijania, czerpiąca z przedstawień gejsz i kurtyzan z okresu Edo i Meiji (1868 do 1912) w stylu ukiyo-e z tłem sakur. Obszernie udokumentowane w późnych pracach aktorskich Utagawy Kuniyoshi i w pracach figuralnych Tsukioki Yoshitoshi (1839 do 1892). Powszechne we współczesnych kompozycjach rękawów w stylu japońskim.

Sakura + żuraw. Żuraw (tsuru, 鶴) jako symbol długowieczności w połączeniu z sakurami jako ulotnym pięknem. Kompozycja odczytywana jest jako cykl życia i śmierci skondensowany w dwóch symbolach: długowiecznym żurawiu i krótkotrwałym kwiecie.

Sakura + Góra Fudżi. Sztandarowa japońska kompozycja krajobrazowa, czerpiąca z Thirty-six Views z Mount Fuji Hokusai'a (1830 do 1832) i szerszego korpusu krajobrazowego Hiroshige. Góra Fudżi jako wieczna góra w połączeniu z sakurami jako ulotnym kwieciem odczytywana jest jako skondensowana forma japońskiego krajobrazu sezonowego.

Sakura + opadające płatki. Kompozycja "kwiaty porwane przez wiatr". Płatki rozsypane w pustej przestrzeni kompozycji nadają ruch, atmosferę i wyraźne odczytanie nietrwałości. Szczególnie powszechne we współczesnych pracach blackwork i neo-tradycyjnych sakur, a także stabilna konwencja w klasycznym horimono.

Sakura + liście klonu (momiji). Sezonowy kontrast: wiosna spotyka jesień, pełny roczny cykl skondensowany w jednym obrazie. Połączenie to jest jedną ze starszych udokumentowanych japońskich konwencji horimono i sygnalizuje "pełny rok" lub "przemijanie pór roku" w sposób, w jaki żaden pojedynczy element sezonowy nie jest w stanie.

Sakura + chryzantema (Kiku). Wiosna spotyka późną jesień i długowieczność. Chryzantema jest cesarskim kwiatem Japonii; połączenie zestawia ulotną wiosnę z trwałym, późnojesiennym cesarskim kwieciem. Powszechne w klasycznym horimono.

Sakura + piwonia (botan). Wiosenny kwiat w połączeniu z "królem kwiatów". Oba są motywami kwiatowymi w klasycznym słownictwie kwiatowym horimono, a połączenie dostarcza ciągłego rejestru kwiatowego wiosny i wczesnego lata.

Kolory sakur i ich znaczenie

Kolor jest jednym z większych nośników znaczenia w tatuażach sakur, chociaż konwencja jest węższa niż w przypadku niektórych innych motywów, ponieważ botaniczna rzeczywistość kwiatu wiśni ogranicza realistyczną paletę.

Jasny róż do głębokiego różu (kanoniczny kolor sakury): Domyślny. Róż waha się od jasnego, prawie białego Yamazakura (Prunus jamaSakura, wiśni górskiej) i Shirayuki odmian białych, do głębokiego magentowego różu Kanzan (Prunus serrulata 'Kanzan'), Higan-zakura (wiśnia kwitnąca jesienią) i Yaezakura (wiśnia o podwójnych kwiatach) odmian. Gradient różowy jest kanonicznym rejestrem kolorów, a większość współczesnych prac sakur czerpie z tego zakresu.

Biały ( Yamazakura i inne odmiany o białych kwiatach): Biała sakura w tatuażu nawiązuje do odmian wiśni o białych kwiatach, a nie do bardziej znanych różowych. Tatuaże z białymi wiśniami odczytywane są jako subtelniejszy, bardziej elegijny rejestr i często łączą się z intencją upamiętnienia. Biała sakura nie jest symbolicznie odmienna od różowej w klasycznej tradycji, ale we współczesnej praktyce zachodniej białe odczytanie czasami niesie ze sobą nakładkę "czystości" lub "niewinnej straty" zapożyczoną z zachodniej konwencji białych kwiatów.

Kompozycja płatków na wodzie: Różowe (lub białe) kwiaty rozsypane na niebieskim tle wodnym. Nawiązuje do tradycji hanami z okresu Edo (1603 do 1868) oglądania sakur wzdłuż rzeki Sumida i szerszej konwencji opadłych płatków niesionych przez płynącą wodę. Kompozycja odczytywana jest jako przemijanie w ruchu: kwiaty opadły, a teraz podróżują. Szczególnie powszechne w klasycznych pracach rękawów horimono.

