La Calavera Catrina é uma das figuras mais carregadas politicamente na iconografia da tatuagem, uma elegante esqueleto feminina com um chapéu europeu emplumado cuja origem não é uma celebração da morte, mas uma sátira de classe gravada pelo gravador mexicano José Guadalupe Posada na Cidade do México por volta de 1910 a 1913. Posada intitulou a gravura original La Calavera Garbancera, zombando dos garbanceros, mexicanos que negaram sua herança indígena para se passar por europeus durante o final do Porfiriato. O esqueleto nu sob o traje elegante fez o ponto: sob o luxo emprestado, todos são ossos. O muralista Diego Rivera deu à figura seu nome e corpo completo vestido em seu mural de 1947 Sonho de uma tarde dominical na Alameda Central. Esse mural, não a gravura original, é a imagem da qual a maioria das tatuagens de Catrina descende. A figura carrega um significado mexicano específico, a morte, a grande niveladora, distinto do rosto de caveira de açúcar e do ceifador europeu sem gênero. Veja o companheiro caveira de açúcar página para a tradição mais ampla da calavera.

O que significa uma tatuagem de Catrina?

Uma tatuagem de Catrina significa mais comumente uma meditação sobre a morte como o grande equalizador, a ideia de que, sob a moda, a riqueza e a pretensão, todos são os mesmos ossos. Descende da sátira de classe de José Guadalupe Posada, gravada na Cidade do México por volta de 1910 a 1913, e do mural de Diego Rivera de 1947. Na prática moderna, é mais frequentemente interpretada como uma homenagem memorial a uma parente falecida ou como orgulho cultural do Dia de los Muertos.

Quem é La Catrina?

La Catrina é um elegante esqueleto feminino em um elaborado chapéu europeu emplumado, criado pelo gravador mexicano José Guadalupe Posada por volta de 1910 a 1913 como La Calavera Garbancera, uma sátira aos mexicanos que escondiam sua herança indígena para parecerem europeus. O muralista Diego Rivera a nomeou "La Catrina" e pintou sua figura completa em seu mural de 1947 no Hotel del Prado, na Cidade do México.

Qual é a diferença entre Catrina e um crânio de açúcar?

Uma caveira de açúcar (calavera de açúcar) é o crânio decorado rosto, um emblema festivo do altar do Dia de los Muertos mais antigo que Posada. La Catrina é uma figura femininacompleta, uma elegante dama esqueleto com um chapéu e vestido chiques, criada por Posada por volta de 1910 e nomeada por Diego Rivera em 1947. A Catrina carrega uma política específica de sátira de classe; a caveira de açúcar é primariamente uma oferenda de altar de ancestrais. Veja a página da caveira de açúcar .

Uma tatuagem de Catrina é apropriação cultural?

Depende do contexto. La Catrina carrega um significado político e histórico mexicano específico, enraizado na sátira de classe da era Porfiriato de Posada e no mural nacionalista de Rivera, documentado por estudiosos como Stanley Brandes e Regina Marchi. Os usos mais fundamentados são memoriais (homenageando uma parente mexicana) ou participação genuína no Día de los Muertos. Portadores não mexicanos que tratam a pintura facial de Catrina ou uma tatuagem de Catrina como estética genérica de "linda dama morta" é contestado.

De onde veio La Catrina?

La Catrina originou-se como La Calavera Garbancera, uma gravura em zinco do gravador mexicano José Guadalupe Posada (1852 a 1913), produzida na Cidade do México por volta de 1910 a 1913 para o editor Antonio Vanegas Arroyo. Satirizava a pretensão de classe durante o final do Porfiriato. O muralista Diego Rivera a renomeou "La Catrina" e pintou sua figura elegante completa em seu mural de 1947 Sonho de uma tarde dominical na Alameda Central.

Onde devo colocar uma tatuagem de Catrina?

A Catrina favorece telas grandes porque a figura é de corpo inteiro e rica em detalhes. As costas são a colocação canônica para uma figura completa de Catrina em preto e cinza chicano. A coxa externa, a manga completa e a panturrilha acomodam o corpo elegante e o chapéu emplumado. O antebraço e o braço superior acomodam um retrato de Catrina (cabeça e ombros) em vez da figura completa. Discuta a escala com seu artista.

O original de Posada: La Calavera Garbancera, c. 1910 a 1913

A figura que o mundo agora chama de La Catrina não começou como uma celebração. Começou como uma piada às custas dos arrivistas sociais, gravada por um gravador trabalhador em uma oficina de gravura na Cidade do México nos últimos anos da ditadura de Porfirio Díaz.

José Guadalupe Posada (Aguascalientes, 2 de fevereiro de 1852, a Cidade do México, 20 de janeiro de 1913) foi o mais prolífico e influente ilustrador da cultura popular impressa mexicana no final do século XIX e início do século XX. Treinado em litografia e gravura em Aguascalientes, Posada passou por León antes de se estabelecer na Cidade do México por volta de 1888, onde produziu milhares de ilustrações para a imprensa popular, principalmente para o editor Antonio Vanegas Arroyo (1852 a 1917). A produção de Posada abrangia toda a gama da impressão popular barata: corridos (folhetos de baladas), relatos sensacionalistas de crimes, relatos de milagres, imagens religiosas, anúncios, jogos infantis e o gênero sazonal que levaria seu nome ao século XX, os Calavera folhetos produzidos para a temporada do Dia de los Muertos. O relato acadêmico padrão dessa produção é Planilhas de Posada: imagens populares Mexican, 1890 a 1910 de Patrick Frank (University of New Mexico Press, 1998), que documenta a prática de trabalho de Posada, sua relação com Vanegas Arroyo e a economia da impressão do final do Porfiriato. O relato anterior e fundamental é Ídolos atrás de altares de Anita Brenner (Payson and Clarke, 1929), que apresentou Posada a um amplo público leitor de inglês e modernista mexicano e o posicionou como o ancestral visual do movimento muralista mexicano pós-Revolução (VERIFICADO em Frank 1998; Brenner 1929).

O Calavera folheto era um gênero sazonal com suas próprias regras. Para o Dia de los Muertos, os impressores mexicanos produziam folhas de imagens de esqueletos acompanhadas de versos satíricos, as calaveras literárias, epitáfios fictícios que "matavam" os vivos, muitas vezes figuras públicas, em dísticos rimados. A contribuição de Posada para este gênero foi visual: esqueletos fazendo o que os vivos fazem, bebendo em bares, andando de bicicleta, desfilando como revolucionários, namorando, dançando e se vestindo acima de sua condição. Os esqueletos eram o ponto. Ao retratar o sujeito satirizado como uma Calavera, a impressão fazia o mesmo argumento que a dança macabra medieval havia feito na Europa séculos antes, que a morte despoja a patente e expõe o osso comum por baixo, mas o fez no idioma específico da sátira popular mexicana e na política específica do Porfiriato (VERIFICADO; Frank 1998; Brandes 1998).

A gravura original que agora é lida como La Catrina trazia o título _La Calavera Garbancera_. A palavra ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). é a chave para a imagem e é a parte que mais frequentemente se perde quando a figura é reproduzida como uma tatuagem decorativa. Um garbancero era, literalmente, um vendedor de grão de bico (grão de bico, grão de bico), um humilde comércio de rua. Na gíria política do final do Porfiriato, ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). havia se tornado um insulto mordaz: nomeava mexicanos indígenas e mestiços de origem modesta que negavam sua herança nativa e imitavam a moda e os costumes europeus, especialmente franceses, para parecerem mais "civilizados", mais brancos, mais alinhados com as aspirações eurofílicas da elite científico do Porfiriato. O Porfiriato (1876 a 1911) havia tornado a imitação do gosto francês um marcador de status; as classes altas da Cidade do México construíam em estilo Beaux-Arts, vestiam-se com moda parisiense e tratavam a identidade indígena como algo a ser escapado. A ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). era a arrivista social pega nessa aspiração, a filha do vendedor de feijão com o chapéu francês emprestado (VERIFICADO em Frank 1998; Brandes 1998; Carmichael e Sayer 1991).

A imagem de Posada tornou a sátira visual e devastadora. A figura usa apenas um enorme e elaborado chapéu europeu do tipo da moda nos anos 1900, de abas largas, adornado com plumas de avestruz e flores ornamentais. Abaixo do chapéu: um crânio nu e, na gravura original em busto, ombros e costelas esqueléticas nuas. Não há vestido no original de Posada. A piada é o contraste. O chapéu diz "aristocrata francês"; o corpo diz "você é um esqueleto como todo mundo, e sua roupa emprestada não pode esconder isso". Um verso sobrevivente associado à tradição do folheto torna a leitura de classe explícita, zombando daqueles que seriam ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998).s em vez de honestas tortilhas. O esqueleto nu no chapéu chique é sátira de classe em primeiro lugar e memento mori em segundo; as duas leituras se reforçam, mas a leitura política , de que a pretensão é a piada da morte, é o significado original (VERIFICADO; Frank 1998; Brandes 1998).

A datação precisa da gravura é MISTA. Posada morreu em janeiro de 1913, então a chapa é anterior a essa data. As datas mais comumente citadas caem na faixa de 1910 a 1913, e a imagem é frequentemente datada de "c. 1910" em catálogos de museus e bibliotecas, incluindo os acervos reproduzidos do arquivo Vanegas Arroyo. O contexto de impressão original, o folheto específico em que apareceu pela primeira vez e o ano exato não são documentados com a precisão que a popularidade posterior pareceria exigir, porque a gravura era um trabalho de impressão comercial descartável, não arte fina produzida para preservação. O que é VERIFICADO é a autoria (Posada), o editor (Vanegas Arroyo), o título original (La Calavera Garbancera), o meio (gravura em zinco, a técnica posterior de gravura em relevo de Posada) e a intenção satírica (Frank 1998; Brenner 1929).

O próprio Posada morreu pobre e em grande parte sem ser celebrado, enterrado em uma vala comum na Cidade do México em 1913. Sua elevação a um status de arte nacional veio após a Revolução Mexicana, quando a geração muralista, com Diego Rivera e José Clemente Orozco à frente, o reivindicou como a voz visual autêntica do povo mexicano e o ancestral formal de seu próprio trabalho. Jean Charlot, o artista e historiador de arte franco-mexicano, é geralmente creditado pela "redescoberta" acadêmica das gravuras de Posada no início dos anos 1920, e Ídolos atrás de altares de Anita Brenner (1929) levou esse re-enquadramento a um público internacional. A gravura ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). foi uma entre milhares de imagens de Posada; sua fama singular é inteiramente um produto do que Rivera fez com ela três décadas após a morte de Posada (VERIFICADO; Brenner 1929; Frank 1998).

O nome: "Catrina", "catrín" e o presente de Diego Rivera

A figura não foi chamada de "La Catrina" durante a vida de Posada. O nome é de Diego Rivera, e é inseparável do que Rivera fez com a figura visualmente.

A palavra espanhola catrín nomeia um tipo social específico dos séculos XIX e início do século XX: um dândi, um cavalheiro bem vestido, um homem de elegância conspícua e exibição da moda, muitas vezes com a conotação de afetação ou vaidade. A forma feminina, catrina, nomeia o equivalente feminino, a dama elegantemente exagerada. A palavra carrega o mesmo registro de classe que a sátira ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). de Posada visava: o catrín e a catrina são pessoas cuja identidade é construída sobre a exibição, sobre a performance de uma posição acima de sua origem. Quando Rivera nomeou o esqueleto de "La Catrina", ele estava tanto suavizando o original ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). e generalizando-a para a figura mais ampla da dama elegante que a morte despojou. A renomeação é em si um pequeno ato de interpretação: muda a figura de uma sátira étnico-social pontual da era Porfiriato para um emblema mais universal e nacionalmente utilizável de elegância desfeita pela mortalidade (VERIFICADO em toda a pesquisa sobre Rivera; Bertram Wolfe, A Vida Fabulosa de Diego Rivera, Stein e Day, 1963; Brandes 1998).

Rivera também lhe deu um corpo. O original de Posada é um busto: um chapéu, uma caveira, ombros esqueléticos nus. Rivera a estendeu em uma figura elegante de corpo inteiro em um longo vestido, com um marabu de penas, o grande chapéu emplumado intacto, transformando o esqueleto satírico nu em uma dama de moda, majestosa, quase real. Esta Catrina de corpo inteiro, vestida e adornada com marabu, é a imagem da qual o moderno Dia de Finados e a moderna tatuagem de Catrina descendem. O busto tornou-se uma dama. O insulto tornou-se um ícone (VERIFICADO; Wolfe 1963; documentação de murais de Rivera, Museo Mural Diego Rivera).

Vale a pena notar a confusão que a renomeação produziu, pois ela aparece constantemente em relatos populares e deve ser tratada com cuidado em uma página acadêmica. Muitas fontes colapsam a linha do tempo e creditam a Posada tanto a imagem quanto o nome "Catrina", e algumas creditam a versão de corpo inteiro vestida a Posada também. O relato preciso, VERIFICADO em toda a pesquisa sobre Posada e Rivera, é: Posada fez o esqueleto de ombros nus Calavera Garbancera por volta de 1910 a 1913; Rivera, em 1947, deu à figura o nome "La Catrina" e o corpo elegante completo e vestido. O nome é de Rivera. A figura completa é de Rivera. O esqueleto original com chapéu é de Posada (Frank 1998; Wolfe 1963; Brandes 1998).

O mural de Rivera de 1947: a imagem fonte para quase todas as tatuagens de Catrina

O objeto mais importante para entender a Catrina moderna, e a tatuagem moderna de Catrina, é um mural que a maioria das pessoas que usam a figura nunca viu e não saberia nomear.

Em 1947, Diego Rivera (1886 a 1957) completou _Sonho de uma Tarde de Domingo na Alameda Central_ (um grande mural, com cerca de quatro metros e meio de altura e quinze metros de largura, pintado para o saguão do Hotel del Prado na Cidade do México, de frente para a Alameda Central, o parque público mais antigo da cidade. O mural é um panorama da história mexicana retratado como um passeio de domingo onírico na Alameda, povoando o parque com figuras de quatro séculos de vida mexicana: figuras da era colonial, dândis porfirianos e suas famílias, combatentes revolucionários e o próprio elenco pessoal e político de Rivera (VERIFICADO; Wolfe 1963; documentação do Museo Mural Diego Rivera).