Kompozycja płatków na śniegu: Różowe kwiaty rozsypane na białym tle śniegu. Nawiązuje do Higan-zakura i innych wcześnie lub późno kwitnących odmian wiśni, które kwitną, gdy śnieg wciąż leży na ziemi, lub do wizualnego rymu opadających płatków z opadającym śniegiem. Kompozycja odczytywana jest jako liminalność sezonowa: wiosna jeszcze nie nadeszła w pełni, lub wiosna ustępuje miejsca pozostałej zimie.

Nowoczesny realizm bogaty gradient kolorów: Współczesne fotorealistyczne sakury wykorzystują pełny gradient od różowego do białego z wiernością botaniczną. Realistyczne sakury często charakteryzują się większym nasyceniem niż klasyczna paleta horimono, ponieważ nowoczesne pigmenty i maszyny obsługują głębię kolorów, której praca ręczna tebori historycznie nie mogła dorównać.

Podejście blackwork monotonalne: Współczesne sakury blackwork całkowicie rezygnują z koloru na rzecz wysokokontrastowej kompozycji graficznej czarno-białej. Sakury blackwork abstrahują historyczną ikonografię, jednocześnie do niej nawiązując.

Kontekst kulturowy

Kwiat wiśni jest głębokim japońskim odniesieniem kulturowym, ale nie jest ograniczony dziedzicznie w sposób, w jaki polinezyjskie tatau lub pewne specyficzne japońskie kompozycje irezumi. Uczciwe ujęcie kontekstu kulturowego ma cztery komponenty.

Asocjacje z samurajami i wojennymi kamikaze są prawdziwymi faktami historycznymi, ale nie definiują współczesnego motywu. Jak omówiono powyżej, odczytanie bushidō opadającego kwiatu przez samurajów i przyjęcie przez Tokkōtai w 1944-1945 roku są udokumentowanymi fazami historycznymi. Żadna z nich nie definiuje współczesnego motywu. Współczesne prace sakur czerpią z tradycji hanami z okresu Heian, słownictwa horimono z okresu Edo i cywilnego japońskiego rejestru kulturowego po 1945 roku, a nie z okresu wojennego politycznego zawłaszczenia. Noszący i praktykujący powinni znać pełną historię, w tym okres wojenny, ale nie powinni spłaszczać motywu do czystego militaryzmu.

Japońska tradycja irezumi jest generalnie otwarta na klientów spoza Japonii w ramach protokołów dziedzicznych praktyków. Horiyoshi III szkolił uczniów spoza Japonii (w tym najbardziej znanego Horikitsune / Alexa Reinke, który ukończył wieloletnią naukę satelitarną na początku lat 2000). Linia z Jokohamy i szersza grupa horimono z Japonii generalnie witają szanujących zachodnich klientów i zachodnich uczniów pracujących w ramach tradycji. Zachodni klient otrzymujący klasyczne sakury horimono od praktykującego z linii Horiyoshi III uczestniczy w tradycji, a nie ją zawłaszcza.

Amerykańskie sakury inspirowane Japonią (linia Sailor Jerry / Hardy) są udokumentowanym historycznym przekazem i nie są zawłaszczeniem. Most Pacyfiku od Normana Collinsa przez Kazuo Oguri do Dona Ed Hardy'ego jest dobrze udokumentowany w zapisach epoki ( Wear Your DreamsHardy'ego, pięć tomów Tattoo TimeHardy Marks Publications, archiwum Sailor Jerry Brand). Noszący spoza Japonii, który otrzymuje amerykańskie sakury inspirowane Japonią od praktykującego z linii American Tattoo Renaissance, uczestniczy w ustalonym przekazie międzykulturowym, a nie zawłaszcza japońską tradycję.

Współczesne komercyjne "japońskie tatuaże z kwiatów wiśni" wykonane bez odniesienia do głębszej tradycji nie są zawłaszczeniem, ale spłaszczają głębię ikonograficzną. Noszący, który wchodzi do generycznego studia i prosi o "japoński kwiat wiśni" bez wiedzy o hanami, mono nie jestem świadomypodłożu Kuniyoshi z 1827 roku, konwencji keshoublubi lub linii Horiyoshi III, nie popełnia wykroczenia kulturowego, ale wybiera czerpanie z głębokiej tradycji bez angażowania się w jej głębię. Stanowisko redakcyjne Atlasu jest takie, że klienci powinni wiedzieć, z czego czerpią, a uczciwą praktyką jest poznanie historii ikonograficznej przed wykonaniem projektu na skórze.