No centro visual do mural está La Catrina, em corpo inteiro, em seu grande chapéu emplumado, com um marabu de serpente emplumada (um motivo de Quetzalcóatl que Rivera incorporou ao marabu, ligando o esqueleto da moda europeia à mitologia mesoamericana indígena, um movimento nacionalista caracteristicamente riveriano). De um lado dela, de braços dados, está José Guadalupe Posada ele mesmo, retratado como um cavalheiro distinto, a homenagem de Rivera ao gravurista que ele reivindicou como seu ancestral artístico. Do outro lado dela está um jovem Diego Rivera, pintado como um menino de cerca de dez anos, segurando a mão esquelética da Catrina, com Frida Kahlo posicionada atrás do menino, uma mão em seu ombro. O agrupamento é uma genealogia deliberada: Posada o ancestral, a Catrina a musa, o menino Rivera o herdeiro, Kahlo a companheira. Rivera se colocou como uma criança literalmente segurando a mão da morte, com o gravurista que a inventou ao lado (VERIFICADO; Wolfe 1963; catálogos de Rivera; Museo Mural Diego Rivera).

Este agrupamento, a elegante Catrina de corpo inteiro emplumada ladeada por Posada e Rivera, é a imagem canônica. Quando um cliente de tatuagem hoje pede "uma Catrina", a figura que ele tem em mente, a dama elegante com chapéu emplumado e vestido, é a figura de Rivera de 1947, não o busto de ombros nus de Posada de 1910. O corpo elegante de corpo inteiro, o vestido, o marabu, a postura majestosa: tudo de Rivera. O busto satírico original sobrevive no conhecimento histórico-artístico; a dama vestida sobrevive no corpo e no altar (VERIFICADO; Brandes 1998; Carmichael e Sayer 1991).

A própria história do mural agrava a ironia de uma sátira que se tornou ícone nacional. O mural do Hotel del Prado foi politicamente controverso desde o momento em que foi revelado, pois Rivera incluiu em um cartaz dentro da cena a frase "Dios não existe" ("Deus não existe"), atribuída ao liberal do século XIX Ignacio Ramírez. A reação católica foi severa; o mural foi coberto e em um ponto parcialmente danificado, e Rivera eventualmente alterou a inscrição anos depois. O Hotel del Prado foi gravemente danificado pelo terremoto da Cidade do México em setembro de 1985, e o mural, montado em uma estrutura de aço móvel, foi realocado. Em 1988, foi instalado em um museu construído para esse fim em frente à Alameda, o Museu Mural Diego Rivera, onde permanece a principal exposição. Assim, a figura que começou como uma gravura satírica descartável de uma socialite agora tem sua própria parede de museu dedicada no coração da Cidade do México (VERIFICADO; Museo Mural Diego Rivera; Wolfe 1963 para a controvérsia inicial do mural).

"A morte nos iguala a todos": o significado político

O significado central de La Catrina, o significado que a distingue de uma "linda dama morta" genérica e que uma página acadêmica de tatuagem tem a obrigação de manter em vista, é a proposição de que a morte é a grande igualadora.

O argumento está embutido na imagem original. A ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). coloca o chapéu francês para parecer acima de sua estação; o esqueleto sob o chapéu revela que a estação sempre foi uma fantasia. Remova o chapéu, o vestido, o marabu, a riqueza, a pretensão racial, e o que resta é osso, idêntico ao osso sob a tortilla que ela desprezava, idêntico ao osso sob o científico aristocrata que ela imitava. A morte não verifica sua moda ou sua linhagem. A morte é democrática, na formulação frequentemente atribuída ao espírito de Posada: a morte é democrática, o único nivelador verdadeiro de uma sociedade porfiriana brutalmente estratificada (VERIFICADO como a leitura acadêmica central; Stanley Brandes, "Iconography in Mexico's Day of the Dead: Origins and Meaning", Etnohistória 45:2, 1998; Brees, Crânios para os vivos, pão para os mortos, Blackwell, 2006).

Esta é a mesma lembrança mori lógica que percorre a europeia dança macabra, a "dança da morte" medieval em que esqueletos levam papa e imperador, mercador e camponês igualmente, demonstrando que a morte não respeita posto. O antropólogo Marcas Stanley, o principal estudioso moderno da iconografia do Dia de Finados, situa a sátira mexicana da Calavera dentro dessa tradição ocidental mais ampla, ao mesmo tempo em que insiste em seu conteúdo político mexicano específico: os esqueletos de Posada não eram lembretes abstratos da mortalidade, mas comentários pontuais sobre as hipocrisias particulares de uma sociedade específica, a eurofilia da elite porfiriana, a riqueza da Igreja, a corrupção dos políticos, a vergonha do socialite sobre a origem indígena (VERIFICADO; Brandes 1998; Brandes 2006).

Este núcleo político-satírico é o que a maioria das apropriações não mexicanas da figura perde. Uma Catrina retratada puramente como elegância decorativa, uma dama esquelética glamorosa sem consciência da sátira ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). mantém o chapéu e o osso, mas descarta o argumento. A figura ainda carrega a fraca carga lembrança mori (ela é, afinal, um esqueleto), mas o ponto específico, selvagem, engraçado e democrático, sua elegância é uma mentira que a morte expõese perde. Uma tatuagem de Catrina fundamentada, do tipo que um artista e cliente pensativos chegam juntos, mantém o ponto em vista mesmo quando a renderização é bonita. A beleza e a sátira não estão em tensão no original; a figura é bela porque a sátira é afiada (leitura VERIFICADA; Brandes 1998; Marchi 2009).

Integração do Día de los Muertos: como a sátira se tornou o rosto do feriado

La Catrina é agora o rosto mais reconhecível do Dia dos Mortos, o Dia de Finados mexicano, observado principalmente em 1º de novembro (Día de los Inocentes ou Día de los Angelitos, para crianças falecidas) e 2 de novembro (Día de los Muertos propriamente dito, para adultos falecidos), sincretizando as observâncias católicas de Todos os Santos e Fiéis Defuntos com práticas mortuárias indígenas mesoamericanas. Mas este status icônico é um desenvolvimento relativamente recente, e posterior a Rivera (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 2006).

A estrutura profunda do Dia de Finados, a ), coberto em detalhes na página complementar de (altar doméstico), o cravo-de-defunto (cempaúchil) caminhos traçados para guiar os espíritos que retornam, o panela de morte (pão dos mortos), as caveiras de açúcar inscritas com os nomes dos vivos e dos mortos, as vigílias à beira do túmulo, precedem Posada em séculos em sua forma sincrética indígena e católico-colonial. A decorada caveira de açúcar (calavera de açúcarofrenda ), coberto em detalhes na página complementar decaveira de açúcar caveira de açúcar calavera Calavera garbancera ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998).A corrente pela qual o esqueleto satírico de Posada se tornou a

cara rosto The Skeleton at the Feast: The Day of the Dead in Mexico (British Museum Press, 1991), o relato acadêmico padrão em inglês sobre o feriado, rastreia como o estado mexicano pós-1920 e seus artistas muralistas elevaram conscientemente o Dia de Finados, e as calaveras de Posada dentro dele, como emblemas de uma autêntica mexicanidad (mexicanidade) distinta da cultura europeia. O festival que a elite porfiriana havia considerado uma superstição camponesa grosseira tornou-se, após a Revolução, um marcador celebrado da identidade nacional. O mural de Rivera de 1947, colocando a Catrina nomeada e vestida no centro literal de um panorama da história mexicana, foi um ato culminante dessa elevação. Na segunda metade do século XX, La Catrina migrou da folha impressa para o altar, o desfile, a encenação escolar, o pôster do festival e, eventualmente, para a imaginação global (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 2006). O resultado é uma figura que agora cumpre dupla função. Na

ofrenda ), coberto em detalhes na página complementar de e no desfile ela é lida como festiva, celebratória, a postura mexicana alegre em relação à morte que o feriado incorpora: a morte acolhida, alimentada, dançada, rida, não temida. Mas ela carrega sua origem satírica dentro da celebração. A Catrina é festiva e ela é o lembrete de que os poderosos e os orgulhosos morrem exatamente como os humildes. Ambas as leituras estão corretas, e o melhor trabalho de Catrina, na imprensa, na pintura facial e na pele, as une (VERIFICADO; Brandes 1998; Carmichael e Sayer 1991).