Znane powiązania tatuaży z sakurami

Hlubiyoshi III (Yoshihito Nakano, urodzony 9 marca 1946 w Shimada, prefektura Shizuoka, i nazwany trzecim Horiyoshi w 1971 roku przez Shodai Horiyoshi) jest najbardziej udokumentowanym na świecie żyjącym interpretatorem sakur w klasycznych kompozycjach bodysuit horimono. Jego studio w Jokohamie od 1971 roku produkuje obszerne prace z sakurami włączonymi do bodysuit; Yokohama Tattoo Museum (Bunshin Tattoo Museum, założone w 2000 roku) jest głównym współczesnym instytucjonalnym filarem jego linii.
Shodai Hlubiyoshi (Yoshitsugu Muramatsu) praktykował w Jokohamie od lat 30. do 70. XX wieku i nadał imię Horiyoshi Yoshihito Nakano w 1971 roku. Linia ta jest najbardziej udokumentowaną na świecie japońską linią tatuażu powojenną.
State z Grace Tattoo, San José Japantown, prowadzone przez Horitakę (Takahiro Kitamura) i Horitomo (Kazuaki Kitamura), obu byłych uczniów Horiyoshi III, jest głównym amerykańskim instytucjonalnym filarem współczesnej tradycji sakur z Jokohamy. Studio produkuje prace horimono typu full-bodysuit w nieprzerwanej japońskiej linii.
Tradycja Leu Family's Family Iron (Filip Leu i rodzina, Szwajcaria) jest głównym europejskim instytucjonalnym filarem współczesnych klasycznych prac sakur w stylu japońskim, z obszerną stałą wymianą z Horiyoshi III od lat 90. XX wieku.
Norman „Sailor Jerry” Collins (1911 do 1973) wprowadził sakury do amerykańskiego tradycyjnego flashu poprzez swoje studio przy Hotel Street w Honolulu i korespondencję z lat 60. z Kazuo Oguri (Horihide) z Gifu. Projekty sakur Collinsa są udokumentowane w zredagowanym przez Dona Ed Hardy'ego Sailor Jerry Tattoo Flash: Rise i Shine, Vol. 1 (Hardy Marks Publications, 2002).
Hlubihide (Kazuo Oguri) z Gifu w Japonii był głównym japońskim korespondentem Sailor Jerry'ego w latach 60. i głównym japońskim nauczycielem Dona Ed Hardy'ego podczas pięciomiesięcznej praktyki Hardy'ego w Gifu w 1973 roku. Głównym angielskim odniesieniem do Horihide jest praca Yushi Takei'a Horihide: Świętowanie życia i twórczości Kazuo Oguri (LM Publishers / University of Washington Press, 2014). Własny opublikowany zbiór flashu Oguri to GIFU HORIHIDE: Japońskie Tradycyjne Wzory Tatuaży autorstwa Kazuo Oguri (Prasa Niewidzialnych Miast, 2008).
Don Ed Hardy przeniósł japońską tradycję sakury dalej poprzez swój staż w Gifu w 1973 roku, Realistic Tattoo (1974) i pięć tomów Tattoo Time (Hardy Marks Publications, 1982 do 1991). Hardy Marks Publications wydało również Tattoo Designs z Japan (1989 do 1990), podstawową angielskojęzyczną książkę z rysunkami Horiyoshi III.
Utagawa Kuniyoshi (1797 do 1861) dostarcza ikonograficznego podłoża każdego współczesnego japońskiego tatuażu sakura poprzez swoją serię z lat 1827 do 1830 „Tsūzoku Suikoden gōketsu hyakuhachinin no hitori” oraz swój szerszy korpus grafik. Jego grafiki znajdują się w Museum of Fine Arts (Boston), British Museum, Brooklyn Museum i innych ważnych kolekcjach.
Katsushika Hokusai (1760 do 1849) i Utagawa Hiroshige (1797 do 1858) dostarczają szerszego słownictwa krajobrazowego sakura poprzez Thirty-six Views z Mount Fuji (1830 do 1832) Hokusaiego i One Hundred Słynne widoki Edo (1856 do 1858) Hiroshige, między innymi dziełami.
Wystawa w Japanese American National Museum w 2014 roku Wytrwałość: Japanese Tattoo Tradycja w Modern World (Los Angeles, kurator Takahiro Kitamura, zdjęcia Kip Fulbeck) jest głównym, muzealnym potraktowaniem współczesnej linii Horiyoshi III, w tym obszerną dokumentacją kompozycji sakura w pełnych tatuażach horimono.