A tradição da pintura facial de Catrina

Um fluxo distintamente moderno que se relaciona diretamente com o registro da tatuagem é a pintura facial de Catrina tradição, na qual mulheres (e cada vez mais pessoas de todos os gêneros) pintam seus rostos como elaboradas caveiras de Catrina para celebrações, desfiles e competições do Dia dos Mortos.

Essa prática é mais recente do que as pessoas costumam pensar. Regina Marchi's Dia dos Mortos nos EUA: A Migração e Transformação de um Fenômeno Cultural (Rutgers University Press, 2009), a principal narrativa acadêmica da evolução do feriado nos Estados Unidos, documenta que a elaborada tradição de maquiagem de Catrina em rosto inteiro, a base branca de caveira, as órbitas oculares enegrecidas cercadas por pétalas pintadas, o nariz decorado, a renda e o filigrana floral nas bochechas e testa, é substancialmente uma elaboração do final do século XX e início do século XXI, acelerada pelas celebrações de reavivamento cultural chicano nos Estados Unidos a partir da década de 1970 e pela comercialização mais ampla do feriado e circulação midiática nas décadas de 2000 e 2010. O rosto de Catrina, em outras palavras, é em si um produto da troca entre o México e a diáspora mexicano-americana, não uma prática folclórica atemporal (VERIFICADO; Marchi 2009).

A tradição da pintura facial é importante para a tatuagem porque fornece um segundo modelo visual ao lado da figura completa de Rivera. Muitas tatuagens de Catrina não são representações da figura vestida completa do mural de 1947, mas representações de uma mulher viva com o rosto pintado como uma Catrina: um rosto feminino bonito, olhos abertos e vivos, com a maquiagem de caveira, os olhos cercados por pétalas, o filigrana floral e, muitas vezes, o grande chapéu emplumado acima. Essa Catrina de "meio rosto" ou "rosto pintado", às vezes dividida ao meio de forma que um lado é um rosto vivo e o outro lado é a caveira pintada, descende da tradição da pintura facial em vez de diretamente de Posada ou Rivera. É uma das composições de tatuagem de Catrina mais comuns nas décadas de 2010 e 2020, e se encaixa mais no registro de participação em festivais do que na sátira original da gravura (fluxo VERIFICADO; Marchi 2009; referenciado com a caveira de açúcar tradição facial).

A distinção importa para a leitura do significado. Uma Catrina vestida de figura completa com chapéu e estola remete através de Rivera à sátira de classe de Posada. O rosto de uma mulher viva pintada como Catrina remete à tradição contemporânea de festivais e maquiagem e à participação do usuário (ou estetização) na cultura do Dia dos Mortos. Ambos são motivos legítimos de Catrina; eles descendem de pontos diferentes na história da figura e carregam pesos ligeiramente diferentes (leitura MISTA, bem apoiada; Marchi 2009; Brandes 2006).

A linhagem da tatuagem Chicana: o preto e cinza de East LA e a Catrina de grande formato

La Catrina entrou na tatuagem profissional americana principalmente através da tradição chicana de linha fina em preto e cinza que surgiu em East Los Angeles na década de 1970, a mesma linhagem que levou o rosário, a Virgem de Guadalupe, o Sagrado Coração e o vocabulário católico e cultural mexicano-americano mais amplo para a pele.

A origem institucional é Good Time Charlie's Tattoole, fundada em 1975 na Whittier Boulevard em East Los Angeles por Charlie Cartwright e Jack Rudy, o primeiro estúdio profissional dedicado ao trabalho em preto e cinza de linha fina com agulha única e o primeiro estúdio de tatuagem profissional em East Los Angeles. A técnica desceu da prisão da Califórnia e da detenção juvenil Pinto tradição, na qual homens mexicano-americanos encarcerados produziam imagens devocionais e culturais com equipamentos improvisados de agulha única em lavagens graduadas em preto e cinza. Freddy Negrete, que se juntou ao Good Time Charlie's em 1977 e se descreveu como o primeiro chicano a ter um emprego como tatuador profissional, é a figura central na transição desse vocabulário de linha fina criado na prisão para a prática profissional de estúdio. A linhagem é documentada em Alan Govenar's O Contexto Variável da Tatuagem Chicana (em Marcas da Civilização, editado por Arnold Rubin, UCLA Museum of Cultural History, 1988), Margo DeMello's Corpos de Inscrição: Uma História Cultural da Comunidade Moderna de Tatuagem (Duke University Press, 2000), e o próprio livro de memórias de Negrete Smile Now, Cry Later: Guns, Gangs e tatuagens (Seven Stories Press, 2016) (VERIFICADO; Govenar 1988; DeMello 2000; Negrete 2016; referenciado com o Tattoo History Atlas Good Time Charlie's entrada).

A Catrina se adapta ao meio de linha fina em preto e cinza quase perfeitamente, por razões técnicas que moldaram como ela é tatuada. Ela é um esqueleto, então o osso aparece naturalmente em lavagens graduadas de cinza; ela é elegante, então a técnica de linha fina pode renderizar renda, penas, filigrana floral e a estrutura delicada do grande chapéu; e ela é uma figura feminina completa, então recompensa grandes composições. O resultado é que a Catrina chicana canônica é tipicamente uma peça de grande formato: uma peça completa nas costas, uma manga completa, um grande painel na coxa externa, a figura renderizada da cabeça aos pés em preto e cinza fotográfico com o chapéu emplumado, o vestido, os elementos florais e, muitas vezes, uma composição circundante de rosas, cravos, velas e faixas com nomes. A Catrina não é, nesta tradição, um pequeno design flash; ela é uma peça central, o tipo de trabalho que leva múltiplas sessões longas e ancora um corpo maior de imagens culturais e memoriais (VERIFICADO; Govenar 1988; DeMello 2000; Negrete 2016).

A linhagem subsequente levou a Catrina chicana para a cultura de tatuagem americana em geral. Mark Mahoney, cujo Shamrock Social Club abriu na Sunset Boulevard em West Hollywood em 2002, é o praticante mais proeminente de celebridades mainstream do vocabulário chicano de preto e cinza de East LA, e o trabalho de Catrina e calavera está em seu portfólio. Freddy Negrete tatuou ao lado de Mahoney no Shamrock Social Club desde o início dos anos 2000. Méter Cartoon, trabalhando no SA Studios com o fotógrafo Estevan Oriol, é o principal nó de transmissão do vocabulário chicano de calavera e Catrina para a cultura hip-hop e comercial mais ampla dos anos 2000. Através dessas figuras, a Catrina em preto e cinza de grande formato tornou-se uma das composições características do trabalho americano de linha fina, exportada globalmente através da mídia de tatuagem e Instagram nos anos 2010 (VERIFICADO; DeMello 2000; Negrete 2016; referenciado com o Atlas Mark Mahoney, Jack Rudy, e Freddy Negrete entradas e o acervo do Tattoo Archive (Winston-Salem) SA Studios).