Jak myśleć o zrobieniu tatuażu wiśniowego kwiatu

Jeśli rozważasz tatuaż sakura, oto cztery pomocne pytania ramowe:

Na jakiej tradycji chcesz się oprzeć? Klasyczne japońskie horimono sakura, inspirowane japońsko-amerykańskie sakura, neotradycyjne sakura, współczesny realizm sakura i współczesne blackwork sakura to różne rejestry estetyczne i historyczne. Klasyczne japońskie horimono sakura jest najgłębszym historycznym kotłem i najbardziej gęste ikonograficznie; inspirowane japońsko-amerykańskie sakura pochodzi od niego przez kanał Sailor Jerry do Hardy; współczesne formy adaptują słownictwo w odmienny sposób. Zdecyduj, w jakim rejestrze się znajdujesz, zanim rozpocznie się rozmowa o projekcie.

Jaka kompozycja? Pojedynczy, samodzielny kwiat to inne stwierdzenie niż kompozycja z gałęzi i wielu kwiatów, niż ścieżka opadających płatków, niż rękaw z sakurą i koi jako sezonowy, niż kompozycja z samurajem i sakurą, niż krajobraz z sakurą i Górą Fuji. Wybór kompozycji jest co najmniej tak ważny, jak wybór zrobienia sakura w ogóle. Klasyczne horimono traktuje sakurę jako keshoublubi (wtórny element atmosferyczny), a nie jako samodzielny temat; jeśli chcesz klasycznej głębi, kompozycja powinna to odzwierciedlać.

Jaka skala? Sakura może być małym tatuażem na nadgarstku lub pełnym tatuażem na plecach. Skala kształtuje głębię ikonograficzną: mały, samodzielny kwiat niesie odczyt ulotności, ale traci klasyczne słownictwo kompozycyjne horimono; sakura na plecach włączona do horimono angażuje całą tradycję. Decyzja o skali jest decyzją projektową z konsekwencjami ikonograficznymi.

Jaki artysta? Sakura to technicznie wymagająca praca, szczególnie w klasycznym rejestrze tebori horimono. Sakura wykonana przez praktyka wyszkolonego w linii Horiyoshi III (Horitaka, Horitomo, Filip Leu i szerszy krąg praktyków horimono) będzie wyglądać inaczej niż ta sama sakura wykonana przez praktyka wyszkolonego poza klasyczną tradycją. Jeśli linia irezumi ma dla ciebie znaczenie, znajdź tatuażystę wyszkolonego w tej linii. Yokohama Tattoo Museum i State of Grace Tattoo w San José są głównymi kotwicami linii w swoich regionach.

Pracujący tatuażysta może przeprowadzić z tobą uczciwą rozmowę na wszystkie cztery tematy. Sakura jest jednym z najbardziej dopracowanych motywów w tradycji japońskiej, z ponad tysiącem lat kulturowego ciężaru za formą, a techniczne wzory zapewniające jej dobre starzenie się są obszernie udokumentowane i dobrze nauczane w tradycji horimono.

Hlubiyoshi III (Yoshihito Nakano). Najbardziej udokumentowany na świecie żyjący interpretator klasycznej horimono sakura.
Shodai Hlubiyoshi (Yoshitsugu Muramatsu). Założyciel z Jokohamy, który nadał imię Horiyoshi III w 1971 roku.
Hlubihide (Kazuo Oguri). Główny japoński korespondent Sailor Jerry i nauczyciel Dona Ed Hardy'ego w Gifu w 1973 roku.
Norman „Sailor Jerry” Collins. Amerykański praktyk z połowy XX wieku, który przeniósł japońskie słownictwo sakura do amerykańskiego tradycyjnego flashu.
Don Ed Hardy. Postać, która pogłębiła amerykańskie przekazywanie poprzez swój staż w Gifu w 1973 roku i Tattoo Time korpus.
Utagawa Kuniyoshi. Artysta drzeworytniczy, którego seria z lat 1827 do 1830 Suikoden jest ikonograficznym podłożem każdego współczesnego japońskiego tatuażu sakura.
Teblubi Technique. Tradycyjna japońska technika ręcznego tatuowania, za pomocą której aplikuje się klasyczną horimono sakura.
Irezumi, Tradycja. Szersza tradycja, do której należy japońska sakura.
Dragon w historii tatuażu. Połączenie smoka i sakury oraz szersze słownictwo kompozycyjne irezumi, w którym znajduje się sakura.
Motyl w historii tatuażu. Połączenie motyla i sakury choiSakura jako połączone emblematy ulotności pod mono nie jestem świadomy.
Skull w historii tatuażu. Szersza ikonografia memento mori i ulotności, w której uczestniczy sakura.
Róża w historii tatuażu. Zachodni kwiatowy odpowiednik, którego brak w klasycznym irezumi (w przeciwieństwie do sakury, piwonii, chryzantemy i lotosu) sam w sobie jest użytecznym znacznikiem tradycji.