A elegante morte feminina: La Catrina versus o Ceifador Europeu

Uma das coisas mais úteis para entender sobre La Catrina é o que ela nãoé, e o contraste mais agudo é com a personificação ocidental europeia da morte, a Ceifadora.

A Ceifadora europeia, como estabilizada através da tardia medieval dança macabra, a tradição do início da era moderna vanitas e a cultura popular moderna, é uma figura encapuzada, vestida, sem rosto ou com rosto de caveira, carregando uma foice (e às vezes uma ampulheta), um agente da morte que vem levar os vivos, para colher almas. A Ceifadora é ameaçadora, austera e, quando tem gênero, convencionalmente lida como masculina ou deliberadamente sem gênero, uma força impessoal. Ela é a executora da mortalidade. A imagem enfatiza a ameaça: a foice que ceifa, o manto que esconde, a fria aproximação do fim (VERIFICADO como a personificação ocidental convencional; gravuras em madeira da dança macabra de Holbein de 1538 e a tradição europeia mais ampla; referenciado com a página de caveira do Tattoo History Atlas).

La Catrina é a figura oposta em quase todos os aspectos, e o contraste não é acidental. Ela é distinta e enfaticamente feminina. Ela é elegante em vez de ameaçadora, vestida e emplumada em vez de encapuzada e vestida. Ela não carrega foice; ela vem passear, não para colher. Onde a Ceifadora esconde seu rosto e corpo sob o manto, a Catrina exibe os seus, todo o ponto da sátira original sendo a visibilidade do esqueleto sob a moda. Onde a Ceifadora é um agente externo que vem por você, a Catrina é mais próxima de um espelho: ela é o que você já é por baixo das suas roupas, a morte não como um inimigo que se aproxima, mas como seu próprio rosto verdadeiro. A tradição mexicana não personifica a morte como uma estranha encapuzada com uma lâmina; ela personifica a morte como uma dama elegante na festa, e a postura cultural em relação a ela é correspondentemente diferente, familiar, até afetuosa, certamente menos aterrorizada (contraste VERIFICADO; Brandes 1998; Brandes 2006; Carmichael e Sayer 1991).

Essa qualidade de gênero, elegância, espelho em vez de executora é o motivo pelo qual a Catrina funciona tão naturalmente como uma feminina e como um memorial para mulheres especificamente, e por que ela se tornou um veículo para a apropriação feminista, os assuntos das próximas seções. Vale também notar a figura folclórica mexicana relacionada, mas distinta, de Santa Morte ("Santa Morte"), uma esqueleto feminina vestida venerada como santa popular, que é uma figura diferente com uma história diferente (uma figura devocional popular, muitas vezes sincrética, às vezes associada a comunidades marginalizadas e criminalizadas) e não deve ser confundida com La Catrina. A Catrina é uma figura cultural-artística secular descendente de Posada e Rivera; Santa Muerte é uma figura devocional folclórico-religiosa . Ambas são personificações femininas mexicanas da morte, o que causa confusão frequente, mas suas origens e significados são distintos (distinção VERIFICADA; Brandes 2006 para contexto de Santa Muerte).

Reclamação feminista Chicana

As qualidades específicas da Catrina, feminina, elegante, autoconfiante, uma figura de morte que não é vítima, a tornaram uma figura significativa na arte feminista chicana e na auto-representação, e essa leitura flui diretamente para uma fatia significativa do trabalho contemporâneo de Catrina em tatuagem.

Onde grande parte da tradição ocidental figura a morte como masculina ou como uma força que age sobre (corpos frequentemente feminizados), a Catrina é uma mulher que é a morte, em seus próprios termos, totalmente adornada, no comando da cena. Artistas, escritoras e trabalhadoras culturais chicanas desde a era do Movimento Chicano, no final dos anos 1960 e 1970 em diante, adotaram a Catrina (e a tradição mais ampla da calavera) como um emblema de poder feminino, orgulho cultural, resistência à assimilação e uma identidade mexicana-americana sem desculpas, precisamente a (mexicanidade) distinta da cultura europeia. O festival que a elite porfiriana havia considerado uma superstição camponesa grosseira tornou-se, após a Revolução, um marcador celebrado da identidade nacional. O mural de Rivera de 1947, colocando a Catrina nomeada e vestida no centro literal de um panorama da história mexicana, foi um ato culminante dessa elevação. Na segunda metade do século XX, La Catrina migrou da folha impressa para o altar, o desfile, a encenação escolar, o pôster do festival e, eventualmente, para a imaginação global (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 2006). a original ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). sátira defendida contra a vergonha eurofílica. A Catrina se torna, nesta leitura, não a socialite satirizada, mas a figura que recusa a ascensão: a mulher que reivindica sua herança indígena e mestiça, sua mortalidade e sua elegância ao mesmo tempo, sem pedir desculpas. Este registro de reapropriação é documentado na literatura de estudos chicanos e de arte chicana, e faz parte da elevação cultural mais ampla traçada em Marchi (2009) e na transformação do feriado nos Estados Unidos (leitura MISTA para VERIFICADA; Marchi 2009; literatura de arte chicana e estudos chicanos).

Para a tatuagem, esta leitura sustenta um corpo substancial de trabalho em que mulheres, muitas vezes mulheres mexicano-americanas, usam a Catrina como uma declaração de autodomínio cultural e de gênero: uma grande tatuagem nas costas ou na coxa de uma Catrina como um emblema de herança reivindicada e morte enfrentada em seus próprios termos. Este é um dos usos contemporâneos mais fundamentados da figura, precisamente porque reconecta a dama elegante ao argumento original sobre identidade e pretensão, mas inverte a sátira: onde a ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). foi ridicularizada por negar suas raízes, a Catrina de reapropriação chicana as celebra (VERIFICADA como um registro contemporâneo significativo; Marchi 2009).

Comercialização: Espectro (2015) e Coco (2017)

Duas obras de mídia de massa do início do século XXI fizeram mais do que qualquer outra coisa para levar La Catrina e a imagem mais ampla do Dia dos Mortos ao mainstream global, com efeitos significativos na demanda por tatuagens.

O filme de James Bond _Espectro_ (dirigido por Sam Mendes, Eon Productions e Metro-Goldwyn-Mayer, 2015) abre com uma sequência estendida ambientada durante uma celebração do Dia dos Mortos na Cidade do México, apresentando um grande desfile público de figuras de esqueletos, fantasias de Catrina e elaborada maquiagem de rosto de Catrina. A sequência foi amplamente divulgada na imprensa internacional na época como essencialmente inventando um desfile de Dia dos Mortos em grande escala pelo centro da Cidade do México que não existia anteriormente nessa forma. As autoridades de turismo da Cidade do México, respondendo à visibilidade global que o filme gerou, organizaram um grande desfile público real Desfile do Dia de Mortos (desfile do Dia dos Mortos) a partir de 2016, o ano seguinte ao filme, com figuras gigantes de Catrina, carros alegóricos e participação em massa de maquiagem de rosto. O desfile agora atrai centenas de milhares de espectadores anualmente. Este é um caso documentado e frequentemente notado de uma representação de Hollywood de uma tradição gerando uma nova versão real dessa tradição (VERIFICADO; cobertura de notícias internacional contemporânea de Espectro e o subsequente desfile da Cidade do México, 2015 a 2016; a tese mais ampla de Marchi sobre transformação impulsionada pela mídia, 2009, antecipa exatamente essa dinâmica).

A animação da Pixar _Coco_ (dirigido por Lee Unkrich e Adrian Molina, Pixar Animation Studios e Walt Disney Pictures, 2017) trouxe o mundo visual completo do Dia dos Mortos, a ponte de pétalas de calêndula, a ), coberto em detalhes na página complementar de, os rostos de calavera, a cempaúchil, a terra dos mortos povoada por esqueletos, para um público global enorme. Coco foi um sucesso crítico e comercial, ganhou o Oscar de Melhor Longa-Metragem de Animação, e foi particularmente abraçado no México, onde se tornou um dos filmes de maior bilheteria na história do país. Embora os esqueletos de Cocosejam calaveras animadas estilizadas em vez da figura específica da Catrina de Rivera, o filme popularizou toda a estética do Dia dos Mortos e impulsionou um aumento mensurável no interesse por imagens de calavera e Catrina em todo o mundo, incluindo na demanda por tatuagens. (A tentativa anterior da Disney em 2013 de registrar a frase "Día de los Muertos" em conexão com o filme provocou uma reação pública significativa e foi retirada, um episódio frequentemente citado na discussão sobre apropriação abaixo.) (VERIFICADO; cobertura contemporânea de Cocoe a controvérsia de registro de 2013).

A comercialização é de dois gumes, e uma página acadêmica deve dizer isso claramente. Por um lado, Espectro e Coco geraram apreço global genuíno, impulsionaram o turismo e o orgulho cultural no México, e apresentaram milhões a uma bela tradição. Por outro lado, aceleraram o descolamento da Catrina e da calavera de seus significados mexicanos específicos, transformando a figura em uma estética de circulação global disponível para qualquer um, que é precisamente a condição que torna a questão da apropriação viva (tensão VERIFICADA; Marchi 2009 para a dinâmica subjacente de transformação através da circulação).

A discussão sobre apropriação: um tratamento honesto e com fontes

La Catrina é um dos motivos onde a questão da apropriação está genuinamente viva, e uma página acadêmica deve tratá-la honestamente, em vez de descartá-la ou pronunciar um veredicto.

O argumento de que a maquiagem de rosto de Catrina e as tatuagens de Catrina por não mexicanos podem constituir apropriação repousa no significado político-histórico mexicano específico. La Catrina não é uma dama esqueleto genérica; ela é um documento cultural mexicano particular. Foi gravada por um gravador mexicano específico (Posada) como uma sátira de classe e raça específica (a ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998).) sob um regime específico (o Porfiriato), nomeada e elevada por um muralista mexicano específico (Rivera) como parte de um projeto nacionalista específico (pós-Revolução (mexicanidade) distinta da cultura europeia. O festival que a elite porfiriana havia considerado uma superstição camponesa grosseira tornou-se, após a Revolução, um marcador celebrado da identidade nacional. O mural de Rivera de 1947, colocando a Catrina nomeada e vestida no centro literal de um panorama da história mexicana, foi um ato culminante dessa elevação. Na segunda metade do século XX, La Catrina migrou da folha impressa para o altar, o desfile, a encenação escolar, o pôster do festival e, eventualmente, para a imaginação global (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 2006).), e integrada a um feriado religioso sincrético indígena-católico específico (Día de los Muertos). Regina Marchi (2009) documenta tanto o profundo significado do feriado para as comunidades mexicanas e mexicano-americanas quanto o atrito gerado quando sua imagem é apropriada por estranhos como fantasia ou decoração desvinculada desse significado. A preocupação se intensifica quando a figura é tratada puramente como estética "assustadoramente bonita" adjacente ao Halloween, o que ignora a sátira e corre o risco de colapsar uma tradição significativa em um estereótipo genérico de "coisas mortas mexicanas" (preocupação VERIFICADA; Marchi 2009; Brandes 2006).

O episódio da marca registrada "Día de los Muertos" da Disney em 2013 é o conto de advertência canônico: uma corporação tentando possuir o nome de um feriado de um povo vivo para fins comerciais, retirada apenas após objeção pública sustentada. O episódio cristalizou a preocupação mais ampla de que a circulação do feriado e da figura através do comércio global extrai a imagem, mas a separa da comunidade e do significado que a produziram (VERIFICADO; amplamente documentado controvérsia de registro de 2013).

As contra-considerações honestas também são reais e devem ser declaradas. La Catrina é, por design e por intenção de Rivera, uma figura pública, política, anti-elitista cujo argumento inteiro é que a morte pertence a todos igualmente; alguns artistas mexicanos e comentaristas culturais acolhem sua ampla circulação como a disseminação de um presente genuinamente mexicano para o mundo. A figura não é sagrada como um ícone religioso; é uma criação artística-política secular. E a linha entre apreciação e apropriação não é traçada apenas pela etnia, mas substancialmente pela compreensão, respeito e relacionamento: uma pessoa não mexicana que viveu dentro de uma comunidade mexicano-americana, que entende a sátira da ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). e o significado de morte-igualadora e que usa a figura com essa compreensão ocupa um terreno muito diferente de alguém que a adota como uma estética do Pinterest. O consenso acadêmico, na medida em que existe um, não é "ninguém fora do México pode usar isso", mas "esta figura carrega um significado específico, e o significado merece ser conhecido e respeitado" (MISTO; Marchi 2009; Brandes 2006; discussão comunitária contínua).

Os usos mais fundamentados da Catrina, os usos menos propensos a serem registrados como apropriação e mais propensos a honrar a figura, são dois: memorial (homenageando uma pessoa falecida específica, especialmente uma parente mexicana ou mexicano-americana, dentro da estrutura de morte-igualadora e honra aos ancestrais para a qual a figura foi construída) e participação genuína no Día de los Muertos (usar ou marcar a figura como parte de um engajamento real com o feriado e a comunidade que o mantém). Um tatuador profissional pode ter uma conversa honesta com um cliente sobre em qual registro o cliente está entrando e se ele entende o que a figura significa antes que qualquer agulha toque a pele (posição prática VERIFICADA; Marchi 2009).

Uso memorial: honrando uma parente feminina falecida

O uso sério mais fundamentado e mais comum de La Catrina em tatuagens é memorial, especificamente o memorial de uma mulher falecida.

O encaixe é quase perfeito. A Catrina é feminina, então ela representa naturalmente uma mãe, avó, filha, irmã ou tia falecida. Ela é elegante e digna, então honra em vez de diminuir. Ela é uma figura de morte dentro de uma tradição, o Día de los Muertos, cujo propósito inteiro é a lembrança amorosa e a relação contínua com os ancestrais falecidos. E ela carrega o significado de morte-igualadora, que no registro memorial soa ternamente: esta mulher, qualquer que seja sua posição, agora está entre os mortos honrados, bela em seus ossos, retornada todo novembro para ser lembrada. Uma tatuagem de Catrina com uma faixa de nome lendo o nome e as datas de uma avó, cercada por suas flores favoritas, é uma das composições mais ressonantes em toda a tradição da calavera, e coloca o portador firmemente dentro da lógica cultural pretendida pela figura (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991 para a estrutura de honra aos ancestrais; Marchi 2009; Brandes 2006).