Źródła

Tattoo Archive (Winston-Salem). Zbiory arkuszy flash z epoki, w tym projekty Sailor Jerry sakura i szerszy korpus inspirowany japońsko-amerykański.
Hardy Marks Publications. Hlubiyoshi III, Tattoo Designs z Japan (1989 do 1990). Podstawowa angielskojęzyczna książka z rysunkami Horiyoshi III zawierająca kompozycje sakura w szerszej prezentacji klasycznego słownictwa horimono.
Hardy Marks Publications. Tattoo Time, pięć tomów, 1982 do 1991, red. Don Ed Hardy. Główny dziennik American Tattoo Renaissance; liczne artykuły o japońskim irezumi w całym cyklu, w tym materiały o sakurze.
Hardy Marks Publications. Sailor Jerry Tattoo Flash: Rise i Shine, Vol. 1, red. Don Ed Hardy, 2002. Główny opublikowany zbiór flashu Normana Collinsa z Hotel Street, w tym projekty sakura.
Richie, Donald, i Ian Buruma. Tradycja Japanese Tattoo. Weatherhill, 1980. Standardowe angielskie odniesienie do klasycznego japońskiego irezumi, w tym sakura w słownictwie motywów sezonowych.
Van Gulik, Willem. Irezumi: The Pattern z Dermatography w Japan. Brill, 1982. Główny monograf naukowy dotyczący dokumentacji okresu.
Hlubiyoshi III. 100 Demons z Horiyoshi III (Hyakkizu Hlubiyoshi). Nihonshuppansha, 1998. ISBN4890485708.
Hlubiyoshi III. 108 Heroes z Suikoden. Nihonshuppansha, ok. 2009 do 2010. Główna książka z rysunkami Horiyoshi III na temat bohaterów Suikoden, w tym fragmenty o sakurze.
Takei, Yushi. Horihide: Celebrating Life i Work z Kazuo Oguri. LM Publishers / University of Washington Press, 2014. Główna anglojęzyczna monografia Horihide.
Hardy, Don Ed. Wear Your Dreams: My Life w tatuażach (z Joelem Selvinem). Thomas Dunne Books, 2013. Opowieść z pierwszej ręki o okresie szkoły Hardy, w tym praktyka w Gifu w 1973 roku i transmisja sakury.
Felman, Sandi. Japoński tatuaż. Abbeville Press, 1986. Główna fotograficzna analiza współczesnej praktyki irezumi z obszerną dokumentacją motywów sakury w horimono końca XX wieku.
Kitamura, Takahiro (Horitaka) i Kip Fulbeck. Wytrwałość: Japońska tradycja tatuażu w świecie współczesnym. Japanese American National Museum, 2014. Główna instytucjonalna analiza na poziomie muzealnym współczesnej linii Horiyoshi III, w tym jej praca z sakurą.
Motoori Norinagę. Kojiki-den (komentarz do Kojiki), czterdzieści cztery tomy, ukończone w 1798 roku. Główna klasyczna artykulacja mono nie jestem świadomy jako centralnej wrażliwości estetycznej klasycznej literatury japońskiej, ramy filozoficznej, w której najlepiej rozumieć symboliczny ciężar sakury.
Kuniyoshi, Utagawa. „Tsūzoku Suikoden gōketsu hyakuhachinin no hitori” („108 bohaterów popularnej Opowieści znad Wody, jeden po drugim”), 1827 do ok. 1830. Wydawca: Kagaya Kichiemon. Znajduje się w Muzeum Sztuk Pięknych (Boston), British Museum, Brooklyn Museum i innych głównych kolekcjach.
Hiroshige, Utagawa. Meisho Edo Hyakkei („Sto słynnych widoków Edo”), 1856 do 1858. Wiele tablic z kwitnącymi wiśniami dokumentujących miejsca hanami w Edo XIX wieku.
Hokusai, Katsushika. Fugaku Sanjūrokkei („Trzydzieści sześć widoków góry Fudżi”), zaprojektowane w latach 1830-1832 z dziesięcioma dodatkowymi tablicami w latach 1833-1834. Szersze krajobrazowe słownictwo sakury zakotwiczone w najbardziej znanej na świecie serii ukiyo-e.

Redakcja

Zbadane i napisane przez Johna J. Mayo III, redaktor, Tattoo History Atlas. Ta strona odzwierciedla obecny kanon od Ostatniej recenzji powyżej i jest odświeżana co kwartał.

Znaleziono błąd lub masz źródło do dodania? Prześlij do Archiwum. Zaakceptowane wkłady zdobywają Archive XP i nazwane uznanie (opcja).