A Catrina memorial frequentemente dá à figura os traços individuais da falecida, uma Catrina retratada, onde a dama esquelética usa o rosto (ou meio rosto) da mulher específica que está sendo homenageada, fundindo o modelo de Catrina com rosto pintado com o realismo do retrato. Este é um trabalho tecnicamente exigente, quase sempre em preto e cinza de grande formato, e é uma das peças mais significativas pessoalmente que um artista da tradição chicana produz. A composição tipicamente integra o vocabulário memorial circundante, faixa de nome, datas, rosas, calêndulas, às vezes um pequeno retrato embutido, em uma única peça coerente (registro VERIFICADO; Negrete 2016; DeMello 2000).

A combinação com Frida Kahlo

Uma combinação moderna específica que vale a pena tratar separadamente é La Catrina com Frida Kahlo, uma das combinações de tatuagem com tema mexicano mais populares das décadas de 2010 e 2020.

A combinação tem uma âncora histórica real, não apenas estética. Frida Kahlo (1907 a 1954) foi esposa de Rivera, e Rivera a pintou no mural de 1947 da Alameda em pé diretamente atrás do jovem Rivera, com a mão em seu ombro e ao lado da própria Catrina. As duas figuras femininas, o esqueleto elegante e a pintora em seu Tehuana vestido, estão ao alcance dos braços na imagem original. Portanto, uma tatuagem de Catrina e Frida é, consciente ou inconscientemente, parcialmente uma reconstrução do agrupamento central do mural de Rivera (âncora VERIFICADA; Wolfe 1963; Museo Mural Diego Rivera).

Além do mural, a combinação funciona porque ambas as figuras se tornaram emblemas da identidade mexicana, da força feminina e de uma relação inflexível com a dor e a mortalidade, Frida através de seu sofrimento físico e sua arte, a Catrina através de sua encarnação literal da morte. Ambas também foram fortemente comercializadas (Frida, argumentavelmente, ainda mais do que a Catrina), e as mesmas tensões de apropriação que acompanham a Catrina acompanham a combinação Frida: as figuras podem ser usadas com profundo entendimento ou como um atalho estético genérico de "mulher mexicana forte". A combinação é mais fundamentada quando o portador tem uma conexão genuína com o conteúdo cultural e artístico, em vez de tratar as duas como ícones intercambiáveis de empoderamento genérico (MISTO; combinação bem documentada na prática contemporânea; a âncora do mural VERIFICADA via Wolfe 1963).

Combinações comuns e o que elas significam

A Catrina quase sempre aparece dentro de uma composição maior. As principais combinações e suas leituras:

Catrina + rosas. A combinação mais comum, baseada na mesma lógica de morte e beleza da vanitaseuropeia de crânio e rosa: a beleza e a impermanência da rosa em contraste com a mortalidade do esqueleto. No idioma preto e cinza chicano, as rosas são tipicamente renderizadas na mesma lavagem de cinza graduada da figura, integradas ao chapéu, ao vestido e ao campo circundante. Beleza e morte, a dama elegante entre as flores (VERIFICADO; cruzado com a página de rosa do Tattoo History Atlas para a tradição mais ampla de morte e rosa).

Catrina + calêndulas (cempaúchil). A calêndula é a flor canônica do Dia dos Mortos, a flor cujo aroma e cor acredita-se guiar os espíritos que retornam pelo caminho de pétalas até a ), coberto em detalhes na página complementar de. Combinar a Catrina com calêndulas a ancora explicitamente na tradição do altar do Día de los Muertos, em vez de em decoração genérica, e é um dos marcadores que sinaliza engajamento genuíno com o festival em vez de estética desvinculada (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991).

Catrina + faixa de nome. A composição memorial. Uma faixa com o nome e as datas de uma pessoa falecida, quase sempre uma mulher, integrada à peça, convertendo a figura em um memorial pessoal específico dentro da estrutura de honra aos ancestrais (VERIFICADO; Negrete 2016).

Catrina + Frida Kahlo. A combinação de ícones duplos, ancorada no agrupamento do mural de 1947 e no status de ambas as figuras como emblemas da identidade feminina mexicana, tratada na seção acima (âncora VERIFICADA; Wolfe 1963).

Catrina + velas. Inspirada na tradição da vigília no túmulo e ), coberto em detalhes na página complementar de de velas, a luz colocada para acolher e guiar os mortos que retornam. Reforça o registro de festival e memorial (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991).

Catrina + elementos de caveira de açúcar. As composições da Catrina frequentemente incorporam motivos decorados de caveira de açúcar, os olhos em anel de pétalas, o filigrana floral, o detalhe de caveira inscrita, especialmente no modelo de Catrina com rosto pintado. É aqui que os dois motivos se sobrepõem visualmente; a distinção (figura completa versus rosto decorado) é tratada acima e na caveira de açúcar (SOBREPOSIÇÃO VERIFICADA; Marchi 2009).

Catrina + serpente / boa de penas de quetzal. Seguindo a própria escolha de Rivera em 1947 de dar à Catrina uma serpente emplumada (Quetzalcóatl) boa, algumas composições ligam o esqueleto à moda europeia à imagem mesoamericana indígena, reafirmando a (mexicanidade) distinta da cultura europeia. O festival que a elite porfiriana havia considerado uma superstição camponesa grosseira tornou-se, após a Revolução, um marcador celebrado da identidade nacional. O mural de Rivera de 1947, colocando a Catrina nomeada e vestida no centro literal de um panorama da história mexicana, foi um ato culminante dessa elevação. Na segunda metade do século XX, La Catrina migrou da folha impressa para o altar, o desfile, a encenação escolar, o pôster do festival e, eventualmente, para a imaginação global (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 2006). que a leitura da figura carrega (VERIFICADO; documentação de mural de Rivera; Wolfe 1963).

Posicionamento: por que a Catrina quer uma tela grande

As exigências composicionais da Catrina distinguem suas opções de posicionamento de motivos menores de flash. Como a figura canônica é de corpo inteiro e densa em detalhes, o posicionamento é em grande parte uma questão de quanta figura a tela pode acomodar.

Costas. O posicionamento canônico para uma Catrina completa de corpo inteiro na tradição Chicano preto e cinza. As costas acomodam todo o corpo elegante, da cabeça à bainha do vestido, o chapéu emplumado completo, a boa e um campo circundante de rosas, cravos e trabalho de banner. A Catrina nas costas é uma das obras grandes assinaturas da linhagem de East LA (VERIFICADO; Negrete 2016; DeMello 2000).

Coxa externa. O segundo local canônico de grande formato, bem adequado à figura vertical completa e cada vez mais favorecido para Catrinas de memória e de reapropriação Chicana (registro VERIFICADO).

Manga completa. O braço acomoda a figura completa enrolada verticalmente, muitas vezes integrada em uma manga mais ampla do Dia dos Mortos ou da cultura Chicana com calaveras, rosas e imagens religiosas (VERIFICADO; Negrete 2016).

Panturrilha. Acomoda uma figura completa em uma escala ligeiramente menor do que as costas ou a coxa; um local comum para uma peça de Catrina autônoma (registro VERIFICADO).

Antebraço e braço superior. Mais adequado para um retrato de Catrina, a composição de cabeça e ombros ou rosto pintado, do que para a figura completa, pois a corrida vertical menor não pode acomodar o corpo completo com vestido em uma escala legível (orientação prática VERIFICADA).

Peito. Adequado para um retrato de Catrina ou figura de tronco superior em um registro íntimo ou memorial, muitas vezes emparelhado com uma faixa de nome sobre o coração (registro VERIFICADO).

Como em todo trabalho de grande formato, a decisão de posicionamento tem consequências técnicas, de longevidade e estilísticas reais, e é uma conversa a ter com um artista treinado na tradição específica. Uma Catrina preto e cinza de corpo inteiro é um trabalho de várias sessões; a escala, o posicionamento e a composição circundante devem ser planejados juntos antes da primeira sessão (posição prática VERIFICADA; DeMello 2000; Negrete 2016).

Como pensar em fazer uma tatuagem de Catrina

Se você está considerando uma tatuagem de Catrina, várias perguntas de enquadramento ajudam a chegar a um trabalho fundamentado:

  1. Qual Catrina? A figura completa com vestido (linhagem do mural de Rivera de 1947, carregando a sátira da classe Posada) lê-se de forma diferente da mulher viva com o rosto pintado de Catrina (a tradição moderna de pintura facial) e de forma diferente novamente de uma Catrina de retrato memorial (uma mulher falecida específica). Decida qual figura você quer antes da conversa sobre o design.
  1. Você sabe o que ela significa? La Catrina não é um esqueleto bonito genérico; ela é uma figura político-histórica mexicana cujo significado central é a morte como grande igualadora e cuja origem é a sátira de classe ) eram satíricos e políticos, visando os vivos, não objetos devocionais para o altar (VERIFICADO; Carmichael e Sayer 1991; Brandes 1998). de Posada. Conhecer o significado é a diferença entre honrar a figura e achatá-la.
  1. Qual é a sua relação com a figura? Os usos mais fundamentados são memoriais (honrando uma mulher mexicana ou mexicano-americana falecida) e participação genuína no Día de los Muertos. Se você está fora da cultura mexicana, a questão da apropriação é relevante e vale a pena pensar honestamente, em conversa com um artista que conhece a tradição.
  1. Qual escala e posicionamento? A figura completa quer uma tela grande (costas, coxa, manga, panturrilha); o retrato ou rosto pintado funciona no antebraço ou peito. Planeje a escala, o posicionamento e a composição circundante juntos.
  1. Que artista? Uma Catrina feita por um praticante treinado na linhagem Chicano preto e cinza de East LA carregará a fluência técnica e cultural que a figura recompensa. Se a tradição importa para você, encontre um artista treinado nela. A linhagem importa.

Um tatuador profissional pode ter uma conversa honesta com você sobre todos os cinco. A Catrina é uma das figuras mais significativas na tradição da caveira, e o trabalho que leva seu significado a sério é o trabalho que dura.

Fontes

  • Posada, José Guadalupe. La Calavera Garbancera (a gravura posteriormente conhecida como La Catrina), gravura em zinco, Cidade do México, c. 1910 a 1913, publicada por Antonio Vanegas Arroyo. Reproduções de domínio público disponíveis através da Biblioteca do Congresso e do arquivo Posada-Vanegas Arroyo. A impressão original e a fonte da figura.
  • Frank, Patrício. Folhetos de Posada: Imagens Populares Mexican, 1890 a 1910. University of New Mexico Press, 1998. A conta acadêmica padrão da prática de trabalho de Posada, a economia de impressão Vanegas Arroyo e o gênero de folhetos de Calavera .
  • Brenner, Anitta. Ídolos atrás dos altares. Payson and Clarke, 1929. O relato fundamental que apresentou Posada a um público internacional e o posicionou como o ancestral visual do movimento muralista mexicano.
  • Rivera, Diego. Sonho de uma tarde dominical na Alameda Central ("Sonho de uma Tarde de Domingo no Parque Alameda Central"), 1947. Mural originalmente no Hotel del Prado, Cidade do México; realocado após o terremoto de setembro de 1985 e instalado no recém-construído Museo Mural Diego Rivera em 1988. A obra que nomeou "La Catrina" e lhe deu a figura elegante completa; a imagem fonte para a maioria das tatuagens de Catrina.
  • Wolfe, Bertram D. O Fabuloso Life do Diego Rivera. Stein and Day, 1963. A principal biografia de Rivera em inglês; documentação do mural de 1947, seu agrupamento central Catrina-Posada-Rivera-Kahlo, e sua controvérsia inicial.
  • Brandes, Stanley. "Iconografia no Day dos Mortos do Mexico: Origins e Significado." Etnohistória 45, no. 2 (1998): 181 a 218. O principal tratamento acadêmico da sátira da calavera e do significado de morte como igualadora .
  • Brees, Stanley. Crânios para os Vivos, Pão para os Mortos: O Day dos Mortos em Mexico e Beyond. Blackwell Publishing, 2006. Relato antropológico do significado, história e transformação do feriado, incluindo a Catrina e Santa Muerte.
  • Carmichael, Elizabeth, e Chloë Sayer. O Esqueleto na Festa: O Day dos Mortos em Mexico. British Museum Press, 1991. O relato acadêmico padrão em inglês do feriado, a ), coberto em detalhes na página complementar de, a calavera e a elevação pós-revolucionária da imagem de Posada.
  • Marchi, Regina M. Dia de los Muertos nos EUA: A Migração e Transformação de um Fenômeno Cultural. Rutgers University Press, 2009. O relato principal sobre a evolução do feriado nos Estados Unidos, a tradição da pintura facial da Catrina, a comercialização e a discussão sobre apropriação.
  • Govenar, Alan "O Contexto Variável da Tatuagem Chicana." Em Marcas da Civilização, editado por Arnold Rubin. UCLA Museum of Cultural History, 1988. Documentação fundamental da tradição de tatuagem Chicana de East LA e seu vocabulário de motivos.
  • DeMello, Margô. Bodies de Inscription: Uma História Cultural da Comunidade de Tatuagem Modern. Duke University Press, 2000. Contexto histórico-cultural para a linhagem Chicana preto e cinza e suas composições de caveiras e Catrinas.
  • Negrete, Freddy, e Steve Jones. Smile Now, Cry Later: Guns, Gangs e Tatuagens. My Life em Black e Cinza. Seven Stories Press, 2016. Prefácio de Luis Rodriguez. A principal memória da cena Chicana preto e cinza de East LA, com discussão sobre a tradição de caveiras e Catrinas.
  • Tattoo Archive (Winston-Salem). Acervos sobre Good Time Charlie's Tattooland, Jack Rudy, Freddy Negrete, Mark Mahoney, tatuagem Chicana preto e cinza, SA Studios e a tradição de prisão Chicana (Pinto).

Redação

Pesquisado e escrito por João J. Mayo III, Editor, Tattoo History Atlas. Esta página reflete o cânone atual a partir da última revisão data acima e é atualizada trimestralmente. É o complemento da página caveira de açúcar ; onde os dois motivos se sobrepõem (o rosto decorado, o altar do Día de los Muertos), esta página cede lugar a essa e se concentra na Catrina de figura inteira de Posada-Rivera.

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